La hora de enamorarse

Que temazo ese de Elvis Crespo, eh? Un clásico de todos los tiempos. No, hablando en serio…Volví de unos días espectaculares en Roca y me pegó la ausencia a un par de clases universitarias, pero ahí estamos tratando de volver. Como este fin de semana va a estar muy movido y no sé si podré postear algo, quise dejarme llevar por el momento para regalarles una crítica hoy.

Cerca de la temporada de los Oscars 2006, fui a ver con mucho entusiasmo este film que, en mi opinión, más allá de todas las cosas, es una historia de amor. Punto final. Quizá la vieron, quizá no; la puse entre las 10 mejores películas que vi en el 2006, y hoy la pasaban en Fox (no, no la vi completa pero tuve ganas) y quise recomendarla para ustedes…mientras terminan de votar por la mejor película de Disney. En español la tradujeron, horriblemente como siempre, “Johnny & June” (sí, con esa &).

La crítiica de “Walk the line”, a continuación (perdón que no les pongo el poster original pero no podía dejar de mostrarles a los tremendos protagonistas del film).

“Walk the line”

Digamos que cuando uno ve un film sabiendo que está nominado para algo, lo hace de manera diferente. Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon fueron nominados al Oscar por sus interpretaciones de Johnny Cash y June Carter…No estaba tanto viéndolos, sino que estaba como estudiándolos; su química, acentos y pose o imitación o como quieran llamarlo (es en última instancia una actuación de cualquier manera).

Estas dos personas estaban realmente enamoradas…Me quedo corto. Estas dos personas estaban profundamente; locamente enamoradas…Me quedo corto. Estos dos corazones estaban unidos…Podría estar acercándome. Lo que Phoenix y Whiterspoon hacen para darle vida a esa pasión es sorprendente. Empezando por su química…Todos sabemos que la carismática rubia puede sentir la química con cualquier otro actor, en sus comedias románticas. Pero esto es un drama, y esto le da un nuevo nivel de profundidad al asunto.

Si ven “Election” o “Juegos Sexuales” o “Pleasantville”, encontrarán a una joven, ambiciosa y talentosa actriz. Pero este es un cambio; “Walk the line” nos muestra a la actriz de carácter en ella; y el poder dramático que posee. Ella y Phoenix llegan a los niveles más altos, toman los mayores riesgos…Y tienen éxito. La vida de Johnny Cash fue una de depresión, incertidumbre y locura; pero hubo siempre una luz en su vida: el hecho de saber quien era su mujer…Y esa era June Carter.

Phoenix se rió al recibir el Globo de Oro al Mejor Actor de Comedia o Musical: “Quién me hubiera imaginado ganando algo relacionado con la comedia”, comentaba gracioso. No se reiría en los Oscars si ganara; estaría agradecido pero probablemente desinteresado. Así es como es él, así interpreta a Johnny Cash y a otro montón de personajes. Pero Cash resalta, por supuesto. Por su persona, su vida…Su música y canciones, que Phoenix (a diferencia de Jamie Foxx hace unos años) cantó él mismo.

Whiterspoon también cantó los temas, logró el acento y la personalidad de su June Carter. Le creí todo; lo vi cuando la vi cantando “Jackson” al lado de Phoenix. Cuando la vi mirándolo con amor y deseo, como Johnny y June deben haberse mirado durante sus vidas.

Y James Mangold (“3:10 to Yuma”-crítica aquí-) tomó todas las decisiones correctas. Yo sabía que era bueno dirigiendo actores porque sacó lo mejor de Stallone y lo mejor de Winona Ryder en una película por la que no la nominaron a nada (deberían haberlo hecho). Ahora tomó todas las decisiones correctas con este film porque podría bien haber dirigido un film acerca de Cash: su carrera y altibajos. Sin embargo, dirigió un film acerca de la carrera y los altibajos de June y Johnny, lo que está mucho mejor.

Tomo las decisiones correctas porque su film podría haber sido uno de esos episodios de VH1 de la vida de un cantante, pero realizó un poderoso film con un objeto definido. Entiendo que este fue un proyecto personal para él, por lo que, si lo hubiera hecho para VH1, no hubiera tenido el reconocimiento deseado. Las nominaciones de Phoenix y Whiterspoon, son también de Mangold.

Tienen que sentir algo cuando Johnny camina de un pueblo a otro, todo drogado, sólo para verla a June. Tienen que sentirse tocados cuando Johnny trata de besar a June, y luego de negarse dice: “Simplemente pasó”, y June lo mira, contándole todo lo que hace y exigiéndole que se responsabilice por algo.

No pueden quedarse quietos cuando John está a punto de tocar fondo, en los árboles, a punto de caerse en el río y la mamá de June la mira: “Ve con él June”, y ella le responde: “No quiero ir allá abajo…”. “Cariño”, concluye su madre: “Ya estás allá abajo”.

---8/10

Disney en Disney, Disney sobre Disney…Encantado

Los bodrios que uno tiene que comerse cuando viaja en colectivo. Yo ya hablé de “Incorregibles” alguna vez; una mala experiencia. En mi último viajé pasaron cuatro película, de las cuales dos se cortaron antes de terminarse. Una es muy graciosa en un par de momentos pero no vale la pena (“Evan Almighty”), dos las puedo recomendar y de una tengo la crítica-“Scoop”- y “Hairspray”), y la última (“Prime”) venía bastante regular, tiene a Meryl Streep y la química de la pareja principal es verdaderamente palpable, en una manera que no se suele experimentar en las comedias románticas estos días; nada de pareja explosiva o graciosa…Una pareja con verdadera química romántica.

Pero yo quería hablarles hoy de otra cosa. En realidad, más que hablarles quería concluir con el tema que muy amablemente propuso Joaquín Urdínez la semana pasada y que generó varios comentarios. Disney siempre será Disney y siempre será especial, aunque en los últimos años las películas animadas y en persona de verdadera calidad hayan sido muy pocas. Dar ejemplos no es lo que busco en este momento.

Simplemente quiero regalarles la crítica de lo último de Disney; un film que tardé mucho en ver y todavía no sé por qué. Un film que vale la pena ver, sobretodo después de digerir lo que venimos discutiendo.

La crítica de “Encantada”, a continuación.

“Encantada”

Creo que después de ver “Across the Universe” de Julie Taymor, te empezás a hacer la idea de que puede que no encuentres canciones, bailes y actuaciones tan perfectamente combinados en un film estos días. Pero si no la han visto, tendrán muchas cosas para encontrar en “Encantada”, la fábula ‘en persona’ de todas las Blancanieves, Bellas Durmientes, Sirenitas, Cenicientas pero no Anastacias.

Aquí el mágico mundo de Walt Disney propone un film que hace volver todo a la vida otra vez. Me gusta porque es un film muy poco pretensioso; muy simple y predecible, y lo sabe. Sin embargo, también sabe que es un film que tenía que hacerse y tenía una razón para existir (en caso de que alguien hubiera pensado lo contrario): hacerle recordar al espectador. Aunque tengan 10 años, o 25, o 50, o más, sacarán algo de esta película que se quedará con ustedes para siempre.Los de 10 años se sorprenderán ante las secuencias musicales al mejor estilo “Mary Poppins”, las canciones (puede que no hayan brillado en los Oscars, pero las melodía de Alan Menken están más sólidas que nunca y no podemos evitar sonreír al ver a un gentío en el medio de la calle cantando “That’s how you know”; busquen el video si no me creen), los animales y el siempre ganador relato de la princesa que busca su verdadero amor.

Los veinteañeros reconocerán cada momento sacado de otro clásico animado (esto es Disney en Disney) y los paralelos establecidos con los personajes del film y algunos de los más adorados villanos y héroes de todos los tiempos; mientras que los de 50 años simplemente experimentan un corto viaje en una máquina del tiempo, lo que creo que no es tan malo.

“Encantada” es corta, directa y pensada para el público como ningún otro film de Disney esta década. Las chicas la conseguirán para ver a Patrick Dempsey y James Marsden (el último realmente entrega todo y demuestra tener un talento natural para el canto); toda la familia la conseguirá porque es Disney; los amantes del cine querrán ver a Susan Sarandon haciendo de villana y, aunque no lo crean, los chicos la verán eventualmente porque todo el mundo dirá cosas buenas de ella; y de Amy Adams.

¿Y por qué no habrían de hacerlo? Ella es adorable y logra controlar su interpretación para que nunca se vuelva molesta, cosa que pudo haber pasado fácilmente. La película descansa en su don natural, en su canto y en su sonrisa y el compromiso del director Kevin Lima, quien dirigiera el clásico animado “Goofy: La película”; un film que todos deberían ver más.

Ah, por si acaso: “El mágico mundo de Terabithia”critica-, esto no es.

---7/10

El rincón de Alejo

Cerramos la semana con un poco de risa...Parece que Alejo se la paso muy bien en el cine con este film que me han recomendado varias veces y todavía no he podido ver. Abrimos la semana que viene con una linda conclusión del tema que abrió Joi.

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Death at a Funeral (2007)

Hace mucho tiempo que no me reía de esta manera con una película. Hace mucho que no iba al cine a ver una comedia y que la gente se ría al punto de aplaudir. Y me arriesgo a decir que mucha gente extrañaba tanto como yo las viejas tiras cómicas británicas de los noventa, esa gracia que nos hacia lanzar carcajadas con chistes sutiles y ácidos y no con pasteles en la cara o las típicas flatulencias hollywoodenses.

Hoy dejo de lado la nostalgia a las películas de otros tiempos para comentarles sobre un “casi estreno” que esta ahora en cartelera; la hilarante “Death at a Funeral” del británico Frank Oz. Como sabrán, soy un gran aficionado del cine inglés, en especial del humor tan característico que tienen y de su peculiar enfoque hacia las situaciones de la vida diaria. Este humor es exclusivamente uno de los puntos más destacables, ya que es conocido mundialmente como irónico, negro y hasta absurdo. Es decir, ¿quién puede imaginarse una comedia con un título como este?. Sin dudas Dean Craig, guionista de esta explosiva historia, quien la escribió con todos los recursos más folklóricos que poseía bajo la manga.

“Death at a Funeral” es como una pava hirviendo. Se desarrolla en una mansión londinense donde eventualmente ocurrirá el funeral. La primera escena nos retrata a Daniel (Matthew MacFayden), hijo del difunto, cuando llega el ataúd. Y con ella llegará también la primera carcajada de la sala. Porque en este “pequeño mundo” de familiares y amigos, cada personaje –perfectamente delineado- parece estar absorto en sus propios problemas. Como punto de partida, uno de los concurrentes es sedado accidentalmente, para desvirtuar el clima del entierro. Otro personaje se ha olvidado de buscar al “tío quejoso” de la familia para llevarlo a la mansión. Más aún, la inesperada aparición de un hombre desconocido desatará la tensión y el consecuente caos, cuando anuncia poseer un secreto en relación difunto.

Prefiero no contar más detalles, para que no pierda comicidad. La trama en “Death…” se mueve rápidamente: acción tras acción, se va elevando un clima que en un principio es silencioso y fúnebre pero luego pasa al descontrol total de la situación, al “punto de ebullición” del evento. Es el “cada vez peor” que tanto conocemos (como en “My big fat greek wedding” por ejemplo, o insisto, en la brasilera una vez citada por mi) pero que tanto extrañamos. Las situaciones incómodas se ven opacadas por otras peores y los momentos más cómicos son interrumpidos con estilo por instantes intensos (o reflexivos).

Dean Craig nos muestra así el ingenio del cine inglés para burlarse de temas como la muerte o el amor; nos pinta un mundo de realidades cotidianas llevadas al colmo de la parodia. No hay aquí recursos fáciles para general la sonrisa. Cabe destacar las actuaciones de Alan Tudyk, Andy Nyman y del mismo MacFayden, que a pesar de todo lo que le acontece, puede expresar en su momento (y nos deja ver) valores que son dignos de admiración, de amor puro de uno hacia los suyos. Frank Oz, por su parte, le da a la historia el ritmo ascendiente necesario y cierra con un final simple pero gratificante.

Para ir concluyendo, recomiendo que si llegan a decidir ver “Death at a funeral”, lo hagan pantalla grande, así se aseguran la eficacia cómica del film: porque “no hay como ver una película en el cine, y si es a sala llena, mejor”.

Escena imperdible: El segundo servicio.

Colaboración Especial: Cine bueno era el de antes

Así lo plantea Joaquín Urdinez, fiel lector del blog que ya nos honró una vez colaborando con "Mis 2 Favoritas" (acá). Hoy nos trae un texto para el deleite puro del amante cinematográfico; un poco de lo que yo intenté expresar de alguna manera en cierta crítica y que siempre estoy tratanto que no dejemos de lado. Tengo que decir que estoy de acuerdo con todo (quizá no con "Los Aristogatos" =D), pero mejor dejo que se los cuente él...

"Cine bueno era el de antes"


Por más que el título suene a primicia barata dicha por Chiche Gelblung , en parte es cierto. Sobretodo me refiero a ese fantástico mundo del cine que es "el cine infantil",
aquel de hace 15 o 10 años atrás con el que Disney no paraba de deleitar a los jóvenes y no tan jóvenes (pero con algún retrasito).
Fue esa camada interminable de películas que no nos cansábamos de ver y ver y que, a pesar de que no existieran las imágenes en 3D ni el sonido virtual, difícilmente alguien ponga en duda su calidad en contenido y mensaje.
En mi caso, muchos años después de haberlas visto por primera vez pude comprender por que su calidad es inagotable y a su vez pude distinguir la verdadera intención de la película para con el público (si bien muchas veces caí en la trampa del humor) y los valores tan profundos que expresan las caricaturas -que lamentablemente no se "palpan" tan seguido en el cine actual-.

En fin, antes de seguir guitarreando y aburrirlos con el discurso tedioso de un pobre mestizo, prefiero ir derecho a la acción (como bien dijo el legendario Indiana Jones) y darles mi perspectiva personal y una pequeña lista con las películas que más me agradan:

El rey león: es quizás la película más querida de la camada…aquellos que la hayan visto mas de 20 veces no se consideren anormales Fue quizás la excusa perfecta de los padres para poder dormir la siesta y al mismo tiempo entretener a los retoños con algo que jamás los cansaría.
Destaco el papel de Rafiki (primo lejano de Jaimico) y su emotivo "Está vivo, está vivo JUJUAAJAU" y al simpático Zazu. La música es excepcional y creo que no es necesario acotar algo al respecto porque saben de qué hablo.

La espada en la piedra: muchos llegamos a fantasear con que la espada se la merecía Arquímedes, pero bueh, la vida a veces es injusta (juju). La bondad de Grillo y el delirio de Merlin la convierten en una de las más divertidas y alocadas de todas.
Aclaración: Para los que todavía no la vieron acá esta la respuesta a todas sus neurosis.

Robin Hood: si, una historia épica como ésta también calló bajo las garras de los animadores de Disney. Al igual que en las anteriores, no hay excepciones en el elenco...todos animales!. La historia es muy similar a la original salvo en algunos detalles.

Los aristogatos: de haber sido mujer no habría dudado en entrar al salón de mi fiestita de quince con "Todos quieren ser ya gato Jazz", ¡que hit! .

Seguramente muchos no estén de acuerdo con las películas que elegí, y es comprensible: son muchas las películas que me faltaron nombrar, y de las que podríamos escribir más de cien páginas de elogios. Así que para aquellos que probablemente sientan angustia por no haber encontrado a La sirenita, La bella y la bestia, Alicia en el país de las maravillas, Bambi, etc etc. a lo largo del post, no se precipiten por que el blog del tío Chapa les invita a hacer su aporte.¿Cómo? solo hay que clickear en comentarios…

Rareza de la semana

La suerte está echada para mí; rindo el último parcial de la UBA el lunes y va a estar complicado. La suerte está echada también para mis compañeros de sede, y para todos aquellos amigos míos que leen este blog y que están en época de exámenes.

Ahora que, cortesía de Tomilon, amplié mi vocabulario, como ayuda en los exámenes podría usar un ENDOSCOPIO: me preparo para todos los exámenes menos para dos…no? :D. En fin, me acordé de una película fresca, bastante reciente del cine argentino: “La suerte está echada”. Pasó sin pena ni gloria por los cines, y debe andar tirada en algún rincón de los videoclubs. Dedico esta crítica a todos los que comparten la expresión de la frase en este momento…Mucha suerte!

La crítica de “La suerte está echada”, a continuación.

“La suerte está echada”

Leía una entrevista un día cercano al estreno de este film en el 2005, a Sebastián Borensztein en “La Nación”; y entendía que el director había elegido el cine para no volver al mundo de la televisión. Me di cuenta que la suerte estaba echada para él y que su ópera prima, “La suerte está echada”, sería un interesante proyecto. Empezó escribiendo de la nada, dice. También comenta que sabía el final pero que no sabía como desarrollarlo. De cualquier modo, su guión propio relata la historia de dos medios-hermanos que no parecen verse muy seguido y se juntan para completar la última voluntad de su padre (José Gallardou); y qué voluntad…

Uno de ellos es Felipe (Marcelo Mazzarello), un no muy reconocido actor de teatro que vive de su pasión. Corre en las mañanas, respira el aire de la ciudad y cuando no está en su casa el contestador anuncia: “Y el Oscar es para…”. La oración termina con su nombre y el tono para dejar el mensaje. Pero esta mañana, cuando va a correr, algo parece extraño de antemano. No hay nadie en la calle, todo está desierto…Lo que le ocurre ese día desencadena lo que es quizá el eje principal de la historia: la suerte, o en el caso de Felipe la mala suerte, porque él es “mufa”.

Guillermo (Gastón Pauls) por el otro lado, no puede conciliar su sueño debido a la alarma de un auto que no deja de sonar en las noches; lo que conlleva a sus llegadas tarde al trabajo, donde tiene una posición muy importante. A esto le agregamos su relación con Clara (Julieta Cardinali), que parece ir empeorando con los días. Sin embargo, en el momento de encuentro de los hermanos esos tópicos no se tocan. Luego de escuchar las órdenes de su padre, salen a la calle y su charla se limita a la primera pregunta de Guillermo: “Cómo estás?” . “Genial”, le responde Felipe. “Y vos, vos cómo estás?”, pregunta ahora el otro; y después de dudar Guillermo responde: “Genial”.

Estos dos actores cargan con el peso de toda la película y cumplen su tarea sin problemas. Marcelo Mazzarello es ese actor que nunca mencionamos pero sabemos que está ahí. Sus habilidades se dejan ver, aunque sorpresivamente se dice que Borensztein escribió el rol de Felipe pensando en él. Quizá estuvo hecho a su medida, pero de una manera u otra, su interpretación es destacable. Luego está Gastón Pauls, quien siempre se preocupa por darle una diferente personalidad a sus personajes, y cuando compone las características de éstos, termina haciendo algo diferente pero todavía peculiar incluso cuando se interpretó a si mismo en la hermosa “Sabado”.

El momento narrado previamente y otros más (el del robo, el de el encuentro con los ‘mufas’, el del casting teatral) muestran la capacidad de Borensztein para escribir comedia. Con tomas muy simples, su objetivo no es unir a los hermanos, que viven vidas separadas. El guión de su comedia dramática no pretende conmover a nadie, ni poner cosas que suenen bien; escapando así de lo pretencioso (en momentos donde pudo haberse dado, como en los discursos acerca de la suerte) y culminando en algo completamente fresco en términos de óperas primas como la intencionalmente compleja “Un Buda”. La música de Alejandro Lerner también resalta, porque no es una estrategia para llevarnos al cine por sus canciones; sino que la música no dice una sola palabra, relacionándose con los estados de ánimo de los personajes.

En otras palabras, el director sabe que no vino a hacer una obra de arte, o al menos no es lo que pretende; por lo tanto deduzco que será un placer tenerlo en nuestro cine durante los próximos años.

---7/10

PD: Me olvidaba...recién hablé con Tote y me contó que estaba viendo "La señal". Para todos aquellos que andan buscando cine Argentino, debo decirles que es difícil, pero no puedo hacer más que tirarles una lista de títulos variados y buenos para que vean (no todas son enteramente argentinas; pero de esas hay realmente muy pocas) y vean si disfrutan ;)

"Un oso rojo", "Familia Rodante", "El bonaerense", "Roma", "Lugares Comunes", "Cenizas del paraíso", "Caballos Salvajes", "El aura", "Tiempo de valientes", "El fondo del mar", "Sábado", "Buena vida Delivery", "Un Buda", "Perdido por perdido", "En la ciudad sin límites", "El custodio", "Tocar el cielo", "Whisky Romeo Zulu", "Cara de queso", "El abrazo partido", "Esperando al mesías", "El nido vacío"..."La niña santa"; cualquier cosa con Daniel Hendler o Darín o Julio Chávez actuando también es válida. Espero les sirva de algo

Lugares Comunes

Fue un buen día ayer miércoles. No voy a seguir el mismo patrón que en el posteo pasado (hasta iba a poner otra película), pero fue un buen día ayer miércoles porque creo que me fue bien en el parcial de Sociología y ya estaría quedando sólo un parcial por rendir y, como era de esperarse, el más difícil: Sociedad y Estado…al horno.

Pero hay algo que no es difícil y eso es sentarse a disfrutar de una buena película argentina. Eduardo Mignogna, fallecido recientemente y cuyo nombré mecioné en la última crítica, sabía crear buenas y emotivas películas: sabía llegarle al desolado espectador.

Nada tiene que ver el film que veremos hoy con la última película con la que se relaciona a Mignogna y que Ricardo Darín término de rodar, convirtiéndola en su ópera prima. “La señal”, vergonzosa película de sofisticada producción, alabada incomprensiblemente por muchos críticos respetados (quizá porque Darín-que me encanta, no lo duden-es un tipo que vive un eterno ‘momento’ como los que explicaba también en el post pasado), es algo que no llega al espectador; igualmente otro día hablaremos de eso.

Es, sin embargo, y en una opinión personal que no debería admitir muchas discusiones, “El viento” la últiima película que el director concibió conscientemente y que yo experimenté en el cine con mi madre allá por el 2005. Un film co-escrito por Mignogna, que entre otras cosas, lidia con esa otra relación que acostumbramos a ver como buena: la de los abuelos y sus nietos.

La crítica de “El viento”, a continuación.

“El viento”

La expresión del título, “Lugares Comunes”, se refiere a la última película importante que Federico Luppi hizo en Argentina antes del 2005. No necesito hablar de él; aunque se fue a España y se quedó allí un tiempo (hecho que decepciona a los amantes del cine argentino a veces), es, a sus setenta y tantos, uno de los mejores actores que nuestro cine ha visto jamás en pantalla. No puedo decir con exactitud donde lo vi primero, y sé que faltan muchas cosas suyas para ver, pero confesaré que cada actuación que ha dado para mis ojos ha sido inolvidable.

Lugares comunes, estaba diciendo; las cosas que siempre nos suceden. La historia típica, el cuento de volver a empezar. Seguimos viendo estas historias en nuestro cine. No en el mismo formato, pero con guiones que manipulan nuestras emociones. Esto no es tan malo, sin embargo, y nos hemos acostumbrado.

Comparemos esta característica con diferentes directores experimentados. Eduardo Mignogna, director de este film y otros clásicos como “El faro”, tiende a poner simbolismos en sus títulos (pueden considerar “La señal” si quieren, que debe haber sido su título) y muchas conversaciones con profundidad que viene del guión (también pueden considerar “La señal”, aunque no se da allí). Otro pro, Marcelo Piñeyro (director de “Cenizas del paraíso” y “Caballos salvajes”) está más interesado en la historia que en cualquier otra cosa, entonces podemos apreciar a los personajes luego de que apreciamos la historia que, nos damos cuenta, siempre está primero. Juan José Campanella (director de “El hijo de la novia” y “Luna de Avellaneda”) trabaja de manera contraria. Centra todo en los personajes y nos sentimos identificados con ellos, y luego con su historia. Es por eso que las actuaciones son tan excpecionales en los films de Campanella.

Ahora Mignogna trae otro de estos ejemplos con “El viento”. Siéndole fiel a su línea de trabajo, con tomas directas y simples que nos golpean, cuenta la historia de Frank Osorio (Federico Luppi), un hombre que en realidad se llama José: “Pero eso es algo que nunca nadie supo”, dice. Es un hombre del sur, que ha pasado toda su vida trabajando con ovejas. Ahora debe irse de ese sitio, porque su hija ha muerto y necesita contarle a su nieta algunos secretos escondidos detrás de las experiencias familiares. Vestido elegantemente y con un sombrero peculiar, el abuelo emprende su travesía. Ella es Alina (Antonella Costa), una morocha de 28 años con apariencia un poco triste.

La trama gira alrededor de ellos dos y de las personas en sus vidas, como el buenazo Diego (Esteban Meloni), el novio formal de Alina que no parece estar pasándola bien: “La última vez que tuvimos sexo eras rubia”, le dice. También conocemos Miguel (admirable Pablo Cedrón), el jefe doctor de Alina, hombre casado y el otro amor en su vida. El grupo se completa con Gaby (Mariana Briski), amiga más grande y confidente de Alina. Ahora la relación abuelo-nieta se desarrollará mientras que cada uno arregla sus ‘negocios’ (si entienden lo que quiero decir) en la ciudad. Esta relación supera lo interesante, con detalles como el hecho de que ella lo trata formalmente, llamándolo por su nombre; y él haciendo exactamente lo contrario, con un trato informal.

No creo que al film le falten elementos (y no lo quiero decir), parece tener todo lo que necesita. Prefiero explicar que hay algunas cosas que esperaba ver, simplemente para marcar una diferencia, y que no estaban ahí. Sin embargo, siempre tenemos el trabajo de los actores si falta algo. Temía que Federico Luppi entregara lo mismo que hizo la última vez, pero crea a su hombre del campo con un estilo muy diferente; y no sólo eso, con el respeto por la gente y demás, pero la compostura de un hombre mayor que repite las mismas cosas y parece haberse ido del mundo. “Quién dijo alguna vez que el cielo estaba ahí arriba?”, grita borracho.

Antonella Costa, una alabada actriz joven que tengo que ver más, se une a Luppi a la perfección. Podría estar lejos de su talento, pero aparece en su mismo nivel de complejidad. Esa mujer silenciosa, que carga con su pasado, que ni siquiera expresa una sonrisa cuando habla con el hombre que ama, y que mantiene un tono monótono de voz en todo momento…La interpretación de Costa es competente y naturalmente envolvente.

Miré a mi madre cuando todo terminó y estaba llorando; también lo hacían las otras cinco personas en la sala. Fue así como entendí que, con o sin cualquier cosa, Mignona consigue su objetivo: llegarle al espectador y conmoverlo. Porque cuando Alina dice: “Te extraño, extraño la casa, extraño al perro, las ovejas, y por sobre todas las cosas, no te rías; extraño el viento”, se hace imposible no llorar.

---7/10

La mejor relación de todas

Fue un buen día ayer lunes. Sé que hace mucho que no cuento nada personal por acá, es que el estudio para los parciales me ha limitado a escribir las críticas y nada más. Pero creo que como tuve mi primer parcial y presiento (es sólo un presentimiento) que me fue bien, puedo permitirme comentárselos.

Fue un buen día ayer lunes; tan buen día fue que hoy es martes 13 y no creo que vaya a padecerlo. Igual no soy supersticioso. En medio de toda la felicidad, que es relativa porque los humanos nos ponemos límites inalcanzables de felicidad (eso es sociología, perdón pero se me mezcla todo), recordé que mi compañero de la facultad Fede me había dicho que una semana de cine argentino en el blog podría agradarle.

Entonces me dije: ¿Qué mejor excusa que esa petición y qué la felicidad repentina para alejarnos por un ratito del terror? Es esta, por lo tanto, una semana de cine nacional; ese cine que a mí tanto me encanta y que he defendido y presentado en varias ocasiones (1, 2...Un oso rojo). ¿Quieren más felicidad todavía? Dicen que la relación entre una madre y un hijo suele ser muy linda. De eso trata el film del día de hoy.

La crítica de “Conversaciones con mamá”, a continuación.

“Conversaciones con mamá”

La industria cinematográfica argentina está regida por momentos, o tiempos. Cuando es el tiempo de alguien esa persona debe sacar provecho de esto; sobretodo si la persona en cuestión está creando buen material. Cuando “El hijo de la novia” fue un éxito rotundo, Juan José Campanella se percató de que era su momento e hizo “Luna de Avellaneda”, con su actor favorito que ha disfrutado de su ‘tiempo’ por un largo tiempo: Ricardo Darín.

Pero había un actor secundario en los films más famosos de Campanella que también me llamó la atención: Eduardo Blanco. No creo que haya sido su momento ni que lo sea ahora, pero hace unos años protagonizó junto a la gran China Zorrilla “Conversaciones con mamá”.

Hay mucha gente a la que no le gusta Eduardo Blanco; a mí sí, pero después me meteré con eso. Ahora, ver a China Zorrilla es un placer para casi cualquier argentino. Los directores hoy eligen a sus elencos considerando lo que la audiencia quiere ver, pero no hay problema con eso si los actores son buenos.

Santiago Carlos Oves no sólo dirigió, también escribió “Conversaciones con mamá”. Se preguntarán quien es él, y yo les comentaré que no es ningun amateur en nuestra industria del cine: fue parte del equipo de escritores que creó la prodigiosa “El faro”, de Eduardo Mignona; escribió “Sol de otoño”, también de Mignona; y fue uno de los escritores de un film con Federico Luppi llamado “Matar al abuelito”.

No quiero comparar ni criticar, pero algo que se nota en Oves como escritor/director es que podrá elegir a los actores que la gente quiere ver, pero dirige lo que quiere sentir y escribe lo que quiere escuchar; separándose de otros que trabajan enteramente para la industria. El guión de “Conversaciones con mamá” no es algo que le va a gustar a todo el mundo; es lento y detallado, y eso es lo que hace a la película tan buena.

Cubre la historia de un argentino de clase media (Jaime, el papel de Eduardo Blanco), en sus treintitantos; el hombre más típico de nuestro país. Pero este hombre se ha olvidado de las cosas buenas que puede producirle la vida: el amor por una mujer, el respeto por un hijo o hija y la conversación con una madre. Se llaman todos los días y él le pregunta a ella como está. Ella responde ‘bien’, sin ser capaz de decirle que tiene un novio (gracioso Ulises Dumont).

La dirección de Oves es reveladora, y juega mucho con la memoría, aprovechándose de la habilidad que tiene China de ser la persona más simpática del mundo por una hora y media. Quién hubiera adivinado que un hombre grande puede descubrir lo que verdaderamente siente gracias a su madre, una mujer a la que no visita mucho y con quien ya no come? “Soy una apariencia”, le die el hijo a la madre. “Y qué hay detrás de esa apariencia?”, le pregunta ella. “Miedo”, concluye él.

Yo lo admiro a Eduardo Blanco porque puede hacer papeles humanos pareciendo verdaderamente un humano común y corriente. “No puede ser un actor”, me digo a mi mismo a veces; porque es tan real que creemos todo lo que hace y dice. Supongo que la gente no lo quiere porque siempre hace algo relativamente similar. Bueno, quizá lo hace, pero digamos que se ve mejor que China interpretando ese papel que se sabe de memoría; y eso es un cumplido.

---8/10

El rincón de Alejo

Volvemos a descansar del terror una vez más, cortando un poco con una de las películas predilectas de Alejo; una que me ha recomendado incontables veces y que todavía (vuelvo a pedir perdón) no he llegado a ver. Ya veremos que hago cuando eso suceda...Casi me olvido: alevosa victoria de "El exorcista" en la última encuesta!! Quién podrá derrotarlo?

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Primal Fear (1996)

Decido seguir con esta película ya que en la anterior estaba Gere y aquí aparece nuevamente; no se preocupen, luego lo dejaré tranquilo por un largo rato.
También desisto del romanticismo un poco, para entrar en el gran área del “thriller”, esta vez con una película muy especial para mí: la que me dio a conocer al maestro Edward Norton.
Este film –del `96- supuso un cambio en las películas de suspenso de mediados de los noventa. Cuando dos años atrás devastadoras cintas como “Pulp Fiction” o “The Shawshank Redemption” se regocijaban en los palcos más altos de Hollywood reivindicando el Crimen/Drama (reflejo de la creciente inseguridad y corrupción en las urbes más importantes de EE UU), una historia quizás un poco mas policial devolvía el gesto que la gente esperaba. El resultado de la película fue bien aceptado y supuso varios galardones y una nominación al premio de la Academia.

Pasando a la película: cuenta con un reparto que reunía a tres renombrados actores del mundo del cine como los son Gere, Laura Linney y John Mahoney, pero esta vez junto a un ignoto joven de 26 años. Con “Primal Fear”, este último (Norton) obtuvo su debut cinematográfico y su consecuente ascensión al estrellato. Richard Gere, por su parte, tuvo la oportunidad de filmar en un papel más serio (y a su vez excelente), poniéndole pausa a las actuaciones románticas (“An officer and a Gentleman”, o “Sommersby” por nombrar las más taquilleras). Linney hace lo propio y brinda una de sus mejores perfomances como la abogada Janet Venable; de hecho su actuación en la película termina atrayendo al mismo Clint Eastwood, quien la convoca para grabar “Absolute Power” al año siguiente.

Pero sigamos con “Primal Fear”. La historia, screenplay de Steven Shagan, es en realidad una novela al mejor estilo policial; empero la adaptación cinematográfica acentúa diferentes puntos, como la relación amorosa entre los protagonistas, mucha escena de juzgado, etc.
La trama se sitúa en Chicago, donde un reconocido arzobispo es mutilado tomándose por sospechoso a un acólito del susodicho, que huía de la escena del crimen espantado. La investigación batallará por encontrarlo inocente o enviarlo al calabozo en un caso judicial que incluye otras enemistades.
Es aquí donde los abogados intentarán acceder a la verdad, aunque ésta parece estar más escondida de lo que suponen.

“Primal Fear” es de esas películas que tienen algo más de atractivas; son entretenidas y provocan cuando tienen que provocar. La trama nos va llevando a lo largo del caso como si fuéramos un espectador más, y nuestro deseo de conocer (si, porque no) “la verdad de la milanesa” se va acrecentando especialmente en las intervenciones en que descubrimos otras facetas de los personajes. Perfecto ejemplo de los filmes que se preocupan inicialmente en provocar el “in crescendo” de la historia; de llegar al clímax y no fallar en el intento.
Me acuerdo cuando se la recomendé a Matsan; opté por hacerlo ya que sabía que le gustaban este tipo de películas y tiene además muy buen gusto para el cine. Estuvo averiguando y se emocionó cuando observó que la iban a dar en Cinecanal un sábado a eso de las 5 de la mañana. Así fue que el Matsan se volvió de Punta ese sábado, se preparo un café con leche y se vio “Primal Fear” en el living de su casa. Le había encantado.

Yo pienso que es una película que hay que descubrir, darle una oportunidad. No está subestimada ni mucho menos, en realidad muy poca gente la conoce o la ha visto con la paciencia necesaria.
Es por eso que la recomiendo plenamente, sobretodo a aquellos fanáticos de Edward Norton y del buen cine en general; es un film que siempre da en el blanco. La historia generalmente les va a gustar.
Eso sí, el final es escalofriante…

Escena imperdible: sin dudas desde la última sesión del juicio al final.

“Si no puedes encontrar un amigo, hazte uno”

Con esa frase, precisa e intrigante, nos dirigimos rápidamente a la película del día de hoy. Otra originalidad del circuito de cine americano bien independiente, de un cine ‘de terror’ muy independiente y con mucho que mostrar y que decir. Titulado “May”, por el nombre de su personaje principal, este film contiene todo el estudio de personajes que quizá le faltó a “My little eye”; aunque no tienen nada que ver. Traten de conseguirla.

La crítica de “May”, a continuación.

“May”

Hay algo con la muñeca. Soozie es el nombre, creo (o Suzy, o Soozy). La muñeca es mostrada constantemente por la cámara como si algo malo o terrible fuera a suceder/le. Puedo jurar que la vi moviendo los ojos en una escena. Por supuesto, esto puede suceder; es una película de terror. Pero luego la muñeca comienza a romperse no sé como, porque no puede moverse y es especial, y May (Angela Bettis) empieza a gritar: “¡Silencio!”; pareciendo una lunática.

¿Qué pasa con las películas de terror que torturan a sus personajes? “May” podría ser un ejemplo de esas películas, porque recuerda mucho a las clásicas “el título de la película con el nombre del personaje principal”. ¿Cuál es la diferencia entre “May” y el resto de ellas? “May” es acerca del personaje principal, y no es tan mediocre, porque se toma el trabajo de ‘desarrollar’. El film está enamorado de su personaje principal, incluso cuando su destino no es “romántico”. ¿Se entiende?

Lucky McKee emergió haciendo películas de terror. Con su más importante y más originalmente concebida película hasta la fecha, McKee elevó el nivel de sustancia y agregó emociones a sus personajes, para llegar al género dramático…Lo consiguió. ¿De dónde viene él realmente? No lo sé, aunque parecía un tipo interesante en el ascensor (un cameo). Su escritura se situa más arriba que el típico modo de escribir en el género de terror; él muestra mientras escuchamos a sus personajes hablando sabiamente acerca de los temas con los que lidia el film. Sí, el film lidia con animales muertos, personas muertas, sangre; pero está fascinado con ellos tanto como lo está como su personaje principal.

May aprendió a distanciarse del mundo porque es diferente. Su única amiga es una muñeca (esa de la que les contaba) y tuvo una difícil niñez. Tuvo un problema en su ojo y cuando llegó al colegio con un parche algunos niños le preguntaban: “Sos un pirata?” Cada persona que la conoce se da cuenta que es rara: “Freak!”, le dicen.

Es que es rara, en términos de, por ejemplo, creer que está teniendo una cita con un chico cuando en realidad va a verlo trabajar mientras come. Se viste para él, que ni siquiera la nota. Es rara en términos de salir con un chico y, sin haberle dado ni un beso, declarar que es su novio. Este chico es Adam (Jeremy Sisto), a quien tal vez le gusta ella, pero porque podría ser interesante experimentar con ella. Por eso la complace. “Me gustas”, le dice. “No pensás que soy rara?”, ella le pregunta. “Sí pienso que sos rara, pero me gusta mucho lo raro”, concluye él.

Pero cuando le está hablando de animales muertos él no puede soportarlo; y cuando ven un video muy raro y ella está contenta y trata de hacer las cosas hechas en el video, él se asusta; y cuando la besa y ella lo empuja fuerte contra la pared, no entiende. “Quién te enseñó a besar?”. Por supuesto que fue su amiga Soozie (la muñeca). Entendemos la realidad del personaje principal en esta situación amorosa. Adam lo intenta de veras con May, quiere que las cosas funcionen, pero ella es como es, y es difícil de cambiar eso.

Llegamos a conocer más personajes, todos muy interesantes, aunque es más interesante ver como el personaje principal contrasta con cada uno. Hay una veterinaria, que habla otro lenguaje pero se lleva bien con May por el trabajo (que incluye animales muertos y sangre). Está Polly (Anna Faris, buena actuación y viéndose hermosa como siempre), una lesbiana que está atraída por May. Pero May no es lesbiana, sólo besa a Polly porque Polly quiere. “Me gusta lo raro”, declara Polly. Como expliqué, May es rara y quiere caerle bien a la gente. Está Petey (Rachel David), una niña pequeña que podría ser exactamente como ella, pero es ciega; no puede verla! Presten atención a todas estas cosas; hacen a una buiena película de terror.

De Angela Bettis no sé casi nada. Me gustaría verla en una actuación diferente, donde no tuviera que poner esas caras y usar ese maquillaje. Quizá fue por la cara y las manías, pero la reconocí inmediatamente cuando la película empezó. La había visto en la película de TV “Carrie” (recomendada). Casualmente, una película similar acerca de una chica rechazada que sufre. Su actuación aquí me pareció bastante similar, pero me olvidé de “Carrie” mientras veía “May”. Es otra cosa, y Angela Bettis hace un trabajo excepctional. El otro punto alto en el elenco es Jeremy Sisto; soberbio con su voz baja y constantes manías. Ya hablé de Lucky McKee; como su escritura, su dirección resalta.

Más tarde vemos los ojos de May y dice: “Si no puedes encontrar un amigo, hazte uno”. Instantáneamente sabrán lo que va a pasar, y no van a querer verlo. Estoy tratando de ser positivo aquí; “May” vale la pena.

---7/10

Esa originalidad ‘de terror’

Esta semana nos vamos un poquito al lado opuesto de lo que vimos la semana anterior. Es decir, nos metemos con aquellas películas que se conciben, agradecidamente, a partir de ideas originales y, aunque no siempre muy innovadoras, interesantes.

El truco ganador está en el aprovechamiento de recursos, y no hablo sólo de recursos visuales, sino también de recursos narrativos: el premio va para aquel que haga mejor uso de los arquetipos del género ‘de terror’, ya que algunas bases nunca van a cambiar; en ningún género.

Por supuesto que esto último constituye de entrada el problema más grande para los films originales, su éxito comercial. Debido a lo que vimos la semana pasada (que no mencioné que fueron todos films exitosos pero creo que se sobreentendía y que todos sabíamos de que películas hablábamos), se puede percibir que no hay cabida para las cosas originales en el circuito comercial de Hollywood. Con la excepción del crecimiento reciente de la saga de “Saw” (aquí la crítica) y también “Hostel” (la veremos, eventualmente), todo es remakes o cosas que también implícitamente son remakes.

Los films que veremos esta semana (y la que viene) son de un alto porcentaje de originalidad, y aunque no todos son buenos, todos valen la pena por ésta razón. Como la mayoría son del circuito independiente de sus países de origen, puede que resulte difícil encontrarlas o que no las hayan visto; pero recomiendo que traten de hacerlo. Arrancamos con un film que mencioné hace unas semanas y prometí poner.

La crítica de “My little eye”, a continuación.

“My little eye”

Las bases que marcan la trama son seis personas que se van a vivir en una casa porque buscan un premio de 1 millón de dólares. No se conocen, y el lugar en el que están cumple el clásico concepto de ‘reality’ que conocemos hoy en día…hasta ahí el argumento principal; luego hay que ver.

La gente que participó en la realización del film parece tener experiencia. No los actores, no (o no mucho, al menos), pero sí el director, los escritores y el resto del equipo. Tomaron una excelente decisión al elegir actores que la gente no había visto mucho antes, así la experiencia sería más interesante. Nunca sabemos si sería lo mismo con actores de primera línea en estas películas; de hecho, ellos nunca eligen este tipo de roles.

En estos films siempre vemos la esencia de los directores y actores, porque hay un estudio de personajes que, aunque no es muy profundo, funciona. Yo honestamente creo que esta película tiene un espectacular estilo. Quizá lo había visto antes, pero no había prestado atención. Ahora lo hice, y los acercamientos, los enfoques y el movimiento constante, que muestra que todos están siendo observados.

Hay algo en estos films, acerca de la trama. Nunca es compleja, y podemos presentir lo que va a pasar. Aquí conocemos a esta gente, y los vemos hablar, vivir. Las charlas no son muy interesantes, pero son lo suficientemente interesantes para los tipos de personajes que son; los escritores sabían que no podían darnos pensamientos profundos.

Los actores tuvieron el trabajo más difícil. Tenían que verse reales, un trabajo que algunos cumplieron. Kris Lemche me sorprendió completamente en su papel. Es natural y relajado en frente de la cámara. Parece tener más experiencia que el resto; obviamente se roba el show. Las chicas están sobreactuando bastante, pero estuvo bien; no tenían mucho para ser y fueron convincentes en los tiempos de desesperación. Steve O’Reilly no fue nada aquí; no mostró emoción y le faltó convicción en las partes intensas. Lo mismo pasó con Sean Cw Johnson; quien parece ser una cara bonita y hasta ahí. También está Bradley Cooper, de “Jack & Bobby”. Me gustó verlo; reconocí sus ojos cuando apareció en pantalla. Estuvo decente.

Consideren las diferencias entre las actuaciones en esta película y otras de su tipo. En “The Hole” teníamos buenos actores, con mucha emotividad. Estaban atrapados, no había cámaras, y se les permitía gritar y hablar de cosas profundas. Esto es ficción; no pretende que la gente piense que es real. Lo estoy comparando con “The Blair Witch Project”, porque son films similares. Pero Blair Witch supuestamente era real (o algo así); y los actores miraban a la cámara y hacían un terrible trabajo. Aquí, entendemos si los actores están viendo a la cámara con sus propios ojos…Están siendo observados.

---6/10

Recomendaciones

Aquí, al tope de la página a la que pueden dirigirse haciendo click donde se lee “aquí”, Argonath anunciaba que se había acordado de que tenía un blog. Aquellos fueron tiempos de felicidad para el escritor de este humilde blog, fiel admirador de la magia del “Telégrafo Mercantil” y de todo lo que “The Middle Kingdom” tenía para ofrecer.

Como es sabido, todo lo bueno se acaba, pero nadie dice que no puede volver. Por eso hoy les anuncio con orgullo el ‘gran regreso’ a la blogósfera del señor Lucas Giayetto, con su blog “Exagerador Nacional”, último agregado a nuestros links junto con “Alta fidelidad”. Con razón este espacio es mi némesis; posteos cortos, directos, entretenidos.

Lleva muy poquito tiempo, pero hace rato que lo esperábamos y desde acá le deseamos lo mejor, mientras esperamos con nostalgia que la evolución traiga meses como aquel septiembre de 2006, donde las temáticas eran tan variadas como ricas, tan cortas como largas, tan absurdas como contemplativas. Si te animás pa…

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Ahora mis recomendaciones ‘de terror’, que no incluyen películas completamente relacionadas con el género, pero sí una variedad de opciones, viejas y nuevas, que valen la pena y que pueden llegar a asustarlos.

A la izquierda están éstas, en la encuesta en la que ganó lo más viejo; vamos en orden cronológico…

“El exorcista”: Clásico de clásicos, de William Friedkin. Un film donde no sólo hay terror en el aspecto técnico de la palabra (en esos ruidos que nos generan emociones, en esas imágenes que nos impresionan), sino en el aspecto dramático. Los personajes están delineados, la historia que se está contando llega a importarnos y es ahí cuando todo nos trasmite ese algo extra, y el terror se hace más intenso.

“El resplandor”: También un clásico, de Stanley Kubrick. Terror en las imágenes, terror en los diálogos, terror en las actuaciones…Pánico. Pocos films logran atrapar al espectador en una atmósfera tan envolvente, tan macabra. Si se dejan llevar, es probable que se pierdan en esta película y que se vuelvan tanto o más locos que el viejo Jack.

“El sexto sentido”: Un antes y un después del cine de suspenso de los últimos tiempos. Dirigida por M. Ni..(bueno, mi amigo Alan lo explica mucho mejor en un espectacular y sumamente recomendado post de “Humor Por Horas”). Magistralmente construida e interpretada, la película nos transporta a esos viejos miedos infantiles que no tienen nombres inventados como “el Cuco”, o “el hombre lobo”; sino que son mucho más simples y entendibles: los muertos, si se quiere los fantasmas. Bruce Willis irreconocible e impecable.

“Los otros”: Increíble e inigualable película del español Alejandro Amenábar. Lamentablemente fue subestimada por el público debido a su parecido con “El sexto sentido”, lo que desembocó en un rápido olvido que no debería haber ocurrido. En mi opinión, “Los otros” da más miedo y es mejor que “El sexto sentido”. Este film si es ‘de terror’.

De yapa:

“El protegido”: La segunda pieza del director de “El sexto sentido”. Por el contenido original de su trama, por su fuerza emocional, por otro irreconocible e impecable Bruce Willis y un impecable Samuel L. Jackson (ese hombre no puede ser irreconocible); este film también es mejor que la ópera prima de Shyamalan. Otra película subestimada que debe ser vista no sólo porque es espectacular, sino porque marca el punto más alto en la carrera de un hombre que mostró una gran promesa con dos geniales proyectos y luego se fue para abajo…mal.

“El aro” o "La llamada" o "The Ring": Ya que estábamos con los remakes hechos durante esta década, la versión de Gore Verbinski del clásico de terror japonés es, lejos, el mejor remake que Estados Unidos pudo haber conseguido. Bien filmada, bien actuada, bien terrorífica. No, no es una obra maestra; pero después de ella no se pudo volver a conseguir.

Hasta ahí lo dejo Sospechosos…fíjense que tal la nueva encuesta!