Semana Cronenberg

Se acuerdan de Agustín Castelli??? El de la lista, claro...Esa lista que prometía tener varias partes, pero no se cumplió. Bueno, justamente está tratando de hacer las paces conmigo y con el blog y me sugirió una idea que me pareció adecuada: semana de David Cronenberg. Yo no soy muy conocedor y he visto sólo un film de su reconocida trayectoria; Castelli, supongo, ha visto más.

Pero estoy enojado con él todavía y por eso no hablo más y pongo su crítica de "Una historia violenta" en esta semana de Cronenberg, década 2000. Por otro lado, sigo con el BAFICI y después estaremos comentando algo. Saludos Sospechosos!

De Agustín Castelli, la crítica de "Una historia violenta"

"Una historia violenta"

Como sugiere el titulo, David Cronenberg nos trae un fim en donde la violencia abunda,pero en su justa medida. Viggo Mortensen (en una impecable actuación, soltándose de su Aragorn) interpreta a Tom Stall, y una sorprendente Maria Bello a su esposa Edie. Como pareja llevan una vida normal en la pequeña ciudad de Millbrook.

Durante una escena intima entre Tom y Edie, él dice "soy el hijo de puta mas afortunado de la vida" a la que Edie responde "eres el hombre mas maravilloso que conoci en mi vida". Error. Edie todavía no ha conocido del todo a Tom.

Él es dueño de una casa de comidas. Un día se topa en el lugar con unos tipos armados a los que SORTEA rapidamente. Tom se convierte en el héroe local, un personaje mediático el cual no quiere dar muchas explicaciones sobre el asunto.

Otro día,en medio de la controversia, al local acude Carl Fogarty (Ed Harris).Su vestimenta y anteojos negros lo venden. Él le dice a Tom que lo conoce con el nombre de Joey Cusack...Tom dice no conocerlo. Fogarty comienza a perseguir a la familia Stall. En un encuentro con Edie, él le insiste en que su esposo se llama Joey..Ella no quiere creer lo que Fogarty le sugiere. Y la verdad termina saliendo a flote cuando Fogarty llega a la casa de los Stall a saldar cuentas del pasado. La violencia se desata junto a la verdad de Tom, ahora Joey. Cronenberg situa las cámaras de manera que las escenas de violencia se hacen tan impactantes como intensas. Pero no solo hay violencia en los momentos en donde salpica la sangre, sino fijensé bien en la escena de la escalera. Cronenberg pega fuerte con algunas escenas, no engaña con el título del film, y ese es un gran mérito. Un verdadero plato caliente de 2005.

NOTA: 7,5

La nueva generación de la Comedia Romántica (Nacional)

Tengo un par de comentarios cortos, mientras me preparo para acostarme (mañana BAFICI!). Hubo algunas películas que vi estos días sobre las que todavía no pude escribir y quería comentar, porque una vale la pena (aunque no es la gran cosa que dicen) y la otra es una verdadera decepción.

“Iron Man”, de Jon Favreau (muchas gracias a Santi y a Franco por prestármela!!), es un buen film porque junta todo lo que el reciente cine de superhéroes viene trayendo pero a la vez se le ríe un poco a eso mismo y a todo lo demás. Parte regreso de un tipo como Robert Downey Jr., parte comentario político de actualidad, parte despliegue visual y técnico incomparable, la película es una hermana menor de la “Batman” de Nolan, porque es menos oscura y más familiar, pero no olvida nunca el hecho de que el superhéroe se inventa a sí mismo -porque tiene el status y la posibilidad de hacerlo- para responder por cuenta propia a un sistema (en este caso económico y militar) con el que moralmente disiente.

Como estuve viendo muchas películas de Woody Allen últimamente, viejas y nuevas, ver “Vicky Cristina Barcelona” fue una ingrata sorpresa. Para un director que prima los diálogos y el desarrollo de personajes ante todo, el guión del film filmado en la ciudad española es un importante paso en falso. Desde el comienzo las descripciones de las dos protagonistas parecen de segunda mano; y todo lo que viven en Barcelona y en Oviedo (gran actuación de Javier Bardem mediante) no es sólo anecdótico, sino poco estimulante. Hay decisiones que queremos que los personajes tomen (y que esperaríamos que hagan, al menos por la línea que el cine de Allen en esta década) pero no suceden o suceden muy tarde, dejando paso a momentos rutinarios, aburridos y predecibles, y hasta un recorrido turístico de Barcelona que, aunque cueste admitirlo, da lástima. Por otro lado, la intensidad emocional de una gran Penélope Cruz sólo encuentra igual en Bardem en una película que carece de la construcción hacia un trágico final como el que pretende que estemos dispuestos a ver. Rebecca Hall, hermosa y vulnerable, llega a robarse algunos aplausos; mientras que Scarlett Johanson ya toma forma de juguete del director, y lo digo en la forma más negativa posible. Quizá me equivoco, y tengo una “insatisfacción crónica”, como le indica Cruz al personaje de Johanson (una característica, reconozco, bien desarrollada, y una de las mejores frases y escenas del film). Pero eso es lo que creo.

Para calmar las aguas un poco, les regalo la crítica de “Música en espera”; que es una buena película con un poco de lo que se vio en el género romántico el año pasado, pero con mucho más de lo que se vio en otros géneros en años recientes de nuestra industria televisiva y cinematográfica. Sin embargo, lo que importa es que el film marca una consolidación que es válida y merecida y da esperanzas para el futuro.

La crítica de “Música en espera”, a continuación...Y los veo la semana que viene Sospechosos!

“Música en espera”

Creo que puede que finalmente estemos llegando a algún lado, en cuanto a cine de género. El año pasado, Mariano Mucci dirigió "Motivos para no enamorarse" (aquí mi crítica) luego de que un guión ganara un concurso a nivel nacional. El film fue producido por Daniel Burman y Diego Dubcovsky, y ahora el concurso y la fórmula se repiten con "Música en espera". Son otros escritores, Julieta Steinberg y Patricio Vega; y otro director, Hernán Golfrid.

Como asistente de dirección de Damián Szifrón, Golfrid debe haber recogido algunas cosas importantes que claramente podemos ver en su primera pieza. El guión, no suyo, contiene una de las ideas más originales vistas en cualquier género de nuestro cinema en años: Ezequiel (Diego Peretti), un músico escribiendo la música de un film está en desesperada necesidad de inspiración, cuando inesperadamente encuentra una melodía en el la música de espera del interno de Paula (Natalia Oreiro), una subgerente de un banco. Ezequiel la busca para poder escuchar la melodía otra vez y, ustedes miren como, termina simulando ser su novio. Oh, y Paula está embarazada; y su madre (Norma Aleandro) llega de repente de España a visitar.

No es tanto como parece porque el guión se toma el tiempo para desarrollar cada situación y nada parece apurado en manos de Golfrid. Heredando la visión que Szifrón trajo al cine y la televisión argentina, el director pone atención en las excentricidades de algunos de los personajes; particularmente en el jefe de Paula, los elementos que colecciona; y dos guardias de seguridad del banco que proveen momentos tiernamente graciosos.

El equipo de "Música en espera", como en "Motivos para no enamorarse", no pretende causar daño alguno ni tiene intenciones estéticas profundas o búsquedas de ningún tipo. Golfrid está claramente interesado en contar una historia que genere algo en el espectador. Como el 'crowdpleaser' que naturalmente es, el film es mejor que 'Motivos' porque es menos cursi y dramático; y porque funciona más cinematográficamente en términos de referencias (podemos ver mucho de Szifrón en este aspecto, y en el uso de entradas dramáticas de ciertos personajes acentuadas con música; incluso algunas imágenes recuerdan a "Tiempo de valientes" -aquí mi crítica-) y de mezcla de sonido -una escena de recreación musical cerca del final es simplemente inolvidable- también es mejor que "Un novio para mi mujer" (aquí mi crítica).

Pero no tanto. No es tan cómica y carece de la capacidad que una gran actriz como Valeria Bertuccelli tiene de entregar una frase hilarante detrás de otra. Sin embargo, esto puede discutirse, pues "Música en espera" es más acerca de la historia; más acerca de recibir algo nuevo e inesperado, algo natural. Golfrid se asegura que los jugadores principales entiendan esto. No grandes intérpretes, pero geniales en lo que hacen, Peretti y Oreiro (puede ser más hermosa?) juegan las cardas con pura emoción humana y sorpresa. Un momento en el que Paula le dice sólo "vení" a Ezequiel, es hermoso; una pizca de la mejor comedia romántica americana (una vez más, Szifrón). En el departamente secundario, Norma Aleandro está un poquito sobreactuada, y también lo está el director teatral Rafael Spregelburd; pero créanme, el contraste funciona a la perfección.

Es una lástima que, a diferencia de 'Un novio...', la película nos da un final con certezas luego de que toda la incertidumbre había marcado la diferencia. Pero como dicen, nadie es perfecto.

---7/10

¿Ustedes qué creen?

El título corresponde al final de la crítica que veremos hoy, pero pensemos, por los acontecimientos que se nos presentan estos días, que no. Hoy comienza el BAFICI (aquí está lo que escribí sobre el festival el año pasado). Es muy emocionante y frustrante a la vez porque uno, habiendo vivido ya la experiencia, decide tomar las precauciones necesarias para lograr el máximo disfrute posible; y aún así no sale del todo ganando. Leí algunas cosas, me la jugué por algunas películas y fui a comprar entradas para una mezcla entre lo arriesgado y lo seguro (que no por eso es menos arriesgado). Ya con las entradas en mis manos, por todos lados aparecieron recomendaciones de cosas que ni había escuchado y de algunas otras que había (por alguna razón) pasado por alto. Sin embargo, veré más películas que el año pasado y supongo será una buena experiencia. ¿Ustedes que creen (del BAFICI y de todo esto, claro)?

También leía el otro día el dossier que le dedicó El Amante a las series televisivas y justo pasé por al lado de un cartel en el subte que anunciaba la transmisión de una serie que quiero ver hace cuatro años. “Six Feet Under” puede verse por I-Sat los domingos a las 24 hs; yo lo considero un gran horario y el primer capítulo estuvo genial, pero no pasa nada si arrancan por el segundo. ¿Ustedes qué creen?

En cuanto a Julio Chávez, “El otro” es la última película de su trilogía del silencio, y la traigo hoy aquí para ustedes. El viernes les regalo la crítica de “Música en espera”, una grata sorpresa que deberían ir a ver a cualquier sala de cine cercana.

La crítica de “El otro”, a continuación.

“El otro”

Estoy pensando que quizá "Cordero de Dios" y "La mujer sin cabeza" (aquí algo que escribí), dos de las películas argentinas más importantes del año pasado, pueden haber sacado algo de inspiración de "El otro", el relato de desesperación y soledad del escritor/director Ariel Rotter. La búsqueda visual, con cámaras fijas acentuadas y bien encuadradas que encierran memorables planos, la aparente 'nada' de los eventos que se desarrollan (usualmente confundido con el término 'aburrido'), hablan bien de Rotter -en términos de un realizador con algo que decir- y recuerdan a los films previamente mencionados.

Pero la búsqueda visual aquí es más clara que en "Cordero de Dios" y la situación que conlleva a la 'travesía' del protagonista, Juan (Chávez), está menos especificada que en "La mujer sin cabeza". En ambos aspectos, "El otro" parece ser una película más arriesgada; una obra que parece menos dispuesta a ayudar al espectador a resolver sus misterios. Y cuando digo 'travesía' no me refiero sólo al viaje que vemos que Juan hace en la pantalla sino también al que está viviendo dentro de sí; sin olvidar una travesía para los sentidos del espectador...Un viaje en el que estamos obligados a pensar.

De repente Juan, un abogado en apariencia tranquilo, parece escapar del confort de su vida diaria. Descubre que su mujer está embarazada, llega a su casa y lo vemos contemplando los pies de su mujer (una imagen que es recurrente a lo largo del film); luego visita a su padre enfermo (Osvaldo Bonet) y le dice que no estará con él al día siguiente debido a un viaje de negocios. Cuando lo vemos a Juan en el autobús antes de partir, está sudando y parece cansado. Si prestan atención, podrían concluir que está asustado.

Y la travesía comienza. ¿Por qué? ¿Cómo es posible? ¿Hay algo más que noticias repentinas? Con el accidente de auto sufrido por Vero (María Onetto, que también interpreta un pequeño papel aquí), Lucrecia Martel lo hacía más fácil para el espectador, entregando algo/algún lugar preciso del cual partir, y mostrándonos el círculo privado de gente de la protagonista. De Juan no sabemos nada, y es crédito de Rotter que sigamos las acciones de este aburrido individuo con mucho interés por más de una hora.

Nunca estuve muy seguro de a dónde fue Juan para su viaje de negocios, pero la película no quiere que sepamos acerca de ese lugar y su gente en particular. Lo único que la película quiere de ese lugar es que aparezca casi desierto y que tenga algo lo suficientemente atrayente para que Juan decida quedarse por más de un día. El resto es improvisación, o podría ser todo un sueño. Muertes repentinas convenientes, bellas e improbables mujeres, dos o más hoteles (también casi desiertos), Juan caminando en la oscura noche con su traje negro: su miedo, el nuestro. La mañana: paz.

Con este protagónico, Julio Chávez completa la "trilogía del silencio" comenzada con "Extraño" (mi crítica) y "El custodio" (mi crítica). Muy lejos de los objetivos pretenciosos del primer film, y con mucho más lugar para hablar que en el segundo, Chávez encuentra en Juan un balance natural y lo explota logrando la mejor actuación de las tres. Algunos elementos son los mismos (nunca sabemos quien es el hombre, cuales son sus intenciones y, por supuesto, el silencio), pero el concepto del director está mejor redondeado que en los mundos previos y el trabajo del actor lo saca a relucir.

Nunca olvidemos que el cine es muchas cosas, y hacernos pensar no puede ser algo para subestimar. Cuando Juan está completamente solo en un funeral, sin saber exactamente por qué está allí; cuando está parado mirando el ataúd en su traje negro, pensé en un capítulo de "El extranjero", de Albert Camus. Allí, el protagonista expresaba sus pensamientos internos de cómo se sentía en una situación similar.

Creo que Juan estaba diciendo esas mismas cosas, o tal vez no. ¿Ustedes qué creen?

---8/10

Guardaespaldas

Pocos años después de “Extraño” (el post de abajo), Julio Chávez se embarcó en la segunda parte de esto a lo que estamos denominando ‘trilogía del silencio’. Otra vez con un director primerizo, otra vez con un proyecto independiente y contra viento y marea, el gran actor entregó lo mejor de sí. Es inevitable comparar esta película con la vista la vez pasada, así como será imposible no comparar ambas con la última pieza de la trilogía. Así que abróchense los cinturones.

La crítica de “El custodio”, a continuación.

“El Custodio”

De Rodrigo Moreno, "El custodio" es sin duda menos pretenciosa que "Extraño", pero igual de arriesgada. Es difícil conseguir que al público general le guste este tipo de cine contemplativo hoy en día, sobretodo en Argentina. Porque 'contemplación' es la mejor palabra para vestir a "El custodio"; una observación intensa de la vida del guardaespaldas de un ministro (Omar Nuñez). Este hombre es Rubén, un personaje más silencioso que el "Extraño" (mi crítica) y "Un oso rojo" de Chávez juntos.

Si recuerdan, Rubén también era el nombre del rol del actor en la última película mencionada, un relato fabuloso de Adrián Caetano. Sin embargo, este Rubén requirió más compromiso del genio, porque la hipnotizadora interpretación se concentra en la paciencia y el movimiento corporal casi por completo...En serio; su personaje casi ni habla.

Así llegamos al guión del director, que muestra al ministro que Chávez protege discutiendo asuntos políticos a los que ni le prestamos atención; ya que el escrito de Moreno es más acerca del ambiente que de la situación en particular. Para ser honesto, nada verdaderamente profundo ocurre en la película; todo es rutina al igual que la vida de su protagonista, excecpto por una visita a una casa de campo, donde el ministro invita a un político francés y le pide a Rubén (que pinta) que haga un retrato de él. "Muy bueno", le dicen todos. "Gracias", dice él, y se va.

La dirección de Moreno es también acerca del ambiente. La película del hombre tiene una importante cuenta de cámaras fijas: las repetidas tomas de Chávez tomando agua y siguiendo al ministro a cualquier lado le consiguieron reconocimiento en Berlín y muchas nominaciones para los premios nacionales más importantes.

Lo que pasó fue que el suegro de Moreno se convirtió en ministro, entonces el director decidió unirse a sus guardaespaldas en sus actividades diarias, filmándolas. "Los guardaespaldas siguen al ministro; no saben a dónde va...No les importa", Moreno dice en un pequeño documental sobre "El custodio". "¿Qué ocurre dentro de sus mentes? ¿Qué sienten? De eso se trata este film".

El final es tan mítico como el resto de la película. Algo para pensar por un rato y quizá mirar el lento film una vez más.

---7/10

PD: Pásense por http://cinemaschat.blogspot.com/ y lean algo que saqué de los arhivos. Con suerte todos nos sumamos y de vez en cuando podemos compartir la opinión de ciertas películas.

Lo lamento mucho

Lo lamento sí, empezó todo nuevamente, y no de la mejor manera. Ya hay varias cosas para leer, y los que me conocen saben que siempre me quejo, pero dudo que pueda ser todo tan bueno como el año pasado. Hay un par de nuevos temas, que nunca viene mal, y se viene el BAFICI (que nunca es negativo), pero las responsabilidades están doliendo…Veremos.


Y sí, quizá el título de arriba no sea el mejor para introducir al gran actor argentino, pero es que en realidad lo lamento por él. Julio Chávez decidió (no sé por qué, sólo que deberíamos estar agradecidos) embarcarse en una ‘trilogía del silencio’. En tres películas y con tres directores diferentes, pueden observarse similitudes entre los personajes construidos por Chávez (ya lo criticamos aquí en “Un oso rojo”, gran film nacional), por más diferentes que sean en cuanto a complejidad.

El mayor elemento en común tiene que ver con el poco empleo de palabras por parte del actor, que entrega tres composiciones magistrales. Si lo lamento por él es porque la primer exposición de esta ‘trilogía’ es “Extraño”, un film de Santiago Loza que no es bueno. Sin embargo, como homenaje a mi actor favorito (y, repito, un grande) y como bienvenida al Cine Argentino este año en el blog, les traeremos estas tres obras que, por Chávez, valen la pena.

La crítica de "Extraño", a continuación.

"Extraño"

"Extraño" es otra de esas fallidas primeras películas; es tan simple como eso. Y aunque trato de no repetir lo que escribo, las óperas primas son un caso especial y debo volver a decir que generalmente son muy pretenciosas, artisticas y demasiado reflexivas...Para su propio bien. Y desde luego que hay un pequeño número de primeros directores que pasan la prueba.

Santiago Loza no es sólo el director, sino también el escritor de su primer logro cinematográfico. Pero no fue su nombre el que me atrajo hacia la película; fue el de Julio Chávez. Chávez es conocido en cine por elegir roles interesantes en films interesantes; fue muy difícil descifrar que vio en este film. El guión para empezar...No hay! Y existen films que dicen muy poco pero esconden o expresan mucho; no este. La historia sigue a Axel (Chávez), un hombre que habla poco y cuando es necesario. Llegamos a conocerlo mejor que al resto y que a otra extraña (al principio), Erika (una sólida Valeria Bertucelli).

Axel es definitivamente un hombre extraño, como sugiere el título. Vive con su hermano y no sabemos bien por qué; es un gran doctor pero no está trabajando y tampoco sabemos por qué; conoce a Erika y no podemos decir si se ha enamorado hasta que la película nos lo deja claro. Como muchas otras, la película trata de ser inteligente, al no mostrarnos cosas así las podemos descubrir. Pero para qué darnos las respuestas en la mesa cuando Loza supuestamente quiere que las encontremos?

Es contradictorio y no vale la pena analizarlo. La película parece estar apurada; quiere terminar porque hay un momento en que no tiene nada más que decir (si es que tenía algo que decir en primer lugar), pero tiene que ser larga, y parece como si estuviera intencionalmente extendida. Un hermoso y melancólico piano que repite la misma melodía decora los paisajes. Cuando los personajes hablan, hay completo silencio; cuando vemos los paisajes, suen la música.

Los paisajes son siempre los mismos también, y el director Loza no entiende que ese tipo de total repetición es tediosa, y aún más si no tiene sentido. Árboles, la calle, un tren moviéndose y más árboles...La película comienza con un pequeño diálogo dicho por Chávez (más como un monologuito) y genera entusiasmo; aunque al final nos damos cuenta que ese pedazo de guión es la única idea concreta de Loza (y por lo tanto la mejor) y que no tiene ninguna conexión con el resto del film.

La actuación de Julio Chávez es, como siempre, digna de admiración y aplauso. Estaba en frente suyo cuando lo vi en una obra de teatro, y les digo que es increíble lo que el hombre puede hacer. La película no está a su nivel, así como "Si tuviera 30" (aquí mi crítica) no está al nivel de Mark Ruffalo, o "Mi novia Polly" (aquí mi crítica) no está al nivel de Philip Seymour Hoffman y ninguno de ellos decepciona. Eso es lo que debe hacer un gran actor. Incluso en un film mediocre como "Extraño", con un director como Santiago Loza, que por ahí con el tiempo aclaró sus ideas.

---4/10

Uno nunca sabe...

Las películas que son nominadas al Oscar cada año rara vez son pésimas. Pero pasa a veces, que entre toda la superproducción y la campaña de premios que las rodean, el film en sí olvida todo rastro de humanidad y se contenta con ser una película correcta que cumpla con los suficientes requisitos como para ser nominada al premio mayor de la Academia.

Ese es el caso de “El curioso caso de Benjamin Button”, árido film de David Fincher que, aún con el adjetivo que le corresponde, logró inundar varias pantallas de lágrimas. Lástima que no sucedió lo mismo con los premios.

La crítica de “The curios case of Benjamin Button”, a continuación.

“The curios case of Benjamin Button”

Es una premisa interesante para cualquier película -y lo único que necesitan saber de ésta-, crecer para atrás (“enjuveneccer”). Pero es suficiente? De a ratitos, la última película de David Fincher parece honesta y consigue risas y hasta sonrisas del espectador; pero la mayoría de la experiencia no tiene esas cualidades, y el relato se vuelve más frío a medida que Brad Pitt se vuelve más joven. Tomándolo de su ‘tagline’ (“la vida no se mide en minutos, sino en momentos”), no es la vida la que se mide en momentos sino el film en sí. Si lo midiéramos en minutos sería interminable.

Con esta contradicción mencionada, no hay duda de que “Bejamin Button” es el trabajo más ambicioso de Fincher hasta la fecha, como ocurrió con la reciente ganadora del Oscar de Boyle, la única que algún día podría ser notada por la Academia. La buena noticia es que aún tiene algunas de las características del cine de director, en un mundo que no está, por primera vez, habitado por personas obsesivas, crueles y lleno de sangre.

La atención de Fincher al detalle se ve por completo, mientras pone sus manos en todos los elementos que pueda manejar, hecho que le juega en contra en algunos aspectos. La narración, siempre un gran recurso, es llevada a cabo aquí por Caroline (Julia Ormond), un personaje por el que la película no tiene el más mínimo interés. Le lee un diario a su madre Daisy, una vieja mujer que solía verse como Cate Blanchett y de la que Benjamin Button -autor del diario en cuestión- se enamoró instantáneamente.

Las imágenes son hermosas y a veces llegan a quitar el aliento, pero Fincher nunca parece dejarlas respirar, y en momentos de silencio las acompaña con música -que está bien, por que la partitura de Alexandre Desplat es tremenda- y con la narración de Brad Pitt -que está mal, porque no necesitamos que alguien nos diga exactamente lo que estamos viendo en la pantalla-. La forma en que Pitt narra (intentando un tono afectuoso pero a veces sonando neutral) le sirve al espectador como una guía perfecta para lo mejor que “Benjamin Button” tiene para ofrecer: una infinita galería de maravillosos personajes y actuaciones que iluminan la pantalla, comenzando por el mismo Pitt.

El actor no levanta su tono de voz por un minuto. Su trabajo no es bueno por lo que dice; está básicamente construido en lo opuesto, y su bien parecido ayuda mucho. En otra contradicción, su actuación es un riguroso estudio de miradas y gestos, en la línea de ’extraños’ como el Edward Scissorhands de Johnny Depp. Pero por otro lado, este es un rol que puede interpretar con los ojos cerrados; como el Michael Clayton de George Clooney, simplemente tiene que pararse ahí. Sin embargo, con todo esto, él y la película no logran establecer una conexión con la audiencia.

El trabajo técnico del director y su equipo de maquilladores hacen todo lo posible para que Pitt parezca diez años menor, y lo logran al mismo tiempo que hacen que todos los demás se vean con más de siete décadas encima. Pero está todo afuera, parece fingido y está fuera de nuestro alcance incluso cuando queremos agarrarlo. A medida que Benjamin sigue regresando a casa (como lo hizo tantas veces “Forrest Gump”, de la guerra y de viajar por el mundo: sí, el guión de Eric Roth es demasiado similar como para no notarlo; pero no podemos culpar su tentación si es un gran escritor y si aquel guión le consiguió un Oscar), el tiempo le va quitando a sus amados, de a poco, y todas las personas en su gran caserón lo reciben como a un hombre que no han visto jamás.

Incluso cuando se vuelve más sabio con el tiempo y hace las paces con su inusual situación, Benjamin se vuelve un extraño, un hombre solitario; y su vida y la historia del film, con toda la bondad, amor y fascinación que hemos experimentado en ella, se vuelve una tragedia. Hay dos frases cursis en el guión que predicen esto: “Nunca sabes lo que te espera” y “Pasarás mucho tiempo solo”, algunas personas le dicen a Benjamin Button. Es una lástima que no pude compartir su dolor.

---7/10

Que los sueños sean sueños

Hubo un cambio de planes. Si leyeron bien, dije que esta semana les traería algo del gran actor argentino de la actualidad y su ‘trilogía del silencio’ en cine. Pero lo cierto es que me quedé pensando en lo emocionante que fue estar siguiendo los Oscars en tantos blogs y no poder ser la partida, por lo que me quería sacar de encima todas aquellas cosas que me quedaron pendientes de ese estilo.

Es por eso que esta semana tendremos dos películas más que contaron al menos con una nominación al Oscar, como es el caso de “Australia” de Baz Luhrmann. Tenga los detractores que tenga (y sé que son varios), este film esta hecho con mucho amor y, como dijo Xavier Vidal en “Cinoscar & Rarities” (en mis links), de haberse hecho años atrás, se hubiése llevado un poco más de estatuillas por doquier.

La crítica de “Australia”, a continuación.

“Australia”

Parece lo suficientemente lógico que Baz Luhrmann esperara siete años luego de “Moulin Rouge!” para traernos “Australia”. No porque es una mejor película, sino porque es muy diferente y mucho más ambiciosa. Claro que esto tiene sus puntos en contra, y es justo decirlo lo antes posible: “Australia” tiene fallas y es más larga de lo que debería ser, y tal vez (sólo tal vez) algún día será vista como el sueño hecho realidad de un hombre muy enamorado del cine y -no lo olvidemos- del amor.

No deberíamos olvidar que estamos hablando de Baz Luhrmann; deberíamos saber que esperar a veces. Entonces, si el comienzo de este film los decepciona un poco, es completamente entendible. Conocemos a un pequeño niño llamado Nullah (el prometedor Brandon Walters), que habla acerca de razas y países sin nombre, acerca de una dama a la que todos llaman Mrs. Boss (la ‘jefa’) y el camino que la llevó hasta Australia y, más específicamente a un lugar llamado Faraway Downs en compañía de un hombre al que llaman ‘el Capataz’.

Sí, es todo un poco confuso, más aún cuando Luhrmann mete un contexto histórico que, sospecho, no le importa mucho. Pero todo está bien porque logramos conocer a las estrellas del show. La ’jefa’ se llama Sarah en realidad y está interpretada por Nicole Kidman con el mismo aire y tono de voz que nos ha estado entregando toda la década. Su trabajo termina siendo menos riesgoso que el de Hugh Jackman, quien interpreta a este ’capataz’ como una exitosa combinación entre lo que nos ha estado dando desde que apareció en la escena hollywoodense: el héroe de acción, el tipo duro, el amante romántico y sensible y el hombre sexy que hace gritar a las mujeres (el tipo lo hace todo, sino me creen vean el número de apertura de los Oscars).

Quizá no estoy siendo lo suficientemente crítico, pero hay una escena en la que el Capataz aparece vestido de traje, completamente afeitado…Les juro que todas las mujeres en la sala suspiraron. Esto significa algo para ustedes? Para mí significa que el sueño de Luhrmann se hace realidad. Tres horas de metraje y no cansarse ni un minuto? No sentir disgusto al oír frases cursis y ver momentos excesivamente dramáticos? “Australia” es puro melodrama, y felicito a su director por hacer que se vea así sin vergüenza alguna. Las claves pueden verse a lo largo de todo el paseo: la repetición de frases que son un cliché, los acercamientos intensos, las partes en cámara lenta en momentos específicos de los personajes, las proporciones épicas de la partitura de David Hirschfelder, el establecimiento de una canción que acompaña a los personajes durante su travesía interminable y el uso de la narración en lugares en los que no hacía falta; lo mismo con algunas imágenes.

Sin embargo, la película es una imagen increíble tras otra (el cinematógrafo Mandy Walker es de la misma Australia), y se gana a la audiencia como pocas películas estos días pueden hacerlo, entregando un entretenimiento delicioso; pueden discutir si hace esto justamente, o si hace trampa y manipula. También pueden discutir el ambiguo final.

Una cosa más. Como con cualquier sueño, hay un momento en el que nos despertamos; y ese momento para Luhrmann tiene que ver con creer que su pieza podría llegar a la carrera de Mejor Película en los Oscars, al igual que su fantástica “Moulin Rouge!”. Pero como dije, esta película es muy diferente a la anterior, y Luhrmann no es ningún James Cameron…Ese sí la hizo completa.

---7/10

Peticiones

Esta es una de nuestras secciones especiales. Para Facundo (o Jb), de “El planeta de los nimios” (en mis links). Puede tomarse como mi disculpa oficial por no haber participado de su difícil y largo cuestionario, como otro de mis agradecimientos por enriquecer mi blog de conocimiento (muy bueno el cuestionario en Cinematófilos, en ese aspecto) o simplemente como la respuesta a algo que pidió (como siempre, directa o indirectamente) varias veces y que realmente merece.

Un film que estuvo entre los mejores veinte que vi en todo el 2008 y que todavía no me puedo sacar de la cabeza. Honestamente, lo tuve en casa demasiado tiempo y debería haberlo visto más veces. Hablo de “El libro negro”. Pero ahora les cuento mejor.

La crítica de “Black Book” (para Facundo entonces), a continuación.

“Black Book”

Bienvenidos a “Black Book” de Paul Verhoeven; un mundo de hermosa realización cinematográfica y encantadoras historias contadas. Hermosa realización cinematográfica porque todo se ve como salido de una pintura: todos están perfectamente vestidos aún cuando no están usando ropas lindas (hasta los pobres se ven bien), cada paisaje parece único y específicamente diseñado para cada escena. Encantadoras historias contadas porque lo que pasa en el film está muy bien contado y las palabras son las justas. Sin embargo, toda esta hermosidad de repente parece dolorosa si les cuento de qué se trata la historia.

Inspirada por verdaderos eventos de la Segunda Guerra Mundial, el guión de Verhoeven (escrito junto con Gerard Soeteman) nos presenta a Rachel (Carice Van Houten), una hermosa mujer holandesa judía que más tarde será conocida como Ellis de Vries porque arriesgará su vida infiltrándose en las oficinas principales Nazis, seduciendo al Jefe Ludwig Muntze (Sebastian Koch, de “La vida de los otros”); todo para apoyar a la resistencia holandesa y la gente que salvó su vida.

Esta es una película, por lo que leyeron recién- la manera en que lo describí al menos- que sabe del tipo de cosas que ocurren en una película. Particularmente, además, se dedica a hacer referencias a otras piezas y a sus estrellas (Jean Harlow, Greta Garbo). En mi opinión, el contraste de todo viéndose perfecto mientras hay una guerra llevándose a cabo es una de las cosas que hace de “Black Book” una experiencia muy especial. El film nos lleva a lugares; no sólo a esos lugares y paisajes que invaden la pantalla sino a lugares más allá, como el lugar al que me gusta llamar ‘amor prohibido’, o ‘sufrimiento silencioso’ o incluso ‘amistad inesperada’.

Sí, “Black Book” no es otra película acerca de la Guerra. La Guerra siempre estará aquí (como puede apreciarse cerca del final), y Verhoeven usa esta guerra en particular como un trasfondo para traernos, primero; la vista de ese período y tiempo, segundo; un tremendo espectáculo en el que las cosas no necesitan explotar todo el tiempo. Un espectáculo que incluye drama, acción, suspenso y las relaciones humanas que mencioné arriba.

Hay suspenso en la forma en que a los personajes se les ocurren planes de rescate que normalmente vemos en las mejores películas de crímenes; acción en cómo estos planes culminan, no siempre bien; relaciones humanas en un romance que crece sin que tengamos que ser completos testigos de ello y una amistad que emerge por necesidad pero se solidifica con el tiempo. Tienen que prestar atención, porque puede que sea un mundo que se ve perfecto, pero eso no significa que la trama estará perfectamente servida para su comprensión.

Olvidé mencionar el drama, que podemos encontrar en todas las actuaciones, empezando por Van Houten, cuya interpretación no es genial por el dolor que expresa en voz alta sino por el dolor que nos deja ver que siente en su suave y preocupada cara. Estoy hablando de un dolor construido sobre la expresividad, en un personaje que usa las palabras como armadura. Koch entrega un buen trabajo, también Halina Reijn como la amiga de Ellis/Rachel.

Esto es para mencionar algunos nombres, porque cada actuación es sorprendente y cada escena trabaja cuidadosamente para detallar las personalidades de los personajes que ni he mencionado. Quizá hay, sin embargo, escenas que no sirven al desarrollo del film y que Verhoeven podría haberse ahorrado.

Pero son unas pocas, y no cambian el hecho de que “Black Book” es un triunfo de un director que sabe como entretener sin tener que preocuparse mucho por el realismo; y con esto espero que no asuman que estoy diciendo que la película no es para nada realista. Pero es cierto lo que dicen a veces…Que es suficiente con una buena historia.

---8/10

PD: La semana que viene un homenaje a quien es el gran actor argentino hoy día, con sus participaciones en cine en su 'trilogía del silencio'

¿Brilla el Oscar?

Lamentablemente, estuve un poco peor que el año pasado y antes de los Oscars sólo vi dos de las películas nominadas: “Milk”, que tenía unos subtítulos deficientes-y un poco de lo que Damián llama ‘reinterpretar el guión’-y debo ver de vuelta; y “Slumdog Millionaire”, ganadora del premio mayor y ahora líder en la taquilla nacional. No sé si el año pasado vi más o menos, pero este año tuve la posibilidad de ver más e inúltimente la desperdicié.

Pero la verdad también es que hay tantos buenos blogs (se incluyen principalmente los que están en mis links, cuyos administradores no sólo poseen una pasión por los premios sino también por el cine en general, y sobre ello escriben con dedicación) que se dedicaron tan intensamente a la previa de los Oscars y a la ceremonia misma que no pude hacer otra cosa que sentarme a leer, como un adicto, sus críticas de las películas nominadas y sus predicciones sobre lo que iba a ocurrir.

Y ocurrió lo que ocurrió, y no podemos volver el tiempo atrás, y lo mínimo que yo puedo hacer aquí para recibir este 2009 que nos alumbra y cuyos Oscars ya nos dejaron, es regalarles la crítica de esa vencedora película de la que todos hablaron-bien o mal- mucho. Nuevamente les doy la bienvenida a los Sospechosos de Siempre!

La crítica de “Slumdog Millionaire”, a continuación.

“Slumdog Millionaire”

“Slumdog Millionaire” puede no ser la película que esperaríamos de alguien como Danny Boyle y, aunque tiene algunos elementos que podrían refutar tal declaración, es ciertamente el trabajo más arriesgado que ha completado, y quizá el mejor. Acerca de esto último no estoy completamente seguro, pero si esta es la película que le consiguió un premio de la Academia, es precisamente por no hacer lo mismo que había estado haciendo hasta ahora.

Así es, contra viento y marea, el pequeño film de Boyle acerca de una historia más grande que la vida es un relato clásico que ustedes se encontarán definiendo con muchas palabras importantes: amor, pobreza, traición, amistad, hermandad, familia…Destino. Y el truco mis amigos es que, entre toda esta gente bella pero sin suerte, en esta enorme ciudad donde el director británico puso su cámara, todo parece perfecto; pero el espectador que conoce el pesimismo de Boyle nunca puede saber con certeza por cuanto tiempo durará.

Es realmente posible para un chico de la villa miseria convertirse en millonario? Puede también conseguir a la chica de sus sueños? “La mujer más hermosa de todo el mundo”, así es como Jamal (Dev Patel) habla de Latika (Freida Pinto), la chica que conoció cuando vivía en las calles de Mumbai con su hermano Salim (Madhur Mittal); la chica a la que le dio refugió al verla llorando debajo de la lluvia. En la más inusual de las circunstancias, Jamal le dirá a un inspector de policía todo acerca de esta chica que nunca olvidó, acerca de su hermano y de su sufrida experiencia por la vida. “No sé donde está ella ahora”, será lo último que el inspector escuchará de Jamal.

La película revela toda una vida para los ojos del espectador. No hay nunca una indicación clara del momento que se está mostrando de esta vida, pero la edición (Chris Dickens) y la cinematografía (Anthony Dod Mantle, finalmente reconocido!) presentan la estructura de la trama y nunca nos perdemos. La partitura de A. R. Rahman, compuesta en su mayoría por canciones y muy modesta, prepara el ambiente para cada nueva exótica y cautivante locación que la película presenta por minuto.

Tres actores diferentes (la mayoría niños y no profesionales) interpretan los roles principales en tres edades diferentes, pero Patel y Pinto resaltan porque la película lo demanda. El amor que Jamal siente por Latika es lo que lo mantiene a él y a “Slumdog Millionaire” vivos, mientras la imagina en todos lados y recuerda su cara constantemente.

Si la película tiene un problema es éste. El recordar constante y la repetición de imágenes es un recordatorio innecesario de cosas y un factor de distracción para el espectador en algunas de las escenas más conmovedoras del film. Porque, sí, “Slumdog Millionaire” conmueve en sus propios términos; porque al final elige la luz y tiene su corazón en el lugar indicado.

Tal vez piensen que hay manipulación llevándose a cabo, pero se equivocan: la manipulación ocurre dentro de la historia y su estructura (y ni siquiera podemos culpar tanto al film por esto porque parece que realmente lo necesitaba), pero no hay nada siendo forzado contra el espectador. La actuación de Patel hace de el amor que Jamal siente por Latika algo tan sincero y creíble que no dudamos por un segundo cuando le dice que la ama, que es su destino estar juntos, que siempre la encontrará.

Y sí, “Slumdog Millionaire” podrá no ser una verdadera merecedora de Oscar o una gran película, pero es, para el espectador, definitivamente un cuento de hadas bien hecho que le hace alentar a sus heroes sin importar qué; para el crítico- o el que se la tira de-, un pequeño film que en silencio y con el tiempo gana su corazón (eso también funciona para el espectador), algo así como “Juno” (aquí mi crítica); y para instituciones como la Academia, la película que, en este mundo y tiempo, aparentemente tiene las virtudes para llevarse a casa el premio más gordo que entregan.

“Bésame”, le dice Latika a Jamal.

---8/10

2009, estamos de vuelta!

Mil disculpas por la tardanza, mil disculpas si no puse ni expresé bien (creo que realmente no lo hice) que no volvería a postear nada hasta el mes de marzo, mil disculpas si se cansaron de leer veinte veces el especial que está abajo (esa la dudo seriamente) o si les hice creer por un momento que este blog no iba a funcionar más.


No es cierto. Terminaron mis merecidas vacaciones, estoy de vuelta en la ciudad del estudio; por lo tanto sigo estudiando y además seguiré escribiendo para ustedes todo este año que ya lleva tres meses de vida. Las vacaciones fueron largas y relajantes pero por suerte no estuvieron faltas de cine: vi varias películas-algunas muy buenas, otras horribles-sobre las cuales escribí y otras sobre las que no tuve ganas ya que al estar vacacionando se ponía un poco más difícil.

Sin ir más lejos, estoy seguro que muchos estarán en desacuerdo conmigo al escuchar que me gustó “Australia” o que me gustó muchísimo “Slumdog Millionaire”. Como aquí nos gusta jactarnos de poder explicar bien por qué algo nos parece bueno o malo, ya el viernes estaré trayéndoles la crítica de la ganadora (merecidamente o no, ese es otro tema) de los más recientes premios Oscar para inaugurar el año.

El resto lo conocen. Continuaremos entregando las “Peticiones” que requieran (comenzando con una que le debo a Facundo hace tiempo), les seguiré presentando algunas “Rarezas de la semana”, seguirán viendo un poco del “Rincón de Alejo” dependiendo de las ganas del ahora estudiante de cine y le daremos una vuelta a la olvidadísima “Analizando Clásicos”, que aparecerá de vez en cuando con la crítica escrita de uno de esos films que conocemos con esa enorme palabra.

Hasta muy pronto entonces Sospechosos…Espero tenerlos de vuelta!