Adivinen la 'tagline': El desafío Matsan

Esta es una semana especial en varios aspectos. Bueno, principalmente hoy es un día especial; ya que cumple años una persona muy especial: Matías Martínez Aspesi. Matsan, amigo del alma, sabés lo mucho que te quiero y que siempre ando queriendo lo mejor para vos como buen Charly (tranqui, no hay dolly). Hoy, más que cualquier otro día, espero que sepas que estoy ahí con vos y te acompaño en todas. Si no me creés lo suficiente, chequeá: en cada fotolog donde este tu foto, en cada página que aparezcas; ahí va a haber un comentario mío...FELIZ CUMPLEAÑOS!

Para celebrar el cumpleaños del Matsan, traje un desafío muy especial en esta semana tan especial. Este posteo va a ser el único de la semana, ya que yo tengo el examen CAE de Cambridge éste sábado y estaré estudiando como un condenado en el transcurso de los días que vienen. Eso no significa que no los considere a ustedes aptos para este desafío...

Con una lista de películas muy queridas para el cumpleañero, “El desafío Matsan” trae diez taglines para que ustedes descifren. Si quieren hacer “la gran Toto” y utilizar a Google para resolver esto, siéntanse libres. Eso sí, esta vez cero posibilidad de ver lo que los demás comentaron; así el mérito es propio. Pero espero que todos lo intenten, ya que tienen casi una semana entera para pensar y poner sus comentarios...Se pueden tomar su tiempo y también contestar aunque no las tengan todas las respuestas: PODRIAN SALIR VICTORIOSOS!

Me alegra saber que “Hide And Seek” (Mente Siniestra) ya no está entre las películas más estimadas del Matsan, y que las taglines que adivinarán esta semana constituyen piezas que deberían tratar de ver por una u otra razón.

Sin más preámbulos; mucha suerte y a adivinar las TAGLINES del DESAFIO MATSAN!

1."El temor te puede mantener prisionero. La esperanza te puede liberar"
2."Cambias una cosa, cambiarás todo"
3."Chicas como yo no hacen invitaciones como estas a cualquiera!"
4."...Mira mas cerca"
5."Algunas Herencias Deben Terminar"
6."Recuerde, recuerde el 5 de noviembre"
7."La historia verdadera de una verdadera farsa"
8."All you need is love"
9."Sobre 3000 islas de paraíso -- para algunos es una bendición -- para otros... Es Una Maldición.”
10.“Asustamos porque nos importa”

Una cosita más...Yo estoy lejos en este momento, así que tengo un mensaje para Mati: Como no puedo darte un regalo personalmente el día de hoy, lo mínimo que pude preparar con todo mi esfuerzo concluyó en un par de escritos que te ofrezco como presente.

Un par de películas; una que volví a ver y otra que, para tu suerte, pude ver por primera vez. De nuevo, feliz cumple pro...Sos pro pa!

“The Prestige” (El Gran Truco)

Me dije que vería esta película una vez más antes de escribir sobre ella. Ya lo hice, y esto es lo que tengo: Christopher Notan ha hecho cuatro muy buenas y muy diferentes películas; “Memento”, "Insomnia", “Batman Inicia” y “El gran truco”. Que la última sea un poquito mejor que las anteriores sólo demuestra su constante crecimiento como director y como guionista. Mientras que “Memento” era un complejo relato de la mente de un hombre amnésico, y “Batman Inicia” un audaz recomienzo de la famosa saga; “El Gran Truco” es la adaptación de una novela acerca del mundo de la magia.

Escrito junto a su hermano Jonathan, el guión del director no tarda en sumergirnos inmediatamente en ese mundo donde queremos creer todo; ese mundo de trucos e ilusiones. “Están mirando atentamente?”, una voz en off pregunta apenas aparece la primer imagen del film; y si no escuchan eso o no le hacen caso puede que no comprendan la historia. La pregunta es también una invitación indirecta a prestarle atención a cómo se ve la película, gracias a la increíble cinematografía de Wally Pfister.

Seguido de la pregunta mencionada, un inspirado Michael Caine da un discurso acerca de los tres pasos que completan un truco de magia, mientras él le hace uno a una pequeña niña. La niña ésta es una pieza fundamental de la trama, pero nos enteramos más tarde. La manera en que la dirección y la escritura de Nolan se combinan para, de a poco, dar a conocer nuevos desarrollos de esta inmensa trama, es uno de los puntos que muestran la mejora del trabajo del realizador.

Basta con decir que “El Gran Truco” trata de una competencia eterna entre dos magos, cada uno excelente en su propia manera: Robert Angier (Hugh Jackman) y Alfred Borden (Christian Bale, camino a convertirse en fetiche de Nolan). Y deben creerme cuando les digo que dicha competencia acaba por consumir sus vidas; arruinando las de todos aquellos que los rodean.

Esta relación de admiración, mezclada en gran cantidad con obsesión, envidia y resentimiento; puede verse perfectamente en el duelo de interpretaciones que asumen los actores principales. Estando separados y encontrándose cara a cara contadas veces durante la película, es como si se conocieran de memoria y hasta se pudieran mirar; en momentos en los que la trama los posiciona en diferentes épocas, ya que a veces el film trata con tres diferentes situaciones (en distintos tiempos) a la vez.

Si hasta ahora no habían considerado a Hugh Jackman talentoso, o si lo habían visto meramente como un tipo con suerte; “El Gran Truco” es el lugar para descubrir su poder interpretativo y tomar conciencia del talento que es. En cuanto a Bale, fácilmente se roba el show con otra actuación llena de elementos propios e inolvidables. Es tan fuerte la presencia de ambos que Scarlett Johansson, generalmente una atracción principal, pasa muy fácilmente desapercibida.

Cuando la película se acaba, van a tener una sensación de insatisfacción que les provocará verla de vuelta. Se que a Matsan le pasó, y a mí también me ocurrió. Yo no pude hacerlo porque la vi en el cine, pero si la alquilan no lo piensen dos veces y háganlo porque vale la pena; “El Gran Truco” es una perla cinematográfica.

---9/10

“American History X”


Presten mucha atención al comienzo de “American History X”. La cámara muestra tomas cambiantes de una playa, en blanco y negro. De hecho, gran parte de la película es en blanco y negro mientras que otra es en color. El director, Tony Kaye utiliza el último de estos para retratar el presente y el anterior para el pasado. Todo muy inteligentemente, acentuado por algunas resaltantes secuencias de cámara lenta; y es todo su responsabilidad.

Kaye no sólo es el director de “American History X”, sino también el director de fotografía; y está en control de cada una de las tomas que vemos a lo largo del film. Que la cinematografía y la dirección vengan de la misma persona no es algo que se ve todo los días, así como ésta película no es una que se van a encontrar cualquier día.

La rabia que expresa “American History X” es de un nivel superior al de películas que he visto y que tienen tanto o más que decir que ella. Pero el hecho interesante aquí es que es una rabia contenida; hecha más notable por las escenas violentas en un parco blanco y negro y aún no liberada por completo en uno de los clímax más impactantes que he presenciado en mucho tiempo, y que Kaye filma en color. Me pegó tan pero tan fuerte el final y el film en general, que no se me olvidará jamás.

Y es que el guión de David McKenna tiene declaraciones en la línea del tema que siempre ha transitado Spike Lee pero con un leve diferente acercamiento, más humano. Si hay que compararlo directamente con algo de Lee, sería con “25th Hour”; también con Edward Norton y estrenado años después de “American History X”. Es más, si la actuación de Norton no fue reconocida en “25th Hour” es precisamente porque el actor interpreta a un personaje muy parecido a su Derek de éste film.

Para los que desconocen la historia, Derek es el mayor de cuatro hermanos, cuyo padre ha muerto y viven con su madre, Doris (Beberly D’ Angelo). Enojado con la sociedad (como muchos lo estamos alguna vez), la vida de Derek toma un giro que lo deja a él en la cárcel y a su hermano Danny (Edward Furlong) involucrado en la vida que el dejó atrás. La película muestra el día en el que Derek sale de la cárcel y Kaye lo usa para visitar el pasado con los métodos fotográficos que mencioné; mostrando en imágenes el complejo guión de McKenna.

Este es un guión que no sólo retrata a una sociedad de diferencias sociales, sino también la emotiva historia de una familia, de una amistad, de una hermandad y de un hombre seriamente afectado por su entorno. Lo que pasa en el desarrollo del film es para que ustedes lo disfruten, pero les voy a decir dos cosas. Una; el film tiene uno de los personajes con el corazón más grande que jamás vi en pantalla: se llama Lamont (Guy Torry). Dos: la actuación de Norton es sencillamente excelente; cautivante hasta el extremo en que no se le puede quitar los ojos de encima.

Además de que hay algo en la manera en que Norton se mira ante un espejo (se puede ver también en “25th Hour”); la convicción con la que habla su personaje es algo fuera de lo común. Entre las mejores escenas de la película se encuentra una discusión en la mesa familiar; donde Derek sostiene sus convicciones ante las de un tal Murray (Elliot Gould), que no es parte de la familia. El diálogo hablado es el reflejo de una perspectiva acerca de la sociedad norteamericana y de un aspecto que, aunque parezca que sí, nunca se ha dejado de tratar.

Cómo hiciera Spike Lee en “Do The Right Thing (Haz lo correcto)”, McKenna deja una frase para la reflexión al final de la pieza, que Kaye acompaña con tomas de playas y orillas otra vez, pero en color. Sólo que Lee ponía de quienes eran las citas; Kaye y McKenna sabiamente se lo guardan.

---9/10

Podría decir fácilmente...Hasta la semana que viene Sospechosos!!!

Rareza de la semana

Para finalizar la semana, una última cosita dedicada; esta va para Joaquín Urdinez: nuestro ganador de ‘taglines’, fiel lector y conocedor musical y cinematográfico...Un genio en pocas palabras; que a veces sorprende (él sabrá por qué).

Una película peculiar e interesante acerca de un tema muy tratado en el cine; “Historias de familia” lo revisita y lo remonta a unas décadas atrás. Para quienes les guste el cine independiente.

La crítica de “The Squid and the Whale (Historias de familia)”, para Urdinez, a continuación.

“The Squid and the Whale”

Aunque no lo crean, hemos visto filmes como este antes. Quizá no con el mismo detalle, pero acerca del mismo tema general; una familia disfuncional que enfrenta su problemas en una dirección y guión sin inhibiciones. Podríamos decir que “The Squid and the Whale” tiene un algunas inhibiciones menos que el nivel normal, no Joaquín?

Con una gran dosis de realidad incluída, los Berkman tienen que vivir con los padres Frank (Jeff Daniels) y Joan (Laura Linney) en medio de su divorcio. Al principio parece que simplemente ya no se aman; más tarde, nuevos hechos son descubiertos en frente de los ojos de sus hijos Walt (Jesse Eisenberg) y Frank (Owen Kline). Esto lleva a una gran cantidad de locura y una conclusión aparentemente incierta.

En la línea de filmes de escritores/directores como “The Door in the Floor” o “Igby Goes Down”, la película no dura tanto y el secreto de la cámara yace en la observación. Aquí, no experimentamos una pieca llena de trucos de cámara y tomas innovadoras, pero tampoco lo estamos esperando. Nos damos cuenta instantáneamente que se está contando una historia y, para que nosotros prestemos atención, todo debe moverse lentamente.

Fíjense en las actuaciones...Jeff Daniels, desinteresado como siempre en un rol que le queda perfecto; camina con calma durante el desarrollo de la historia, sólo levantando su voz y enojándose dos o tres veces. Y así sucede con todos los personajes: Laura Linney está maravillosa en el rol difícil que le toca, pero la rabia le llega dos veces; Jesse Eisenberg (de la subestimada “Roger Dodger”) tiene una muy fuerte escena de gritos, mientras se ve perdido por el resto de la película, intepretando correctamente al complejo Walt.

En Owen Kline encontramos a un talento natural para una actuación oscura que haría a su padre Kevin orgulloso. Y también nos dan la presencia de la hermosa Anna Paquin, quien interpreta un personaje muy subido de tono y completa una escena ‘muy subida de tono’ con un nivel de alto profesionalismo; me gustaría que hiciera más trabajo que el que está haciendo. William Balwin es el último y quizá el más calmado hombre en el reparto, interpretando a Ivan, un profesor de Tennis que se convierte en el modelo a seguir de Frank.

El trabajo técnico está entre la calma también...Especialmente la edición de Tim Streeto, quién ha sido asistente de edición en varios filmes de este tipo (“Black and White”, “American Splendor”). Finalmente, Noah Baumbach es un hombre del que podemos esperar mucho. El truco de la observación en la cámara está automáticamente conectado a su peculiar pero fantástico guión, que, como dije, contiene mucho detalle que puede volverse ‘raro’; pero con genial timing.

Fácilmente podríamos decir que el guión de Baumbach es una ‘tormenta’, porque pone a sus personajes en el medio de una, pero también podemos decir que Baumbach es un hombre que definitivamente trata de encontrar la calma en medio de la tormenta, en sus personajes y en su película. Vean la referencia del título de la película en la histora y lo entenderán: un claro ejemplo de encontrar ‘la calma en medio de la tormenta’...No Urdinez?

---7/10

Casi me me olvida...Preparense para unas 'taglines' interesantes!

El actor sin Oscar: Recomendaciones

No me había dado cuenta hasta esta semana que empecé a escribir de Edward Norton, pero he visto el 95% de todas las películas del actor. Ofrezco mis más sinceras disculpas a aquellos seguidores de su trabajo que han visto “American History X”; pues es una de las pocas que yo no pude ver todavía…Lo haré pronto.

Dejando eso de lado, el resto de las cintas en las que Norton ha participado, son buenas. Por lo tanto, no puedo hacer más que recomendárselas; en una “Recomendación” más que especial. Todas valen la pena de una u otra manera, así que traten de ver cualquiera.


“Death to Smoochy”: Sátira inteligente, pícara y divertida acerca del mundo del espectáculo para niños. Dirigida y protagonizada por Danny De Vito, y con un elenco de actores prodigiosos (por supuesto Norton, Catherine Keener y Robin Williams en una de sus mejores actuaciones de ésta década); una mezcla de comedia y musical bizarra pero muy buena.


“25th Hour”: De la mano de Spike Lee, esta historia de un hombre en su último día de “libertad” es un estudio de personajes en momentos de desesperación que atrapa al espectador desde el primer minuto. Con una interpretación poderosa de Norton y una simplemente excelente del gran Philip Seymour Hoffman; para quedarse pensando (sobretodo por una escena inolvidable de esas que sólo Spike Lee consigue).


“Fight Club (El club de la pelea)”: Un cine que sólo David Fincher ha sido capaz de crear se ve claramente en “Fight Club” como en sus otras películas. Hablo de películas que puede que no se lleguen a entender en su totalidad cuando acaban; pero te marcan mucho de algún modo. Norton y Pitt: dupla potente y convincente.


“Kingdom of Heaven (Cruzada)”: La cara de Norton no se ve en el film, y si uno no lee; es difícil saber que el actor está participando allí. No es principal, pero es parte de la película; que es muy buena y con la marca registrada de la dirección de Riddley Scott: escenas impactantes y batallas increíbles, pero personajes con sentimientos.


“The Score (La Cuenta Final)”: Robert DeNiro está en esta película; pero Edward Norton actúa a su lado y se la roba. No es lo más original del mundo, pero los dos actores la llenan de emoción y Norton (repito) se la roba al gran Bob; y está excelente.


“Rounders”: Una de las pocas buenas películas que he visto acerca del manejo del Poker y del circuito de apuestas afuera de los casinos. Norton se luce y Matt Damon no se queda atrás. No sólo indispensable para un fan de Norton, si no para cualquier persona que le guste el Poker, aunque sea en un grado mínimo.


"The Italian Job (La estafa maestra)": Entretenida y con varios elementos positivos para hacerla una experiencia bastante interesante, "La estafa maestra" cumple con su cometido mediante un elenco de raperos, actores ganadores de Oscar, comediantes y...Norton!


“Frida”: La participación de Norton en “Frida” es reducidísima, pero la actuación de Salma Hayek es increíble y la película no está nada mal.

No hay mucho más que decir acerca de todo eso…Como dije, todas recomendadas.

Ale, espero que te haya gustado la semana dedicada.

Los veo mañana con una ‘rareza’!

El actor sin Oscar: Detrás de la cámara

Para finalizar, la única cinta de Edward Norton como director.

La crítica de “Keeping the faith” (“Divinas Tentaciones”, una de las pocas buenas traducciones que se han hecho al español), a continuación.

“Keeping the faith”

Poco conforme con su trabajo como actor, digamos que Edward Norton simplemente decidió agarrar la cámara y ver que podía ser. Podría haber hecho un drama, ya que era el territorio con el que más se lo asocia…Pero muy inteligente como ya lo he descrito, actor dramático destacado, Norton decidió dirigir una comedia. Yo ya lo dije, es más difícil hacer reír que llorar.

En su trabajo de preparación, decidió hacerse de buena gente para realizar su largometraje. Ayudado por la mejor directora de casting, Avy Kaufman, dio a parar en Ben Stiller para que lo acompañara en la travesía de la amistad. Porque “Divinas tentaciones” es una comedia romántica en su exterior, pero es en esencia una historia de amistad.

Noten que en la primer escena del film, un arruinado Brian (Norton) camina borracho por las calles de Manhattan y llega a uno de esos bares donde el único plan es descargarse con el hombre detrás de la barra. Entre lágrimas y alcohol, y antes de contar la historia que da lugar a toda la película; saca una foto: es la imagen de tres amigos, dos chicos y una chica.

Brian es uno de los chicos, el otro es Jake (Ben Stiller). La chica es Anna (Jenna Elfman), su compañera fiel y casi un hombre más del grupo que un día tuvo que partir. Brian era católico, Jake era judío. Brian se volvió cura, Jake se convirtió en un rabino. Así de divertido como suena en palabras, Norton lo plasma en la imagen del film, que como intuirán, no es lo más predecible pero tampoco lo más original del mundo.

El guión con el que Norton fue a parar fue con el primer trabajo completo de Stuart Blumberg. En su historia, Blumberg lleva a los personajes de un lado a otro sin parar, en medio de la ciudad de Manhattan. Norton está más que feliz de mostrar a Manhattan con la cámara, aunque esquiva los lugares comunes y evita colocar a los personajes en situaciones que involucren típicos edificios o atracciones turísticas de la ciudad, que se suelen ver en este tipo de comedias.

Básicamente, el riesgo que tanto identifica a Norton como actor, es el que vemos en su trabajo como director. El atrevimiento principal fue el hacer una comedia, aunque no haya tomado tantos otros una vez dentro del género. Otra buena cualidad de “Divinas tentaciones” es que es fresca, y en ese aspecto me recuerda a un film de otro Edward, Burns: “Sidewalks of New York” (recomendada).

Como comedia, “Divinas tentaciones” no falla; ya que sin ser en exceso, contiene momentos graciosos. En el aspecto romántico tampoco falla, pero por las actuaciones; con Norton actuando bien como siempre y con Stiller construyendo el personaje más creíble de su carrera después de Michael (en “Reality Bites”-"Generación X" en español). También hay un par de leyendas en el elenco, como Anne Bancroft, y Milos Forman (actuando).

Por supuesto que no es una obra maestra, pero es definitivamente imperdible para cualquier fan de Norton.

---7/10

El actor sin Oscar: Emociones intensas

Al final del año pienso hacer una lista de las diez mejores películas que haya visto en el 2007, y desde ya puedo estar bastante seguro que la película que veremos hoy va a estar ahí.

Las facetas que el personaje de Edward Norton cubre en este film, y lo bien que lo hace, es algo que no puedo explicar. Pero no es sólo por eso que deben ver “The Painted Veil” (“El velo pintado”); deben verla porque es emocionante en su verdad y en su trato del amor; diferenciándose de la típica historia romántica.

La crítica de “The Painted Veil”, a continuacion.

“The Painted Veil”

Interesantemente, llegué a esta película no por sus dos protagonistas, sino por su director. El hombre es John Curran, un director independiente con una profunda visión que está yendo por el camino correcto y que si sigue así, me atrevería a decir que estará entre los grandes nombres pronto. Eso es, claro, si decide trabajar con más constancia. Ha hecho tres largometrajes que han ganado premios y reconocimientos.

Yo he visto dos de ellos; “We don’t live here anymore” (“Adulterio”) y ahora “The Painted Veil”, la vida de una pareja en 1920, donde un hombre se le acercaba a una mujer después de conocerla por un día y le decía: “Vine aquí para pedirte que te cases conmigo”. Esto es lo que el Dr. Walter Fane (Edward Norton) le propone a Kitty (Naomi Watts); y ella acepta, por supuesto; porque es una oportunidad para alejarse de sus padres. Fane es un ‘microbiólogo’ o algo parecido, pero a ella no le importa. Él la lleva a Shangai, donde conoce a Charlie Townsend (Liev Schreiber).

Algo horrible y predecible sucede, que lastima a un personaje y al espectador y le da lugar a Curran para lidiar con un tema que conoce bien; el adulterio. De todos modos, este es solo el comienzo de un sufrimiento silencioso y de una vida silenciosa con conversaciones limitadas. Pero fuertes conversaciones, provenientes del inteligente guión de Ron Nyswaner, basado en la novela de W. Somerset Maugham. Pasado por alto por la Academia, el trabajo de Nyswaner perimite que los personajes expongan sus sentimientos sin piedad; que es exactamente la manera en la que John Curran hace películas.

En “We don’t live here anymore”, las imágenes eran violentas. Aquí: “Acaso me desprecias por completo?”, Kitty le pregunta a Walter. “No, me desprecio a mí mismo por haberme permitido amarte una vez”, él responde. En escenas como ésta, los acercamientos de Curran son atrevidos; pero también consigue medir sus tomas para darnos unos hermosos paisajes. Volviendo a Nyswaner, el guionista consigue el ‘vuelco’ de la historia perfectamente, entregándonos una gran galería de personajes (Toby Jones como un vecino impredecible, Anthony Wong Chau-Sang como un duro coronel chino, Diana Rigg como una monja compasiva) mientras enfrenta temas fuertes como las enfermedades terminales y las diferencias sociales.

De vez en cuando reconocido como el hombre más inteligente de la industria, un actor versátil y subestimado, Norton produjo la película (en la que está absolutamente brillante, con el acento inglés incluido) y se aseguró que Naomi Watts estuviera en ella…Cada vez que Watts aparece en pantalla se ve diferente; aunque sabemos que es ella. Su rango es más sorprendente cada día. No hace mucho, Watts dijo en una entrevista que estaba cansada de roles dramáticos en los que tenía que llorar todo el tiempo; quería que le dieran un gran cheque en una “estúpida comedia romántica”. Aún así, produjo el film anterior de Curran (donde también estuvo genial) y co-produjo éste: le debe importar un poquito.

Últimamente, con todas las cosas que cubre, “The Painted Veil” es una hermosa historia de amor encontrado, como en ‘descubierto’ (si es que me explico); una historia de arrepentimiento y del más puro de los perdones. También quiero comentar que luego de ver dos de sus piezas, Curran tiene algo con las calles en las últimas escenas; pero no importa, son cosas mías.

---9/10

El actor sin Oscar

Como siempre digo, aquí se aceptan peticiones y yo hago mi mayor esfuerzo por cumplirlas. Claro, a veces no es tan fácil; pero el otro día mi amigo Alejandro me hizo una, o quizá sólo me pidió un favor. Ya no importa igualmente, porque lo preparé para él; y le dedico esta semana a el pequeño Alejo (?); un Sospechoso más.

El título de arriba es bastante general, lo sé. Primero, porque también se podría referir a una actriz, y hay varias que no lo tienen y se merecen un premio de la Academia, comenzando por Winona Ryder; segundo porque hay varios hombres que ni siquiera han sido nominados y otros que ya lo fueron y demasiado tarde. De cualquier manera, el actor del que hablaré esta semana ya se lo merece hace tiempo, pero por lo menos ya ha sido reconocido con alguna nominación.

Edward Norton es uno de los actores más completos que hay en Hollywood; actor, director y exitoso productor de películas, ha explorado todo territorio: drama, comedia, acción, terror, cine independiente y cine para las grandes masas…Ninguna pero ni siquiera una vez ha fallado en cumplir con su papel; entregando comprometidas y a veces poco comunes actuaciones.

Ésta semana no podemos hacer más que verlo en algunas de sus diferentes facetas, comenzando por su participación en el bien manejado ‘thriller’ “Red Dragon” (“Dragón Rojo”), que parece ser no la última sino la primer parte de la historia del famoso Hannibal Lecter, interpretado por Anthony Hopkins.

Ale, espero que disfrutes…

La crítica de “Red Dragon”, a continuación.

“Red Dragon”

Quisiera decir, antes de entrar en detalles, que no soy un gran fanático de las películas de suspenso o de misterio; ‘thrillers’, para ser exactos. Nunca me han gustado mucho, pero la verdad es que me encuentro ocasionalmente atrapado (si se puede poner de esa manera) por algunos de estos filmes. Esto sucede cuando los elementos usuales (los Sospechosos), esos que no se pueden eliminar, están bien manejados; como en “Red Dragon”.

Hace falta un buen, o mejor que un buen equipo para realizar esta película. La gente a cargo de ella fue probablemente respetuosa con el escritor y trató de ser fiel a la historia, trabajando profesionalmente. “El silencio de los inocentes”, una película que no he visto, ha sido calificada como la mejor de su género. Éste equipo tomó la decisión correcta, en cuanto a no decepcionar a la historia. Digo esto por otros casos similares en los que al equipo no le importa la historia; sino el propósito de hacerl film (ganar dinero en la mayoría de los casos). Las secuelas de “El Exorcista” son un buen ejemplo de esto. Fueron hechas para obtener la misma cantidad de dinero que obtuvieron con la primera en la ‘box-office’. “El Exorcista: El comienzo” lo consiguió…Mucha plata.

El elenco en este film es soberbio. Leí acerca de las primeras opciones para algunos de los personajes y no sé si lo podrían haber hecho mejor que estas personas. Anthony Hopkins me sigue sorprendiendo en la manera de que puede tener las mismas expresiones en cada toma. Se mantiene igual durante todo el film sin cambiar la posición de sus ojos (exagerando un poquito). Increíble actuación. Calmada, segura y llena de estilo personal. Lo amé en “Nostalgias del pasado” por las expresiones de las que estoy hablando.

Edward Norton es uno de los mejores actores trabajando hoy. En roles en los que no debería, toma riesgos. Creo que lo vi por primera vez en “The Score” (“Cuenta Final”) y pensé que fue el mejor elemento que la película tenía. Luego lo vi en “Death to Smoochy”, interpretando un rol muy diferente, pero igualmente bueno. Luego en “El club de la pelea”, en “Rounders”, en “25th Hour”…Dios; excelentes actuaciones. Aquí lo hace de nuevo. También me gusto ver a Harvey Keitel haciendo el papel que sabe de memoria otra vez. El hombre tenía 60 cuando hizo el film.

Tengo que darle un párrafo al ‘dragón rojo’, verdad? Fiennes interpretó al personaje con mucha emocion. Bien; porque eso es lo que su personaje necesitaba. No siempre vemos a estos villanos con emociones profundas. Lo que siente por Reba (Emily Watson; bastante bien pero poco usada) es algo para estudiar. No me gusta la cosa esa del alma poseída por el diablo, pero funciona acá, porque se puede ver que el villano de veras siente.

Y qué me pueden decir de la presencia del gran Philip Seymouur Hoffman como Freddy Lounds? No se cansa de hacer las cosas bien, no? Y por supuesto, una película con musica de Danny Elfman no puede ser tan mala, creo yo.

La pieza no lo tiene todo, pero está bien si tiene lo que necesita. A veces, ‘lo que una película necesita’ no es todo.

---7/10

De yapa (Piratas...)

Vine a chequear el mail un rato hoy para conectarme con el mundo, y Pensé: Por qué no hago un posteo “de yapa” para los chicos…Bah, que se yo!

En realidad este posteo es principalmente para desearle un MUY FELIZ CUMPLEANIOS (no tenemos la enie) a mi amigo Lucas Gregori, a quién tantas veces apodé “Lechamp”, o “Lucha” o “Luchap” hasta que se cansó. Ahora es el Grego, y es un genio, y lo quiero mucho… Grego, espero que la hayas pasado de diez!

También me dije que esta semana se estrena una película que algunos de nosotros (yo mismo incluido) estamos esperando hace un rato: “Piratas del caribe 3”. Por lo tanto, quise dejarles rápidamente una pequenia crítica de la última de las pelis…La 2!

Disfruten la crítica de “Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest”, a continuación.

“Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest”

Estaba hablando con un companiero el otro día, acerca de los parques temáticos de Disney. Acerca de lo hermosos que son y como todo parece ser un suenio cuando uno los visita. Creo que es casi lo mismo con los filmes de Disney: la sensación de que todo es un largo y colorido suenio o, y no lo digo para subestimar la calidad de los filmes; un largo y entretenido paseo de Disney.

En “Piratas 2”, como en “La maldición del Perla Negra”, nos damos cuenta que cada escena está hecha en un set arreglado, donde, tarde o temprano, todo elemento presente se convertirá en algo útil para el desarrollo de la escena; porque todo está pensado desde antes. Si el elemento va a explotar o a caerse no importa; el punto es que todo cobra vida.

Con este ‘vivo’ ambiente, “Piratas 2” lleva al Jack Sparrow de Johnny Depp y a su tripulación nuevamente al mar. Esta vez no hay ningún Geoffrey Rush, pero un nuevo villano llamado Davy Jones, interpretado asombrosamente por Bill Nighy. La línea de la historia sigue los elementos de la primer película, pero lo que es un poco negative es que no van a entender todo si no vieron “La maldición del Perla Negra”.

Los escritores de “Piratas…” le dan mucho crédito a su audiencia (no me imagino como no deberían, cuando la película recauda tanto), esperando que ellos capten la trama inmediatamente. Esto, para el público general es problemático, porque usualmente las secuelas encuentran una manera para que el espectador entienda lo que ha pasado antes, en caso de que no haya podido ver la primer parte. No sucede así en “Piratas 2”, pero no significa que no puedan disfrutarla.

Personalmente, encuentro la decisión de los escritores arriesgada y me gusta, así que no me molesta; principalmente porque el guión está tan bien escrito y las conexiones con la primer película están puestas de manera muy inteligente. La trilogía ha sido bendecida con escritores increíbles, capaces de generar humor, aventura y drama no sólo para los chicos, también para los adultos.

Vale la pena analizar esto: Ted Elliot y Terry Rossio, los escritores, son responsables de “Shrek”, la major película de animación computarizada de Dreamworks y una que encuentra el balance entre chicos y adultos, con algo para cada uno. Son responsables de “El camino hacia El Dorado”, una de mis películas animadas favoritas y la major de Dreamworks en 2-D. Finalmente, armaron el guión de “El planeta del tesoro”, una de las pocas buenas películas animadas de Disney luego del cambio del equipo de trabajo; donde también encontraron el balance que mencioné arriba.

La trilogía ha sido bendecida también con actores increíbles. Johnny Depp repite al único Capitán Jack Sparrow, desapareciendo en el papel y adueniandose del film, como es su costumbre. La Elizabeth de Keira Knightley vuelve y, aunque no con la misma importancia del primer film, hace que el personaje se vea más real, con menos maquillaje y más mugre en su cara (es así); mostrando que no es una ‘pricnesa’ y que es una mujer con determinación; estoy esperando el crecimiento final de su personaje. Y Orlando Bloom, quizá no tan increíble como el resto, pero con un excelente reparto a su lado.

Finalmente, la trilogía ha sido bendecida con un director dotado: Gore Verbinsky; quién fue elegido para la franquicia luego de haber hecho sólo un par de filmes. Completamente diferentes en géneros, la comedia “Mousehunt” y el remake de “El Aro” eran igualmente complejas para dirigir. Verbinsky tomó el riesgo y no le falló a Bruckheimer con “Piratas”.

Volviendo a mi punto principal, pueden tomar “Piratas 2” como un largo y colorido suenio o un largo y entretenido paseo de Disney. Cualquiera sea el caso, una cosa es segura: es entretenimiento para toda la familia. Ah, casi me olvido: Hans Zimmer es un genio.

---7/10

Rareza de la semana

Para que descansen un poco las mentes de tanto adivinar ‘taglines’, les tengo una nueva rareza para que contemplen. Encontré ésta película por televisión y, aunque tiene un par de actores conocidos, son la mayoría independientes, y la película da la impresión de venir de ese sector del cine.

Con el título de “Perfect Opposites” y ninguno que yo haya encontrado en español, el film es ‘disfrute puro’, si no hay mejor manera de ponerlo. Comedia tierna y divertida, original como pocas; algo que vale la pena buscar y ver si se encuentra. Acepto cualquier sugerencia o comentario como siempre, y hasta la semana que viene!

La crítica de “Perfect Opposites”, a continuación.

“Perfect Opposites”

Cualquier película que empieza con un título escrito como: “Un film hecho por todos los que trabajaron en él”, es una película que fue realizada con personas divirtiéndose; personas disfrutando el término ‘hacer cine’. Se ve en “Perfect Opposites” que todos trabajaron con alegría y dedicación. Es una comedia, pero bien hecha, graciosa y buena.

La historia está narrada por Drew, interpretado con naturalidad y confianza por Martin Henderson. Drew quiere que el espectador sepa lo que le pasó a él y a una chica de la que está enamorado. Se centra en Los Angeles, a punto de empezar a ‘hacer lo suyo’ con ella, pero repentinamente la película se detiene. Drew la ha detenido; para volver el tiempo atrás y contarnos como ambos se conocieron (se ha hecho antes, pero se repite constantemente y funciona siempre)…Julia es el nombre de la chica.

Hay una película que vi hace mucho tiempo acerca de unas chicas luchando por su vida y tratando de ser independientes, y una de ellas quería ser cantante. Se llamaba “Coyote Ugly”, y no recuerdo que me haya gustado mucho la película, pero si la chica en el papel principal; una bella y talentosa actriz llamada Piper Perabo que iluminaba la pantalla y todavía lo sigue haciendo, aquí como Julia.

Julia y Drew sufren los problemas de todas las parejas, y la película hace un buen trabajo poniendo éstos en pantalla. El amigo de Drew, Danny (Jason Winer), tiene una teoría acerca de la monogamia de los hombres: “No pueden tener sexo con una sola mujer”. Y Drew empieza a pensar sobre eso y concluye que si se queda con Julia va a tener sexo con una sola mujer en su vida.

Pero la ama, y aunque ella lo ama a él y debería ser suficiente, sabemos que la mayoría de las veces no lo es. Se hacen amigos de una pareja mayor (una nula Jennifer Tilly y un maravilloso Artie Lange) que le da consejos a cada uno cuando pasan por momentos difíciles. Pasa que sabemos lo que queremos pero no somos capaces de demostrarlo.

La película es un ejemplo de las comedias con placer que deberíamos estar teniendo cada semana en los cines. Piezas acerca de personas con sentimientos y aspiraciones…Como Drew, que trabaja para Louis (un excelente Joe Pantoliano) y se olvida de Julia. Pero nos reímos luego, porque son muy similares y se encuentran el uno con el otro por ello; y sonreímos cuando se besan apasionadamente.

El director Matt Cooper causa ese efecto en nosotros, y debería estar orgulloso. Stewart Zully, quién escribió el guión con Cooper, debería estar orgulloso también. Hacen lo mejor que pueden para saltear los clichés del género, y saltean bastantes; y los pocos que muestran van tan bien con el tono del film que no parecen clichés. Están conectados a los personajes y a su forma de ser, y lo creemos.

Porque en cada comedia romántica, buena o mala, los clichés son sólo clichés porque necesitan estar en el film. No aquí; ésta es una comedia en un nivel diferente, lejos de todo lo que han visto últimamente. Les doy mi palabra.

---7/10

Un actor ‘out’ en una buena comedia contemporánea

Me acabo de dar cuenta que las tres críticas de esta semana tienen, personalmente, algo en común: un actor que no me gusta. En “Guess Who” es Ashton Kutcher; en “Fever Pitch” Jimmy Fallon; y en “Failure To Launch” Sarah Jessica Parker.

Sí, puede que haya mucha gente que encuentre a estos actores buenos, carismáticos o divertidos; pero sólo quiero que observen lo poco que afecta el hecho de que no sea así si la película realmente es buena.

“Failure To Launch”, estrenada en nuestro país como “Soltero en casa”, es la historia de un solterón que todavía vive con sus padres, y una mujer que trabaja de sacar a estos solterones de la casa paterna, viene a hacer su trabajo y a rescatar; a los padres o a el hombre. También es la última crítica de esta semana; por lo tanto la última “buena comedia contemporánea”.

Espero hayan disfrutado las críticas de esta semana y los varios ‘links’ que muestran diversas comedias; algunas buenas y otras malas, pero interesantes para echar un vistazo si las tres “buenas comedias contemporáneas” no les llaman la atención. Estoy para servirles!

La crítica de “Failure To Launch”, a continuación.

“Failure To Launch”

No puedo explicar precisamente porque Sarah Jessica Parker (o Sarah Jessica, o Jessica Parker, o Parker, que se yo, esa de “Sex and the City”) no me gusta, y eso que nunca me ha gustado, pero Matthew McConaughey sí me gusta y con este film regresa al territorio que lo conoce mejor; la comedia romántica.

Extrañamente, McConaughey no resalta en este género cuando su co-protagonista es superior a él (Kate Hudson en “Como perder a un hombre en diez días”), resalta por igual cuando la actriz es igual que él (Jennifer Lopez en “Experta en bodas”) y resalta más cuando él es mejor; como en esta película.

Jessica Parker (o cualquiera de las otras formas) ha hecho lo mismo últimamente en sus intentos en la gran pantallas, y no puedo llegar a creerle (me costó tolerarla en “La Joya de la Familia”). Además, el hecho de que su personaje aquí tuviera que mentir a propósito, no ayudó mucho; tampoco lo hizo el maquillaje constante en su cara.

La comedia en “Failure To Launch” viene del interesante guión de Tom J. Astle y Matt Ember (ambos provenientes de la TV) que contiene frases frescas comparado a lo que estamos acostumbrados a escuchar, incluso cuando no escapa los clichés de la trama del género. Si hablamos del reparto, los actores de reparto están muy bien elegidos: dos perfectos mejores amigos que realmente parecen preocuparse cuando algo le pasa a Tripp (McConaughey); está en sus ojos y, incluso cuando son diferentes, el sentimiento de la amistad los une.

Bradley Cooper y Justin Bartha (“Gigli”) interpretan a estos amigos en dos muy buenas actuaciones para una comedia romántica que, a diferencia de las que he visto últimamente, da verdadera importancia a los mejores amigos de los protagonistas. Zooey Deschanel (sí, esa joven actriz que interpreta papeles extraños) es Kit, la mejor amiga de Paula (Jessica Parker), y se roba el show con su actuación desinteresada. La música de Rolfe Kent (“Sideways”, “Wedding Crashers”, “Just Like Heaven”) es otro elemento que da que hablar; predecible pero notable y cálida: resalta.

Generalmente, tantos elementos no se mencionan en una comedia romántica y es por eso que la dirección de Tom Dey no es tan relevante para la pieza. Sin embargo, una vez más intentó elegir una pareja protagonista que uno no imaginaría en pantalla (Eddie Murphy y Robert De Niro; Jackie Chan y Owen Wilson); y también deja una buena impresión con una carrera de tres y muy diferentes piezas de humor.

Otra “buena comedia contemporánea”, si no le prestan mucha atención a los detalles y si aprecian las participaciones con clase de Kathy Bates, Terry Bradshaw y Stephen Tobolowsky.

---7/10

El deporte y el amor para una buena comedia contemporánea

Se han visto muchas películas donde el amor y el deporte se mezclan; si no son dramas poderosos, son comedias ligeras o, en la mayoría de los casos comedias románticas. Muy cercano a lo que sería ‘el deporte y el amor’, la película que veremos hoy se estrenó en nuestro país como “Amor en juego”.

Que yo tenga una debilidad por las comedias románticas no significa que no pueda diferenciar una buena de una mala u otra regular. “Fever Pitch” (título en el idioma original) es una comedia romántica, pero comedia al fin; y es contemporánea…Y buena.

La crítica de “Fever Pitch”, a continuación.

“Fever Pitch”

Bien; vamos a aclarar un tema: no hay película mala que tenga a Drew Barrymore como protagonista. Su presencia en la pantalla la define como única y su contagioso carisma hace que cualquiera se enamore de ella (no sólo por el carisma, de hecho, la acaban de seleccionar como la mujer más bella del mundo en no se cual importante revista). Dejando de lado el hecho de que está en sus treintas y parece de veinte, la actriz es un elemento seguro para la comedia romántica; lo demostró con “Mad Love” y siempre desde entonces.

También toma algunas oportunidades en proyectos mas serios algunos años, donde se excede, pero es la comedia romántica. “Fever Pitch” es una comedia romántica; y una que incluye elementos para ambas partes de la pareja que va a verla. Está el lado romántico con el desarrollo de la relación, y una atención especial al trabajo femenino; y está el deporte, y lo que puede significar para algunos hombres.

El deporte aquí no es otro que el béisbol que vuelve a la mayoría de los Estadounidenses locos y hasta obsesivos, a veces. Yo todavía estoy tratando de descifrar como se juega el deporte, pero para Ben (Jimmy Fallon) el béisbol (Los Boston Red Sox) significa la vida. Significa otra familia durante algunas temporadas del año, significa años y años sin perderse ni un juego contra los Yankees.

Lindsey (Drew Barrymore) tiene la misma obsesión; con el trabajo. Bueno, su casa no está llena de posters de computadora o stickers de la compañía para la que trabaja, pero le gusta lo que hace, y hace muchos esfuerzos para mejorarse cada día. Lo conoce a Ben cuando él va con sus alumnos a visitar su compañía; él es un profesor. Los chicos le dicen que ella está fuera de su alcance, pero él la invita a salir.

En esta escena entendemos que ésta es la mejor interpretación de Jimmy Fallon. Está casi al mismo nivel de encanto que Barrymore; la forma en la que sonríe y se retrae con timidez, la forma en la que se rasca el pelo…Tal vez es un camino que eligió y era una manera fácil de componer el personaje: pero funcionó; por lo menos mejor que su molesta participación en “Taxi” hace tiempo.

La labor de Drew Barrymore no necesita ser explicada, pero ambos protagonistas y el resto del elenco están dirigidos por los hermanos Farrelly, Peter y Bobby, que jamás han hecho un paso en falso. Fanáticos de los finales exagerados, consiguen el objetivo de hacer que nos importen los personajes, como nos importaron los dos tipos estúpidos en su primer película, o cuando el Ted de Ben Stiller…Ustedes saben lo demás.

Aquí basaron el guión en un libro, y ni siquiera lo escribieron; así que hay una importante falta de humor grosero y una intensa dedicación en la dirección de actores. A lo que voy: cuando Ben revela su obsesión por el béisbol y teme el alejamiento de Lindsey, nos importa; cuando hace una lista de diez cosas que le gustan de Lindsey, (salteando las primeras seis porque son partes del cuerpo) nos importa.

Para mí la película funcionó en grandes cantidades. Sin entender el deporte, supe lo que generaba los problemas; y la parte romántica con Drew Barrymore me completó el buen día. En mi intento de describir la película, dije que era entretenida; muy entretenida aunque no tan graciosa: suficiente para entrar a la corta lista de “buenas comedias contemporáneas”.

---7/10

Buenas comedias contemporáneas

Bienvenidos al segundo posteo del día! Me gusta mucho más escribir acerca de una comedia que de un drama. Se dice todo el tiempo que es más difícil hacer reír que llorar; y es verdad. Pues también es más difícil criticar una comedia, sobretodo cuando en el cine de hoy y el de la década pasada, las comedias no se han molestado en conseguir algo de originalidad; pasando siempre por los mismos ‘clichés’ y lugares comunes.

Además, no han podido dejar de depender del elemento romántico, incluso cuando en términos generales la película es una comedia; tal es el caso de la excelente “Mentiroso, mentiroso” o de la más reciente “Anchorman: La legenda de Ron Burgundy”, con Will Ferrell. Comediantes hay miles, buenos y malos, pero ese no es el punto a explorar esta semana.

Los títulos que veremos los presentaré bajo el nombre de “buenas comedias contemporáneas”. Sin contar las comedias dramáticas, que casi siempre encuentran algo distinto y significativo, el resto de las comedias se ha mantenido igual durante esta década. Se han estrenado algunas, sin embargo, que han sabido hacer buen uso de los clichés (raramente ausentes) y, por ponerlo de una manera, han salido victoriosas; cada una por medios propios. Todas son, por lo tanto, buenas; son comedias y son contemporáneas…De ahí la denominación establecida.

El primer título de la semana es “Conquistando a mi suegro”, o “Guess Who” en su idioma original; un remake de una película bastante vieja con el actor ganador del Oscar Sidney Poitier. Ahora los actores son otros y, sí, entre ellos está Ashton Kutcher.

La crítica de “Guess Who”, a continuación.

“Guess Who”

“A ver…Primero que todo: si algo es gracioso, no necesariamente tiene que ser bueno. Digo esto porque ahora voy a declarar: Guess Who” es muy graciosa, pero no es ‘muy’ buena, se entiende? Es buena, y eso es perfecto para una comedia estos días, cuando todas las ideas se están agotando.

No es que el film tenga una nueva idea original; es un remake de una película vieja que no he visto, pero puedo asegurar que el guión no es el mismo; no con Bernie Mac en la pantalla. Mac es uno de los actores más graciosos alrededor del mundo y verlo hablar es tentador, porque una gran risa puede llegar en cualquier momento. Hay algunas películas que veo donde me río muchas veces, pero las risas son pequeñas;
con Bernie Mac las risas son grandes, sin importar cuantas.

Todos sabemos que Bernie Mac ha sido siempre un buen actor y un excelente comediante, pero fue desde “La Gran Estafa” que lo hemos visto crecer y llegar a los protagónicos que interpretó en sus últimas películas. Hace bastante lo pude ver “The Players Club” (dirigida por el rapero Ice Cube) y me hizo recordar el actor flexible que es y los roles diferentes que puede interpretar. El rol de Percy Jones está hecho para él; y le saca ventaja, para insultar al ‘chico blanco’ Simon Green (Ashton Kutcher) en algunas ocasiones, darle consejos en otras y finalmente robarse el show.

La cosa con Ashton Kutcher es que todavía no lo entiendo. Quiero decir, quiero que me guste y sus esfuerzos para hacer diferente a cada uno de sus personajes no podrían ser más claros, pero si no hubiera sido por su cambio dramático en la increíble “El Efecto Mariposa”, no hubiese notado una diferencia en sus modos todavía. Recuerdo haberlo odiado en “Dude, where’s my car?” porque odié el film, y justo cuando estaba viendo algo diferente en “Texas Rangers”, volvió con la horrible “Just Married” (“Recién Casados”); tal vez el problema está en su elección de papeles.

“Guess Who” es la segunda película importante para el director Kevin Rodney Sullivan. Luego de la secuela de “Barbershop” (que yo no vi aunque vi la primera), su ojo para el género es notable, con los correctos ángulos de cámara en las caras de cada uno de los personajes en los precisos momentos cómicos y la perspectiva desde atrás en los emotivos. Del guión no voy a decir nada, porque recientemente hablé de “Monster in-law” y la película sigue la misma línea; y estoy asombrado de que igualmente pude decir tantas otras cosas.

A pesar de ser otro punto fuerte para el reciente crecimiento de Mac, desaprovecha las oportunidades para el resto de los actores, porque Zoe Zaldana se verá linda, pero es increíble que su actuación más notable hasta la fecha haya sido en el vehículo de Britney Spears, “Amigas Para Siempre” (o “Amigas por siempre”, ni me acuerdo…Qué mas da!); donde claramente estableció lo talentosa que era (yo creo que todavía lo es).

“Guess Who” no me decepcionó y descansa en mi lista de “buenas comedias contemporáneas”; espero que hayan más estos días, todavía estoy esperando reírme como me reí con “Mentiroso, Mentiroso” una vez más.

---7/10

Adivinen la Tagline: Resultados!

Este es el primer posteo del día de hoy, y consiste en la revelación de los resultados del último juego de "Adivinen la Tagline". Los visitantes más constantes estuvieron intentando pegarle a los títulos que pusimos con el Matsan, a quien le agradezco muchísimo una vez más.

Una vez más Alejandro estuvo muy cerca, excepto que el último título fue un completo delirio; y lo que hizo Toto sirve de ejemplo para ver que Google no es siempre una maravilla...Acérquense una vez más para comprobarlo. Rama, seguidor fiel del espacio, demostró que veía mucho "Pie Pequeño" en su infancia...Que buenas películas que eran! Sin embargo, no acertó.

Lo que me lleva a declarar a nuestro primer ganador de "Adivinen la Tagline", nombre y apellido: JOAQUIN URDINEZ. Al parecer, el guasón llegó en último momento y no hizo más que adivinar las tres taglines, de una manera organizada y bien presentada. Felicitaciones para él; le daremos la chance de participar activamente en alguno de nuestros próximos experimentos, o incluso prestarnos una buena tagline! De nuevo, felicitaciones!!!

Las respuestas, por si no quedaron claras, eran:
1.El Aviador
2.El gran Pez (peliculón, por cierto)
3.Patch Adams (otro peliculón)

Suerte para la próxima!

Más tarde la primer crítica de esta semana...Un poco más de comedia, ya verán ;)

"Adivinen la Tagline"

Bienvenidos de vuelta a "Adivinen la Tagline"...Espero que hayan disfrutado de las criticas de esta semana, con Adam Sandler causando algunas risas.

De nuevo el Matsan nos dio un par de taglines para que ustedes adivinen y yo puse una por ahi. Nada sencillo como "la vida es una caja de chocolates, nunca sabes lo que te va a tocar"...La idea es ponerlos a pensar un poco! Gracias al Matsan nuevamente!

A ustedes, Sospechosos, mucha suerte; y nos vemos la semana que viene!

1."Para algunos hombres, el cielo es el limite. Para el, era solo el comienzo"
2."Una aventura tan grande como la vida misma"
3."La risa es contagiosa"

Adivinen...

La otra cara de la moneda

Ahora que he dejado claro que hay dos Adam Sandlers, los dos muy buenos aunque uno mejor que el otro, vamos simplemente a analizar una de sus buenas películas. Se trata de una de el primer Sandler (si se puede poner de alguna manera); no el de “Spanglish”, sino el de “Click”. Con conexión incluída, “The Longest Yard” (estrenada en nuestro país como “Golpe Bajo”), el film que veremos ahora, es el intento del primer Sandler más reciente previo a “Click”…Hay una película que se estrenó hace poco en los Estados Unidos, con el segundo Sandler; por lo tanto yo estoy a la espera de la próxima película del primero.

Aprovecho esta oportunidad para recomendar varias de las buenas películas (con sus títulos en español) de este primer Sandler; que no son otras que las que le dieron su fama. Entre ellas…

“El cantante de bodas”: Un clásico de las comedias románticas ya, el film es un despliegue de encanto al máximo nivel. Con Sandler y su pelo largo, más la hermosa Drew Barrymore; ambos generan una química innegable y hacen de la experiencia algo divertido y enamoradizo.

“Happy Gilmore”: Sandler supo hacer lo suyo mediante un deporte tan peculiar como el golf. En la piel de Happy Gilmore, el actor nos lleva a un paseo por dentro y fuera de la cancha…Ninguna obra maestra, pero con muchas risas aseguradas.

“Un papá genial”: Aunque es un poco asquerosa en el humor (clásico de Sandler) y bastante predecible, no se puede evitar sentirse tocado por la bondad de la historia y del personaje de Sandler, que, en mi opinión, se gana el corazón de cualquier espectador. Un film cálido y entretenido.

“Como si fuera la primera vez”: De vuelta juntos y de vuelta un éxito, Sandler y Drew Barrymore se reunieron casi diez años después de “El cantante de bodas”; pero la fórmula funcionó otra vez y el resultado es encantador; excepto por Rob Schneider, que siempre tiene que estar ahí y siempre es una molestia.

Volvamos a lo nuestro, la crítica de “The Longest Yard” a continuación.

“The Longest Yard”

Cuando este film se estrenó, al ver el nombre de Adam Sandler en el cartel, lo acepté con los brazos abiertos. Con la dirección de su amigo Peter Segal y un guionista llamado Robert Sheldon, Sandler recreó la película de fútbol americano en prisión “The Longest Yard”, arriesgadamente dejando a sus usuales compañeros actorales a un lado (no a todos, Rob Schneider tiene un cameo y NO es gracisoso!) y juntando a un completo nuevo equipo que incluye a Chris Rock, el experimentado Burt Reynolds y al rapero Nelly.

La historia, creo, es casi la misma que la del film original, pero probablemente con algunas actualizaciones aquí y allá. El fracasado jugador de fútbol americano estrella Paul Crewe (Sandler) se emborracha metiéndose en problemas graves con la ley. Termina en prisión donde al hombre a cargo, Hazen (James Cromwell), le gusta el fútbol y quiere que Crewe entrene a los presos y juegue contra el equipo semi-profesional de los guardias, liderado por el malévolo Capitán Knauer (William Fichtner).

Rock interpreta (como él lo pondría) al amigo negro, Caretaker; Reynolds es el entrenador pro Nate Scarborough y ellos tres intentarán completar el equipo, con el ‘barrio’ incluido, donde el rápido Megget (hábilmente interpretado por Nelly) y sus compañeros residen. La rabia que cada preso tiene contra los guardias hará que jueguen; con esfuerzo y dedicación. El asunto se intensificará y el partido será televisado por ESPN, y el equipo…

El equipo es el núcleo del film. Incluye al extremadamente grande y con problemas de habla Turley (el peso pesado indio Dalip Singh), el aparentemente no gay pero tampoco fuerte o talentoso Brucie (Nick Turturo), el suficientemente enorme para matarte con un abrazo amistoso Switowsky (Bob Sapp), el arrogante y forzudo Deacon (Michael Irvin), el fanático de Mc Donald’s ‘Cheeseburguer Eddy’ y otros.

Con ellos experimentarán los eventos, con ellos simpatizarán, para ellos querrán lo mejor; ustedes. Sandler se encuentra en su mejor momento aquí, diciéndole a la gente que todavía es gracioso o tal vez más verdadero, que nunca dejó de serlo; y que está haciendo las mejores comedias de Hollywood (dejando de lado “Mr. Deeds”). Chris Rock entrega la diversión, pero sus gritos no funcionan igual en carne viva que en animación (“Madagascar”); y los comentarios racistas cansan un poquito.

Los pros (los pa); Reynolds se pone en un tipo de rol que le queda perfecto y que podría ayudarle durante la última fase de su larga carrera, si es que no quiere tomar riesgos. Y Cromwell se las arregla para verse joven y mantenernos entretenidos mientras usa un monótono y serio tono de vos durante todo el paseo. Aunque todavía no un pro, William Fichtner (véanlo en “Prison Break”) también resalta como el bastardo Knauer.

Inesperadamente, Peter Segal está bien haciendo que su pieza se vea linda, por lo menos en lo que significa una cárcel. También inesperadamente, MTV Films y la compañía de Sandler ‘Happy Madison’; nos hacen felices con dedicación (y sin la necesidad de una presencia femenina), consiguiendo otra de esas ‘buenas comedias contemporáneas’.

---7/10

Dos Adam Sandlers

Lo dije y lo digo: suena muy raro, pero es algo propio de mi persona. Una especie de deducción que hice basada en hechos un poco explicados en la crítica de “Click” ayer. Se habrán imaginado que “Spanglish”, también un film con Sandler como protagonista, me gustó mucho; por todo lo que lo mencioné ayer y lo bien que hablé del mismo.

Es verdad, me gustó mucho y significó varias cosas importantes al mismo tiempo, quizá para mi personalmente: el regreso de James L. Brooks a la pantalla grande, el descubrimiento de Hollywood de la talentosa Paz Vega y, finalmente, la mejor actuación que Adam Sandler entregó en toda su carrera. Si la explicación de los dos Sandlers no queda clara en las dos primeras críticas de esta semana, comenten pidiendo una aclaración; pero creo que no quedarán dudas.

La crítica de “Spanglish”, a continuación.

“Spanglish”

El hecho de que Adam Sandler pueda actuar en películas como “El Aguador” y luego en películas como “Spanglish” al mismo tiempo es algo inexplicable así como es gratificante. Quizá “El Aguador” no es el mejor ejemplo, pero puede escribir personajes como el que interpretó en “Big Daddy” (“Un Papá Genial”); y lo veremos gritando y volviéndose loco en una manera encantadora.

Luego, en films como “Spanglish”, cuando otra persona está dirigiéndolo y escribiendo sus palabras, el verdadero actor sale a la luz. Es innato! Y yo estoy agradecido en ambos casos (tres, si contamos su poderosa actuación en “Embriagado de amor”). Ahora, puede ser que “Spanglish” (donde Sandler interpreta a John Clasky) no sea una excelente película, pero es sin duda la muestra de una de las mejores interpretaciones de Sandler (probablemente la mejor); lo he seguido desde “El cantante de bodas” y nunca me ha decepcionado (aunque sí lo han hecho algunas de sus películas).

James L. Brooks realmente ha estado ‘out’ desde su último film, el reconocido y nominado al Oscar “As Good As It Gets” (“Mejor Imposible”). Con esa película logró conseguir lo mejor de sus actores (Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear y Cuba Gooding Jr.), poniendo a los personajes en absolutamente reales, honesta y hermosamente escritas situaciones, en deslumbrantes escenarios con cámaras directas filmando. El hombre conoce su material y no lo culpó si le llevó siete años crear otro impresionante guión, para llegar a los mismos objetivos que completó esos siete años atrás, con una película tan buena como “Mejor Imposible”.

En la definición exacta de “dramedy” (drama-comedia, comedia dramática), Brooks nos presenta a sus personajes, mientras explora la barrera de las culturas Hispanas e Inglesas; porque no es sólo acerca del lenguaje. Describir la manera en la que las relaciones de los personajes se desarrollan es arruinar la magia de la película.

Sin embargo, ninguna de estas escenas mágicas hubieran sido posibles si Brooks no hubiese conseguido un elenco increíble y si no lo hubiese dirigido tan bien. Téa Leoni (como Deborah Clasky), en su mejor papel desde “Hollywood Ending” (“La mirada de los otros”), se siente cómoda en la comedia, como una drepesiva y obsesiva mujer que puede afectar a toda su familia por su manera de pensar. Brooks es experto en escribir este tipo de personajes; hace que Leoni brille. Paz Vega (como Flor Moreno), en su primer rol en Hollywood, parece tan buena como si ya lo estuviera haciendo por años. Es una hermosa mujer y capaz de darle mucha personalidad a su personaje; convirtiéndose en la revelación del film.

Por supuesto, Brooks la debe haber ayudado mucho (ella no sabía inglés; el equipo tuvo que trabajar); y debe estar agradecida por ello. Su parecido a Penélope Cruz cuando la película comenzó era extraño; pero se me olvidó apenas comenzó a hablar: en español. Shelbie Bruce (como Cristina) fue un placer para ver. Pensé que la había visto antes pero aparentemente este fue su primer papel. Tiene éxito en dominar ambos lenguajes (más que todo en la “escena de la traducción”, donde le traduce a John todo lo que Flor dice y viceversa) y hace de su rol más importante de lo que debería ser. Sarah Steele (como Bernice) es también una sorpresa al estar muy involucrada con su papel; también creí haberla visto antes.

Incluyendo a Ian Hyland (como Georgie), Brooks consigue un excelente trabajo de dirección con los tres actores pequeños debutantes. Última pero no menos importante, la vieja profesional Cloris Leachman tiene las mejores líneas y pasea en el rol de Evelyn como si estuviera viviendo en él. Su presencia le da calor a la pantalla y acentúa el encanto del film.

El encanto del film se encuentra en la magia de Brooks, mientras nos muestra ambos lados de la moneda. En escenas como la de la “traducción”, o los momentos de Evelyn, la risa aparece naturalmente para nuestra sorpresa, y disfrutamos. Pero luego, al final, entrega las poderosas y dramáticas escenas que siguen creciendo hasta el último minuto, llegando a un toque de profundo realismo en cada palabra que los personajes profesan. No hablaré de esas escenas; no diré una palabra. Es mejor cuando todo ‘viene’ de ellas; o de James L. Brooks.

---8/10

8 Noches locas con Adam Sandler

El título de arriba hace alusión a una película; uno de los proyectos más ambiciosos del comediante Adam Sandler. En ella, el carismático actor se convertía en un dibujito animado y, mediante canciones y moralejas, contaba una historia navideña. Sin embargo, seguía siendo el mismo Sandler y la película (un poco ofensiva) no fue totalmente positiva.

A qué voy con “seguía siendo el mismo Sandler”. Pues simplemente a que Sandler es uno en una lista corta de actores que han hecho siempre lo mismo y lo han hecho bien; aunque esa declaración no significa hacer siempre el mismo papel. Luego de su época en el show cómico “Saturday Night Live”, donde Sandler demostró sus talentos para la comedia y para esta misma combinada con la canción, el hombre cogió su propio rumbo, creando su compañía productora y haciendo un gran número de películas.

Tanto como menciono su apellido ahora, lo mencionaré a seguir en la crítica de “Click”, la última película de ‘Happy Madison’, la compañía productora mencionada; principalmente porque me gusta mucho Sandler, y éste film fue un gran paso en falso. Igualmente (y sé que suena raro), hay dos Adam Sandlers: pero eso lo veremos más adelante.

La crítica de “Click”, a continuación

“Click”

“Click” es el más reciente intento de Adam Sandler para hacernos reír. Hace un par de años vi “Spanglish (“Espanglish”) y dije que el verdadero talento de Sandler emerge cuando alguien aparte de él ha escrito un guión, y cuando alguien aparte de sus directores usuales ha tomado un proyecto (una introducción a los dos Sandlers, el resto mañana). Frank Coraci dirigió a Sandler en “The Wedding Singer” (“El cantante de bodas”): bien; dirigió a Sandler en “The Waterboy” (“El Aguador”): regular; dirigió a Sandler en “Click”: horrible. Quizá no fue culpa de Coraci pero “Spanglish” me había incitado a ver a Sandler de otra manera…Esa ilusión se desvaneció.

“Click” juega con diferentes géneros y apunta a diferentes tipos de audiencia, pero últimamente se vuelve confusa y termina engañando a la audiencia…Feo. Me senté a ver este film con un amigo que ya la había visto: “Me hizo llorar”, me dijo; y yo me emocioné por la situación de “Spanglish”. No pude llorar porque no es un drama; y ni siquiera me pude reír porque no es una buena comedia (aunque hay un comentario al que tienen que prestar atención, acerca de Colin Farrell; el mejor).

La historia es muy similar a cosas que todos hemos visto antes: es acerca de un tipo que puede ir hacia delante y hacia atrás en el tiempo como se le da la gana, y su presente cambia por ello. Esta vez el elemento es un control remoto entregado a Sandler por un Christopher Walken con mucha clase; y no sé si la película hubiera sido soportable sin Walken.

Entonces el personaje de Sandler tiene a su mujer y a sus hermosos hijos pero no les presta mucha atención, por su trabajo y porque quiere convertirse en socio de la compañía donde trabaja. Pronto conoce a Morty (Walken), que le da el control remoto y Sandler empieza a jugar con él; aunque Morty le haya dicho que podría ser peligroso.

Al principio, las cosas van mal para Sandler y nos preocupamos por su situación. Pero, han visto esas películas donde el guión juega tanto con el espectador que ya no podés creerte más de lo que está pasando? Podría haber sido así durante “El efecto mariposa”, pero Eric Bress y J. Mackye Gruber lo manejaron bien. Aquí Steve Koren y Mark O’Keefe lo llevan muy lejos; el dúo escribió “Todopoderoso”: qué les ocurrió?

La razón por la que dije Sandler tantas veces arriba y no el nombre de su personaje es porque se está interpretando a él mismo: está haciendo de Adam Sandler. A dónde se perdió el tipo simpático de “50 First Dates” (“Cómo si fuera la primera vez”)? Qué le ocurrió al jugador de fútbol americano de “The Longest Yard” (“Golpe Bajo”) o al encantador cocinero de “Spanglish”, que yo me animé a decir fue su mejor actuación? No conozco la respuesta.

Su co-protagonista femenina, Kate Beckinsale, se ve muy hermosa pero aparece completamente inutilizada como su esposa. Por el lado de los chicos, Joseph Castanon siempre es divertido de ver; y los adultos son un Sean Astin que está preparado para mejores cosas y dos sólidos roles cómicos secundarios en la piel de David Hasselhoff y Jennifer Coolidge.

Y como olvidarme de Christopher Walken; quien sin hacer mucho salva el más lluvioso de los días: “Man On Fire” (“Hombre en llamas”), “The Rundown”, “Gigli” y más notablemente “Joe Dirt” ("Joe El Sucio")…

---5/10

Adivinen la Tagline: Resultados

Bueno, estoy de vuelta. Espero que todos hayan tenido un buen fin de semana! Acá las cosas andan bastante bien, pero vamos al grano. Tuvimos la inauguración de “adivinen la tagline” y ustedes intentaron adivinar.

Agradezco especialmente al Matsan por su colaboracion y su ingenio; no se las puso nada fácil. En la primer semana de esta suerte de juego, lamentablemente nadie pudo acertar las tres taglines que fueron presentadas para adivinar.

La tercera la adivinaron todos y fue un pedido mio personal al Matsan…Muy atentos todos con esa.

La segunda y la primera son taglines de dos películas increíbles. La segunda es “Crash” (“Alto Impacto” o “Vidas Cruzadas” en nuestro idioma, ya que eso tambien vale; y la primera era “Finding Neverland” (“Descubriendo el Pais de Nunca Jamás”).

Al parecer, “El Ilusionista” fue una elección popular para la primera, pero no era esa. La segunda solo la acertó una persona, que también acerto la tercera; por lo tanto, si tuviera que elegir al que más cerca estuvo, las felicitaciones serían para el Rama.

Sin embargo, la idea es adivinarlas todas. Gracias por participar, los espero al final de esta semana y los incito a que inviten a sus conocidos a intentarlo!

Los voy dejando, pronto tendremos las películas de esta semana: “8 Noches Locas con Adam Sandler”. Hasta entonces, Sospechosos!

"Adivinen la Tagline"

Hoy inauguramos otra sección del blog, pero esta es especialmente para ustedes! Bajo el título de "Adivinen la Tagline", los invito a participar opinando y tratando de, bueno, adivinar la tagline.

Qué es una 'tagline', se preguntarán. Pues es uno de los pocos términos cinematográficos que no he logrado traducir al español...Explicándolo, es básicamente la frase que le sigue a una película; o que la representa: digamos el 'slogan', por ponerle un nombre.

Por ejemplo, la tagline de "Forrest Gump" es: "La vida es como una caja de chocolates, nunca sabes lo que te va a tocar". Basándome en esto, le pedí ayuda a mi gran amigo Matsan; un gran conocedor de taglines. Con la ayuda especial del Matsan (el maestro de la foto), pondremos para ustedes hoy TRES TAGLINES!

El objetivo? Que ustedes comenten tratando de adivinar de que películas son. El lunes daremos las respuestas y veremos quién estuvo en lo correcto. Quizá lo encuentren difícil, quizá no: espero que lo disfruten!

1."Hasta donde te puede llevar tu imaginacion?"
2."Creés que sabes quien sos. No tenés ni idea"
3."Cinco criminales. Una línea. Ninguna Coincidencia"

Suerte y hasta el lunes!

Contradicciones que traen resultados positivos

Uno de los últimos proyectos en los que Besson puso sus manos, fue uno que por primera vez parecía realmente comercial. Pero el cine tiene sus sorpresas, y “Danny The Dog” es una muy buena.

Con algo presente de aquel cine Europeo, Besson dejó su marca en este film de acción capaz de dejar al espectador sin aliento, protagonizado por otro señor, pero de las artes marciales: Jet Li. Se estrenó en los Estados Unidos como “Unleashed” y en algunos países de habla hispana como “La Bestia”.

La crítica de “Danny The Dog”, a continuación.

“Danny The Dog”

Jet Li es una de esas grandes estrellas asiáticas que pueden luchar y volar por el aire y hacer cosas que no podemos explicar pero tenemos que creer cuando vemos en una pantalla. Hay un tipo ahora llamado Tony Jaa que protagonizó una película que no vi y que al parecer podría convertirse en lo que Jet Li todavía es, incluso cuando los créditos son menos con el pasar de los años.

Li es similar a Jackie Chan, pero un poco más serio. Tiene esa mirada fría que Chan nunca pudo conseguir. De todos modos la diferencia principal se encuentra en la selección de papeles: Jackie Chan nunca leería siquiera un guión como el de “Danny The Dog”; mucho menos pensaría en participar en un proyecto como este. Él prefiere divertirse y hacer cosas estúpidas.

Durante esta década, Jet Li ha estado en un número de films contables, más recientemente en “Hero” y una película anterior que me hubiera disgustado instantáneamente pero en realidad disfruté mucho; “The One” (vista en la casa del Langa). Tenía muy buenos actores y los mismos efectos visuales que “Matrix” había creado orgullosamente años antes. Sin embargo, este hecho no arruinó la experiencia para nada y la película me impresionó; mayoritariamente por las habilidades de lucha de la estrella.

Debe ser un problema tener a un hombre como Jet Li protagonizando tu película, sabiendo que va a hacer las secuencias de pelea a la perfección pero que probablemente tendrá complicaciones con las partes actuadas. Afortunadamente, Li me demostró lo contrario en “The One” y en “Hero”, donde combinó ambas cosas de buena manera, como lo volvió a hacer en esta película. Después de todo, no es fácil estar al nivel actoral de Morgan Freeman; pero la diferencia no es grande.

Cuando Freeman entre a la película, con esa mirada penetrante (incluso con lentes puestos), la trama toma un gran giro. Lo que había sido peleas brutales y muertes inmediatas se convierte en algo más pacífico. Ambos actores y sus personajes se llevan bien instantáneamente; se entienden. Freeman habla con paciencia y Li escucha con cuidado; esta rutina se repite varias veces, mientras aprendemos nuevas cosas.

Cuan valiente de los creadores, el presentar esta enorme contradicción. El comenzar el film abruptamente con los nombres importantes del reparto y el título visto rápidamente; seguido por una impresionante secuencia de pelea y luego algunas más…El terminar el film abruptamente; sin dejarle espacio al espectador para procesar sus emociones. Que contradictorio el permitir emociones!

El guión del dueño de un imperio cinematográfico, Luc Besson, está consciente de estas emociones y lo muestra sutilmente con la ayuda del director Louis Leterrier. Los dos trabajan juntos estando conscientes de lo mecionado; no quieren generar un impacto dramático porque su pieza parece otra cosa, entonces la cámara se muestra insegura, dudosa.

Haber elegido la música como el elemento para despertar a Danny, el personaje de Li, fue una decisión correcta de Besson. El piano está conectado a Danny de alguna manera, y la forma en que Besson reconstruye el pasado del personaje es admirable, inesperada y poco común. Leterrier tiene, además de la inseguridad, el mismo entusiasmo y dinamismo en su cámara que el que mostró sin pausa en “El Transportador”; lo mismo dicho de la edición de Nicolas Trembasiewicz.

Películas como “Danny the Dog”, en su género específico, y con los elementos esperados pero una resolución diferente, no nos llegan muy seguido. Son un descubrimiento: uno que no se pueden perder.

---7/10

Versatilidad

Sigo en la idea de demostrar la versatilidad del señor francés, Luc Besson. En algunas ocasiones, lo que el señor ha hecho ha sido simplemente producir una película y dejar la dirección en manos de algún otro talentoso trabajador.

En casos como estos, que son los últimos dos que analizaremos esta semana, Besson generalmente se encarga de los guiones. Igualmente, el productor influye mucho en un trabajo, y los resultados no dejan de ser positivos.

La crítica de “Wasabi”, a continuación.

“Wasabi”

Escribió la comedia original que inspiró la asquerosa “Taxi”, con el mismo nombre y las dos secuelas que le siguieron. Sin mencionar otras exitosas películas en el género; el grupo incluye a “Wasabi”. Lo que se puede decir de Besson es que es un escritor más que cualquier otra cosa; porque probablemente es lo que hace mejor (quiero decir, consiguió lo mejor de “El Transportador” con su guión).

La mejor característica que se puede pedir de un escritor es una que Besson domina: escribir cualquier género con facilidad. Por lo tanto, mezcla cualquier cosa que quiere en la manera que prefiere. “Wasabi” es una mezcla sensacional de comedia inteligente, acción sutil, aventura y drama familiar. Tal vez no haya tantas variaciones de genero, pero pensé en ponerlo así porque la película es tan entretenida que no importa…Ya verán de donde sacó el título Besson.

No todos los guiones de Besson pueden estar dirigidos por él, por eso cuando produce una película el hombre elige a la gente correcta para encargarse del material. Gérard Krawczyk conocía a Besson antes de “Wasabi”, por lo que fue bueno dejar las cosas en sus manos. No es un hombre sorprendente con la cámara, pero no es fácil manejar escenas de acción combinadas con momentos cómicos. Quiero decir, fue quizá más fácil para los actores que para el director: ellos hicieron que todo ocurriera. Jean Reno, siempre fiel colaborador de Besson, encaja en cualquier papel. Tiene esa cara de hombre mal humorado, pero siempre simpático cuando se necesita.

La película se va a Japón, donde todo ocurre. La hija del personaje de Reno, una Japonesa nacida de una relación que él tuvo con una mujer. “La única mujer que he amado”, él le dice a todos cuando le dicen que necesita amor en su vida. Trata de invitar a una mujer que le gusta a salir, y le cocina la cena, pero cuando le pregunta si puede dormir en su casa…Es tonto. La hija es Yumi, y está interpretada por una muy molesta Ryoko Hirouse, pero quizá el personaje es molesto…

Molesto o no, el mejor personaje y la mejor actuación de la película viene de ese personaje estúpido que sólo existe en comedias, porque no es estúpido en películas de acción. Este es Momo, interpretado por Michel Muller sin sobreactuar y manteniéndose excitado y, bueno…Estúpido.

La música es decente y todo funciona correctamente, comenzando desde el guión alegre de Besson, porque una película empieza con el guión; e incluso si Besson mezcla generos, “Wasabi” es una comedia: y es terriblemente graciosa!

---7/10

Besson y las películas

Como mencioné previamente, agradezco a las personas mayores y más experimentadas por hacerme saber del cine Europeo. No sólo las diferencias son las muchas que vengo destacando dentro de los mismos films; también hay una clara diferencia en la audiencia, más que todo entre Europa y Estados Unidos.

Por ejemplo, “Le Grand Bleu” y la película que veremos hoy, “Nikita”, tuvieron muchas nominaciones para los premios César en Francia y ganaron algunos. Sin embargo, “Léon”, la película favorita de los norteamericanos realizada por Besson, no ganó ningún César.

Aunque increíblemente, Besson no fue reconocido como director hasta hacer su primer film en los Estados Unidos, “El Quinto Elemento”, que le consiguió su único César como mejor director cuando ya era un ícono cinematográfico en Francia. Irónicamente “El Quinto Elemento” hizo que en los Estados Unidos Besson empezara a ser considerado un realizador comercial…

Que más da… “Nikita” fue mucho antes. La crítica a continuación

“Nikita”

Me alegra que Besson trabaje siempre con el mismo equipo. Esto podría ser un inconveniente para alguna gente, porque podrían preferir el cambio. Para mí funciona perfectamente. En una charla que tuve con una vieja profesora, me decía que Besson era un cineasta comercial, pero no con sus primeras películas…Ahí está “Nikita” y tiene todas las buenas características.

Una excelente actriz principal, quiero decir: Fantástico trabajo. Entendió totalmente la mezcla entre la sensualidad y la violencia. “Cuál es tu nombre?”, todos le preguntan. Ella responde: “Nikita”. Los cambios que vive su personaje no son usuales en un film. En Europa hay otra trama, otra manera de hacer cosas…Es diferente; pero es en vano seguir mencionándolo: tienen que verlo ustedes porque vale la pena.

Sólo miren a Parillaud durante la película y testifiquen lo que Besson puede conseguir en términos de dirección de actores. Tchéky Kayro está soberbio como Bob; lo sabemos en el momento que vemos su cara. Arregla encuentros importantes que inesperadamente se convierten en tareas. Nikita no lo entiende. “Por qué me haces esto?”, le pregunta a Bob. “Es mi manera de amar”. Acerca del amor, se puede decir mucho de esta película. Marco realmente amaba a Nikita y ella nunca pensaba en eso cuando estaban juntos. Tampoco pensaba mucho en Bob. Estaba ella sola escondida en la oscuridad, para ella y para nadie mas. Jean-Hugues Anglade le da a Marco el balance perfecto. Empezando del hombre que una mujer conoce un simple día y la invita a su casa. El inocente marco; pero también hay otro Marco: violento y solitario.

Otra vez (y me imagino que todavía es así) Eric Serra entrega su magia en su banda sonora mágica. En la primera escena de “Le Grand Bleu”, sentí su vibra; entendí la manera en que componía. Lo mismo sentí con su banda sonora en “Nikita”, pero Serra se las arregló para hacerme sentir una vibra diferente. Me sorprendió con otro tipo de estilo, más adrenalina, pero igualmente, perfecta para cada escena.

Otra vez (sí) la cinematografía crea su propio mundo y el guión es bastante directo por ser real y honesto; es crudo. Si un personaje no dice nada profundo o complejo es porque no está en su naturaleza. El personaje de Nikita no es la mujer más inteligente del mundo, aunque hace lo que necesita hacer cuando tiene que hacerlo. Cada personaje con su naturaleza y cada toma con su magia y cada línea con su verdad, y Luc Besson; algunos de los elementos que hacen de “Nikita” una lección de cómo hacer, si no excelente, cine original y estimulante. Qué se puede decir de eso?

---7/10