Woody Allen time: Whatever Works

Apenas pueda voy a correr al cine a ver "Medianoche en París" y traeré la crítica. Mientras tanto, quien diga que Woody no ha sido uno de los tópicos cinematográficos en lo que va del año, vive más desconectado del cine que yo últimamente. Aquí en Argentina se estrenó "You Will Meet a Tall Dark Stranger" a comienzo de año, que yo reseñé brevemente en el post anterior al que ahora escribo; Cannes fue inaugurada con la película que mencionaba más arriba; película que, desde su estreno comercial mundial, ha cosechado excelentes críticas...y aquí también los distribuidores decidieron estrenar "Whatever Works", traduciéndola (creo) como "Que la cosa funcione", pa' ver si la película andaba y la gente la iba a ver. El asunto es que yo particularmente la había visto tiempo atrás, y me gustó mucho. Quería brevemente darles una nueva bienvenida a Los Sospechosos de Siempre! Ya tengo preparada "127 Horas", una "Rareza de la semana" muy especial, los 'apuntes vacacionales' que quedaron pendientes, una suerte de 'multipost' de Tarantino y novedades de blogs para visitar y videos para ver. Mi ausencia no ha sido una total elección.. estuve trabajando en mi música y en otra cantidad de cosas productivas, lo juro.

La crítica de "Whatever Works" (o "Que la cosa funcione"), a continuación

"Whatever Works"

¿Realmente Woody Allen lo entiende todo? ¿Realmente tiene esa captura de la humanidad de la que pocos podemos alardear? Realmente ve "el todo" en su máximo esplendor? No lo sé, porque no sé lo que es "el todo". Lo que sí sé, y aprecio, es que Allen ha intentado una y otra vez entender las cosas (quiero decir el mundo y la gente que lo habita); o al menos, ha intentado decir algo interesante sobre ellas. También sé que siempre lo ha hecho con éxito, y que si "Vicky Cristina Barcelona" (aquí una breve reflexión) no es un buen film es porque allí no es fiel a si mismo. Es una película en la que aparece ante el espectador como un farsante.

Por otro lado, algo como "Que la cosa funcione", entendido en su idioma original como "Whatever Works", es un poco lo opuesto a lo que su título y protagonista profesan. Boris Yelinkoff, un físico alguna vez genial interpretado por Larry David como -por mucho que duela decirlo- el Woody Allen de turno, es un neurótico, un "odio-todo-en-este-mundo horrible" tipo de hombre que se cree un genio. Es el Woody Allen de turno porque, como siempre, es imposible no pensar en la persona de Woody cuando vemos una película en la que no está actuando. Este Boris es el alter ego de Woody y profesa -para ponerlo en pocas palabras- que pase lo que pase, 'lo que sirva' está bien.

Pero esto no se aplica al Woody Allen director/escritor. Trabajando en Londres, las decisiones morales de "El sueño de Cassandra" no funcionaron tan bien; en Barcelona, la escena del beso entre Javier Bardem y Rebecca Hall, con el guitarrista español tocando música romántica en el fondo, fue fácilmente uno de los momentos más cursis en un film decepcionante. Por suerte, lo encontramos de vuelta en New York. Allí, con un aire familiar que se rehusa en dejar atrás un sentimiento musical de ópera que le funcionó muy bien durante esta década; y con actuaciones de un elenco fresco y fluido que -por mucho que duela decirlo- debería haber contado con su presencia, Allen logra una muy buena comedia y se vuelve claro que no es 'lo que sirva'…ESTO es lo que sirve!

Es una muy buena comedia porque no es meramente romántica aunque contiene el romance como elemento principal. Boris, viejo cascarrabias, nos cuenta que intentó suicidarse por amor una vez y no funcionó. Oh, sí! Nos habla a nosotros espectadores en lo que la trama ve como delirios de grandeza, pero sabemos que es Allen quien nos habla, mirando directamente la cámara, como no lo ha hecho en años. No más voces en off o planos plagados de significación; este es Woody apostando a los personajes y Boris es su vehículo para ello. Hay que repetir para aclarar: Boris no es Allen porque no podemos verlo a Woody en pantalla; pero eso no significa que no sintamos su presencia, cuando esta vez juega directamente con la idea de la 'audiencia cinematográfica' en dos momentos cruciales. Alvy Singer era un poco más íntimo; Boris los vuelve a todos parte del cuadro (literalmente, el encuadre cinematográfico).

De todos modos: amor. Comedia. No una comedia romántica pero una película que hace reflexiones cómicas desde el amor. Pero no termina ahí. En "Que la cosa funcione" Allen también hace lugar para comentarios sobre la vida que, por más problemáticos, suenan correctos (digamos "en su justo lugar"). Entonces, por Allen, a través de Boris y desde el amor experimentamos sexo, cultura, prejuicio, racismo, el miedo a la muerte, ciencia, arte y cualquier cosa que se les ocurra. La belleza de esto es que, como Boris es quien nos cuenta el cuento, todos pasan por su visión cuando los vemos por primera vez. Lo cierto es que, para Boris, todo el mundo es estúpido y superficial; pero Allen se abraza a estos estereotipos y los desarrolla por completo. Eso es algo que sólo alguien que entiende de personajes puede hacer. Allen respeta a los personajes, y respeta la vida.

Estas son las razones por las que "Que la cosa funcione" funciona, a diferencia de lo que explica Boris. También es, y esto no es menor, la mejor película de Woody Allen de esta década desde "Match Point" (aquí mi crítica); un punto alto cómico que juega como perfecto opuesto de aquel eje dramático de la película filmada en Londres. Y agrego que vive con la contradicción de ser perfectamente simple, sólo porque no llega a ser simplemente perfecta. La explicación final de la contradicción: el film es perfectamente simple porque es perfecto en su total complejidad y aún así aparece ante el espectador como la película más sencillamente filmada en mucho tiempo; pero no es simplemente perfecto porque no le toca…porque Woody Allen siempre puede hacer algo mejor, y su próxima obra maestra está a la vuelta de la esquina.

---8/10

SALUDOS SOSPECHOSOS!

Rareza de la semana

Me fui por unos día a vacacionar al sur con mi familia y desde allí abro la semana con esto. Me parece razonable, porque los quiero ver hace tiempo y se me hace que hasta muy entrado el fin de año no los volveré a ver. Sí, falta poco, pero ellos no aceptaron un no como respuesta. ¿Qué podía decir? Supongo que nada más puedo hacer que dejar una buena recomendación semanal, que para mí, por varias razones, es una rareza. Pero siempre cabe la posibilidad de que la conozcan bien.


Estoy de vuelta muy pronto, pero además de la película del día quería consolidar a las dos actrices que, justamente, y tras duros desempates, se consolidaron aquí como las más lindas de la industria cinematográfica (hollywoodense más que nada): Keira Knightley y Jennifer Connelly. La próxima nos vamos por encima de los cuarenta y vemos qué pasa. Por ahora, felicitaciones a ellas.



¡Ah! ¿La foto de Macaulay Culkin? Lo reivindicamos hoy, porque lo reivindicaron de cierto modo hace pocos años con el film “Salvados”, una joyita medio escondida de sólo 5 millones de presupuesto que le da esperanza a uno de esos géneros que casi todos dan por paralizados creativamente. Así que bien por Culkin por elegir el film y bien por ustedes si deciden verlo. De esto se trata la reivindicación.







La crítica de “Saved!”, a continuación.

“Saved!”

La comedia adolescente podría bien ser un género muerto, si pensamos en los predecibles títulos que trae a la pantalla y, sin ofender, el hecho de que la mayoría de ellos son vehículos para estrellas como Lindsay Lohan y Hilary Duff. De todos modos, yo no soy el tipo de persona que rechaza los clichés (saben que amo las comedias románticas), pero cada vez que un film de este género reduce un poco el grado de estereotipos e introduce algo original y fresco automáticamente tiendo a pensarlo como una buena película.

Hay una razón por la cual películas como "10 things I hate about you" están tan bien seleccionadas actoralmente: Julia Stiles y Heath Ledger entienden el juego mejor que Hilary y Chad Michael Murray. Cuando "Saved!" comienza, vemos el cielo y los créditos actorales: Jena Malone de "Donnie Darko", Patrick Fugit de "Almost Famous", el ya perdido y pobre angelito Macaulay Culkin...Cualquiera que no crea que Mandy Moore es una buena actriz debería dejar de leer ahora mismo. El director Brian Dannelly sabe a quién elegir. Y elige a Jesús. Los personajes van a una escuela cristiana.

Los condimentos obligatorios que incluye en su guión, co-escrito con ingenio por Michael Urban...Hay una buena chica apropiadamente llamada Mary (Malone) que pierde su virginidad porque cree que Jesús le dijo que lo hiciera -esperen a ver por qué, es muy gracioso-; hay una fanática de Jesús, Hilary Faye (Moore), que es más diabólica que celestial; y su inválido hermano Roland (Culkin). Finalmente está Patrick (Fugit), que realmente gusta de Jenna y quiere hacerle bien; pero él no es un perdedor feo como suele suceder con este tipo de personaje. Dannelly no llega tan lejos (y lo digo como cumplido).

Este es el tipo de película en la que todo significa algo y quizá algo más. Las imágenes a veces están cargadas con símbolos, las líneas de los personajes usualmente están abiertas a múltiples interpretaciones. Las películas que hacen esto generalmente son molestas, pero en "Saved!" no genera incomodidad porque ese es precisamente el punto del film: creer en el poder superior, conectarse, salvar y ser salvado. Y si no quieren perdonar las metáforas, registren el lenguaje de los adolescentes: palpable, inteligente pero no irreal. Honesto.

Cuando los personajes en comedias adolescentes hablan de esta forma hay lugar para cosas que empiezan a aparecer naturalmente: risa (que no obtenemos de cualquier 'comedia' estos dìas), ternura, simpatía, culpa, tristeza. Digamos sólo que cuando Dannelly elige a Jesús, su "Saved!" se está salvando también de ser horrenda. Con la religión como contexto principal, obtiene la libertad para el simbolismo y un preciso sountrack que existe para acompañar los sentimientos de los personajes (el màs fino ejemplo de este uso es "Garden State" de Zach Braff); además de desarrollar una subtrama que contiene una relación adulta. Los jugadores son Martin Donovan y la suprema y hermosa Mary-Louise Parker, en el tipo de proceso que dos adultos vivirían a través de toda una temprada de "The O.C." Dannelly no tiene el tiempo para eso, y con el foco religioso logra algo sorprendentemente maduro y, en consecuencia, bastante genial (presten atención a la última escena; la última vez que Donovan está en pantalla).

Jena Malone es lo extraordinario realizado por lo ordinario. Es lo que siempre ha hecho, porque se la ve tan normal y es tan pequeña que nunca esperamos lo que puede hacer...Y hace mucho. El retorno a la pantalla de Culkin, ante todo, es gratificante. Construyendo una actuación enteramente con miradas y 'one liners' matadores, el chico estrella parece renacido; un talentoso renacido. Acerca de Mandy Moore, es genial porque entiende que su personaje es un estereotipo y se rehusa a ser uno: ella cree en Hilary Faye como Hilary Faye cree en Jesús. Y Patrick Fugit es simplemente medio mágico, así como Eva Amurri, que crea a la disparatada Cassandra: otro estereotipo que no es tal. Si piensan con claridad, el reparto podría ser la única razón por la cual películas como "The Girl Next Door" son buenas.

Como se darán cuenta, no es fácil escribir sobre una comedia adolescente. No es fácil mirar una, no es fácil tolerarla y es muy difícil encontrar una buena. "Saved!" también tiene un baile de graduación, y también ocurre al final de la película; es sólo que para ese momento ya hemos entendido que no se trata de cualquier película.

---9/10

La comedia que dispersa

No les voy a mentir. Estos días ‘porcinosos’ han tenido sus beneficios cinematográficos. Luego de eludir las responsabilidades de la semana (se viene áspero, pero quedaban algunas), me quedé tranquilo al recibir la llamada del compadre Urdinez que me comentó que había estado visionando mucho cine. De más está decir que aquí siempre se ve de todo un poco (ya se está en marcha una nueva y –con suerte- interesante emisión de ‘mini críticas’), pero ha predominado bastante la comedia, vaya a saber uno por qué.

Y aunque “Sobreviviendo a mi Ex” (o algo por el estilo, pésima traducción como siempre) pude verla muchísimo antes de estos tiempos, me parece que es la comedia ideal para estos días: una comedia que está hecha en familia, que tiene toques románticos pero que prioriza el amor y que además, digámoslo, dispersa. Tiene en común con la última película vista (“My mom’s new boyfriend”) el hecho de que también fue maltratada en nuestro país: fue enviada directo a DVD. Esas cosas no se hacen.

La crítica de “Forgetting Sarah Marshall”, a continuación.

"Forgetting Sarah Marshall"

“Sobreviviendo a mi Ex”, producida por Judd Apatow, es uno de los últimos ejemplos de una forma de comedia en el cine norteamericano que espero y creo todavía tiene algunas cosas para mostrarnos. Es también una película hecha en familia, en la que uno siente que todos pasaron un buen rato y trabajaron demasiado duro para que nos podamos reír a lo loco; y no olvidemos, también es el trabajo de personas que se respetan mutuamente y valoran el talento de cada quien.

Hace algún tiempo el humilde Apatow dirigió un guión co-escrito por él y Steve Carell; “Virgen a los 40” (aquí mi crítica), y le dio a Carell el rol protagónico. Ya había trabajado con él en “Anchorman” (aquí mi crítica), que no es parte de otra historia porque ambas películas comparten, entre otras cosas, miembros de elenco. Luego vino “Ligeramente embarazada” (aquí mi crítica), una oportunidad para que Seth Rogen se robara el show; más tarde Rogen escribió el guión de “Supercool” y fue también parte del elenco; finalmente Jason Segel escribió un guión, que concluyó en el film que estoy criticando, dirigido por otro escritor, Nicholas Stoller.

Esencialmente, todo aquí tiene que ver con el guión. Lo que el guión requiera, la película lo entregará. Luego de que conocemos a Peter (Segel), desnudo, siendo dejado por su novia, la súper famosa Sarah Marshall (Kristen Bell), y lo escuchamos llorar, también queremos lo que su hermanastro Brian (Bill Hader, de “Supercool”, “Ligeramente Embarazada” y carta mágica de “Adventureland”-aquí mi crítica-) le recomienda: unas vacaciones.

En Hawaii todo se ve más colorido, y no sé si Segel sabe mucho acerca de la cultura y la gente allí, pero según lo pone el guión, la playa y el hotel en el que Peter termina metido parecen ser el paraíso; especialmente cuando una hermosa mujer (Mila Kunis) lo saluda en la recepción. ¿Pero es el paraíso si tu ex-novia se está quedando ahí con su nuevo hombre (una estrella de rock británica maravillosamente sobreactuada por Russel Brand)? No necesito contarles cuan graciosa es esta película porque ya deberían saberlo debido a la gente que la hizo, aunque les contaré cómo trabajan admirablemente para hacerla graciosa.

Nos ahorran discusiones y diálogos de la pareja terminando su relación, yendo directamente al punto; nos entregan unas vacaciones con una cantidad importante de personajes para conocer y proveen a cada uno con una frase matadora que no se repite más tarde para tener mayor efecto –hay un sólo personaje interpretado por Jack McBrayer que tiene una broma inevitablemente continuada-; hasta se aseguran de que reconozcamos a algunas de las personas que conocemos (Paul Rudd y Jonah Hill nos sacan una sonrisa instantánea cuando los vemos y nos sentimos seguros entre amigos).

El guión de Segel es un trabajo duro, desarrollando un personaje que comparte el ‘Síndrome Apatow’ (no muy buen mozo, que sale poco de casa, tiene pocos amigos y es tiernamente –o no- adicto al sexo, pero que liga una chica espectacular...para más detalles, observen a Judd Apatow y a su mujer) pero de algún modo se nos hace diferente. La escritura de Segel y su actuación nos hacen ver a un tipo sensible y comprometido en la forma de hablar de Peter pero no se olvidan de mostrarnos ‘flashbacks’ de una relación que la mayor parte del tiempo lo hacía ver como un estúpido (todo sea por una buena risa). El guión también domina las formas de la comedia romántica moderna, con su estructura típica, agregando algunos elegantes toques personales que son mérito de Segel.

El film no es mejor que otros como “Ligeramente Embarazada” porque en el desarrollo detallado de Peter, se olvida del resto de los personajes y pierde un poco de la humanidad Apatow. Las mujeres no están totalmente desarrolladas (de hecho, la Sarah Marshall del título parece una muñeca sin corazón, que de hecho es un poco la idea) y falta mucho del factor amistad, con sus valores y charlas.

Todo está bien igual, porque la honestidad sigue allí, y porque la película dura demasiado otra vez y no nos quejamos. Simplemente nos seguimos riendo.

---7/10

La historia de un grande (“La ratificación”)

Llegado el punto de tener un premio de la Academia en su repisa, un actor a veces descansa, otras no. Tomemos el caso reciente de Javier Bardem: luego de llevarse a casa el codiciado premio, pospuso sus vacaciones con Penélope Cruz y comenzó a trabajar con un interesante director mexicano. El otro lado de la moneda, el descansar, no hace referencia a no actuar para nada, sino a elegir o no los papeles adecuados luego de semejante hecho. Jamie Foxx, Jennifer Conelly, Forest Whitaker son nombres de recientes ganadores de Oscar que no han sabido elegir papeles interesantes luego de semejante hecho.

El caso del Gran Philip Seymour Hoffman no es ninguno de los dos anteriores. Con el Oscar salidito del horno, nos dio uno de los grandes villanos del cine reciente (en la tercera entrega de “Misión Imposible”, aquí mi crítica) para luego hacer dos papeles que funcionarían como ratificación de su muy merecido reconocimiento: John Savage, en “La familia Savage” (aquí mi crítica) y Gus Avrakotos, lo mejor de una “Juego de Poder” que funciona y la razón de una segunda nominación al Oscar. Para finalizar con el maestro, esta es la peli que les traemos hoy.

La crítica de "Charlie Wilson's War", a continuación.

"Charlie Wilson's War"

Una vez más. Mike Nichols trae a las salas una película que, como "Closer" (aquí mi crítica), no es para todos. El film mencionada es un relato dolorosamente honesta de dos parejas y sus problemas; "Charlie Wilson's War", el nuevo film de Nichols, es una comedia política tan difícil de seguir como "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos". Una vez que comienza, no para; para gente muy mayor tiene mucho diálogo y para adolescentes de 14 años contiene mucha política...A mi hermano le costó.

"Charlie Wilson's War" cuenta la historia del congresista Charlie Wilson (Tom Hanks) y las cosas que hizo para ayudar a Afghanistan a destruir a los rusos durante la Guerra Fría; y eso es en forma resumida. Los primeros cuarenta minutos las políticas son serias e inteligentes, aún cuando la primera escena lo muestra a Wilson en un cuarto con strippers tomando cocaína y su oficina está llena de mujeres despampanantes ocupando posiciones importantes, con muchas responsabilidades.

Pasados esos cuarenta minutos, la inteligencia continúa pero la seriedad se diluye y es reemplazada por sátira cómica pura. Pueden discutir lo que quieran, pero la única cosa seria en la película desde ese momento es su contexto histórico, porque el resto es el don de Aaron Sorkin para hacer a la gente reír y un elenco de la puta madre.

Es lindo ver un film en el que todos están jugando el mismo juego; donde están dentro del juego y saben cómo jugarlo. Mike Nichols logra esto cuando dirige; en "Closer" resultó en drama, pero sus cuatro actores estaban totalmente conectados. Aquí orquesta lo opuesto, poniendo a tres grandes actores en pantalla pero haciéndolos compartir pocas confrontaciones; sin embargo el resultado es el mismo, sólo que en vez de llorar, reímos.

¿Cómo rechazar una risa cuando el Gran Philip Seymour Hoffman está de vuelta en la comedia y en su mejor forma con 'la mano' en su lugar? Les dije la vez pasada que les iba a contar de 'la mano'. No sé si lo han notado, pero en cada uno de sus papeles se las arregla para encontrar un momento en el que pone una de sus manos en una posición determinada; siempre es la misma y es una marca registrada del actor. De todos modos, es un monstruo y dar detalles de su trabajo aquí es en vano. Sin embaargo, podría ser la única razón para realmente ver el film.

Tom Hanks hace un buen trabajo, mayormente en las partes en las que parece un tipo común y se aleja de los personajes con grandes experiencias de vida que está tan acostumbrado a interpretar. Su Charlie Wilson no tiene sufrimiento; conoce de su propia ignorancia y sabe que hay millones que pueden hacer su trabajo mejor que él, pero lo lleva a cabo y se divierte.

¿El regreso de Julia Roberts a la pantalla grande? No es la gran cosa, en serio. Se ve bella y juega el juego del que les hablé, pero si han visto "Closer" sabrán que Mike Nichols puede sacar mucho más de ella. Ahora, si Nichols tiene éxito con un guión cómico y hace lo mismo con uno dramático, imaginen lo que podría hacer si consigue algo realmente bueno que combine ambas cosas. Lo ha hecho en el pasado. Ah, y Sorkin también puede hacer a la gente llorar ("Studio 60 on the Sunset Strip", "The West Wing").

---7/10

De la escritura y la estupidez

Con la escritura, como siempre, tiene que ver el post de hoy; y la película que veremos tiene algo de estupidez, que a su vez viene con algo de escritura. O al menos eso creía cuando escribí la crítica de esta floja comedia española. No hay mucho que decir más que su título y proceder a reseñarla, y cuidado que esta no es cualquier reseña: es una de mis primeras, de por allá del 2005. Ya hay varias de ellas por el blog, pero por su poca longitud esta podría destacar.

La crítica de “El Furgón”, a continuación.

"El Furgón"

La ficción es un mundo fantástico. Cualquier cosa puede escribirse en un trozo de papel que un escritor tiene en su mano, y puede dirigirnos a un mundo que nunca visitamos. Tomen como ejemplo a Charlie Kaufman: que mente! Toma una idea, o quizá no, y empieza a demostrar su magia poniendo algunas palabras juntas.

A veces las cosas también pueden salir mal, incluso si la intención es buena. Ahora hablo de “El Furgón”. Llegaremos a lo de la escritura en menos de un minuto.

Veamos…Conocemos a un hombre estúpido. Conocemos a otro hombre estúdio, y a otro. Debido a las cosas estúpidas que hacen, terminan en un “furgón” (ese auto usado por la policía para llevar a los ladrones a la cárcel). Ahora tenemos a tres personas estúpidas juntas. Los tres hombres escapan del furgón por una estupidez. Ahora están en una casa abandonada disfrutando de la vida; y continúan haciendo estupideces! Claro, tenía que haber una chica; ella es hermosa y, adivinen…Estúpida! Dice que puede hablar inglés cuando lo necesita, pero habla el idioma pésimamente. La situación que se desarrolla luego de que la chica llega es una de las situaciones más estúpidas que jamás he visto en un film.

Este film me decepcionó porque me gusta lo que he visto del cine español; siempre me hace sentir bien. Tiene un estilo natural y cálido difícil de ver en otras películas. Benito Rabal, el director de la película, trata de impresionar con algunas tomas, pero no es lo suficientemente bueno (ni siquiera para la película que está haciendo). Cuando escribe (estábamos hablando de eso) trata de ser gracioso y nos reímos de algunas situaciones y de sus esfuerzos. Hizo un buen trabajo con su elenco, sin embargo. Poner en el reparto al experimentado Sancho García fue una acertada idea, y García le brinda un poco de clase al film. Pablo Carbonell hace lo mejor que puede con lo que tiene; y es gracioso, en un modo estúpido. El resto del elenco…No lo noté.

Eso es lo que ocurre a veces. No es culpa de los actores, no es culpa de los personajes. Quizá es la culpa de Benito Rabal, ¿quién sabe? Quizá la película tenía la intención de ser estúpida, a propósito. De todos modos, la estupidez está allí.

---5/10

Delirio de grandeza

Como muchos ya saben, no soy el mayor fanático de “Zoolander”, que no es tanto el punto a discutir hoy, pero por un lado sí (en todo caso se verá después). Sin embargo, tanta recomendación y comentario por doquier me hizo terminar un sábado a las 2 de la mañana, función trasnoche del Hoyts Abasto, sentado en una sala viendo “Una guerra de película”.

No sé cuanto comenté acerca de este tema, pero que el Bigote haya escrito que estuvo en una sala viendo semejante film y que la gente sólo se rió 6 veces me resulta un hecho completamente imposible. En el Abasto no estaba la sala llena, pero las risas eran incontables. Un poco el tema de esta semana era, en la comedia estadounidense, era hasta donde se podía llegar con tal o cual cosa. Cuando digo ‘delirio de grandeza’ hablo de nadie más que de Ben Stiller, un personaje que creo siempre tuvo ese tipo de delirios; y que hoy se lo agradezco.

Pregúntense hasta donde puede llegar una persona con la sátira, la crítica y el humor que no para de hacer reír en una misma película…Las respuestas (y son de esas que te hacen pasar el examen, y promocionar) las tiene todas este delirio de Stiller (su cuarto film como director, por aquí anda la crítica de “Reality Bites”), que empieza y no para por un segundo, y que, con disculpas del Bigote, tiene el material para hacer reír a cualquiera. No la quiero alargar mucho, y lamento que a muchos no le haya gustado (escuché de gente que se quedó dormida), pero esta es una de las comedias- y películas- del año.

La crítica de “Tropic Thunder”, a continuación.

“Tropic Thunder”

La única razón por la que no valoré tanto “Zoolander” fue porque no creí que fuera algo difícil de lograr; una sátira/parodia del mundo de los modelos masculinos. Sí, estaba presentada con originalidad y el guión hacía un buen uso de las predecibles descripciones de los personajes, pero nada más. No intento hacer una comparación porque ambas comparten una firma (la de Ben Stiller) y en ambas esto se establece desde el principio; con un flash acerca de Derek y de lo que es ser un modelo masculino en “Zoolander”, y con algunos trailers que se burlan de la industria cinematográfica con audacia en “Tropic Thunder”.

La industria cinematográfica? Bueno, en realidad “Tropic Thunder” sólo se mete con Hollywood, y no tiene piedad. Stiller, inteligente como es (aunque no me guste mucho como actor), toma la sabia decisión de no encarar fuertemente ningún tema político o religioso, reduciendo todo al mundo que mejor conoce: el mundo en el que vive. Luego de esta decisión, eleva el riesgo dándole a su comedia múltiples dimensiones y lográndolas todas bien.

Esencialmente, la película de Stiller (co-escrita por Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen) es una superproducción que parodia a las superproducciones; un film dentro de un film. Tiene todo: los efectos especiales y las cosas que vuelan por los aires, los paisajes y la partitura épica (esta última es un gran trabajo de Theodore Shapiro) y las superestrellas; la clave-y esto es todo producto de la inteligencia de Stiller-es cómo lo usa. Sería suficiente decir que hay un gran momento para la música (podrían percibirlo al comienzo o al final del film; involucra a Ben Stiller en cámara lenta), un momento enorme para los efectos especiales y muchos para los paisajes (mientras vemos helicópteros volando y explorando una ‘selva’ desde arriba en escenas que parecen repetidas cada vez en una trama que nunca pierde su naturaleza frenética).

Sin embargo, las estrellas del show son, bueno…las estrellas. Hay estereotipos por todos lados: Jack Black (más loco que nunca) interpreta a un actor que sólo ha hecho comedias de gente que se tira pedos, y tiene problemas de drogadicción; Robert Downey Jr. es Kirk Lazarus, un actor ‘metódico’, comprometido con su trabajo y premios (“Segundo Globo, tercer Oscar”, dice luego de mencionar un papel que interpretó alguna vez); Brandon T. Jackson personifica a Alpa Chino, nuestra típica megaestrella musical que hace todo y tiene que probar con la actuación porque no puede doler; Jay Barruchel es un actor honesto y principiante que la pegó; y Ben Stiller es Tugg Speeman (o el mismo viejo Stiller, pero muy medido y para nada fuera de control), el ‘hombre de acción’ que hay hecho el mismo rol mil veces pero también ha pasado toda su carrera tratando de ser reconocido como un actor ‘serio.

Cuando todos estos personajes se encuentran inmersos en esta ‘selva’ en la que en un momento estaban filmando una película, es justo decir que cualquier cosa puede pasar; y también es justo aclarar que todo pasa. Stiller se suelta y todo lo que mantiene medido como actor, lo descarga en el tono de la producción y en el resto de los actores, dejando que cada uno de ellos explote. Nick Nolte y Steve Coogan entregan dos cortas pero inolvidables interpretaciones, Matthew McConaughey hace de Matthew McConaughey y no molesta, tenemos incontables apariciones mínimas de individuos famosos y reconocidos y hay una pequeña-y brillante-sorpresa (por lo menos a mi me sorprendió). El film nunca se toma en serio, pero no es estúpido como, por ejemplo, la mayoría de los “Scary Movie” y films del estilo que también tratan de burlarse de las películas de género.

Nosotros como espectadores debemos estar agradecidos por ello. Como dije, Stiller no trata de burlarse de un género en particular; su ‘target’ es la industria Hollywoodense. También dije que no tiene piedad, lo que deja de lado el hecho de ser valiente o no. En términos de respuesta del público, podría haber sido valiente; y de alguna manera lo es porque estoy casi seguro de que hizo su mejor esfuerzo para lograr la película más accesible.

Es claro que hay referencias (sí, la mayoría son graciosísimas) que no todo espectador entenderá (personalmente me perdí la esencia de un par) y se refieren al estado actual del Hollywood en el que Stiller vive y conoce de memoria. Pero si no entienden ninguna referencia, hay una trama que es lo suficientemente ocurrente y entretenida para que mantengan sus ojos en la pantalla y bromas que son pura (inocente o asquerosa-pero inteligente-, porque a Stiller no le importa cual es mejor) comedia.

La gente se rió, y las risas más fuertes llegaron en esos momentos de comedia original y bien hecha que es graciosa sin la necesidad de burlarse de nada. Este es un pequeño balance, cortesía de Stiller, que sabe que cualquier superproducción debería ser realizada para que la puedan ver todos. Si les gusta el trato hacia la comedia natural, significa que el film funciona; y significa lo mismo si las referencias empleadas, desarrolladas (a veces incluso detalladas) al menos los hacen sonreír: a mí me gustaron las dos caras.

Es difícil dirigir una película como “Tropic Thunder”, que involucra parodiar algo que no es tan obvio y básico como el mundo de los modelos masculinos. Es aún más difícil tener éxito en cada expectativa generada y lograr cada ambición presentada. Lo que a veces es sencillamente imposible es poner una barra; funcionar como un punto de inflexión en la realización de películas; en este caso con el género de la comedia…Marquen lo que digo: va a pasar mucho tiempo hasta que volvamos a ver algo como “Tropic Thunder”.

---9/10

PD: Feliz día de la Primavera Sospechosos!

Nunca envejece

Dejando un poco de lado al gran Ferrell y todo lo que dio comienzo a la semana, les quiero hablar de otro punto de inflexión. De tres tipos que se juntaron (no sé si intencionalmente) y decidieron darle al mundo la comedia adolescente de la década del noventa. Claro que esto es discutible y el título que entrego podría atribuírsele a muchas otras piezas (no vi "Dazed and Confused"; "Clueless" podría hacer competencia), pero en lo que significa hacer reír, es indiscutible que estos tipos lo intentaron con originalidad y se llevan muchos puntos.

Les hablo de los directores Paul y Chris Weitz (ambos talentosísimos por cierto, directores en conjunto de “About a boy” y después cada uno experimentó con productos diferentes) y el escritor Adam Herz; en el primer proyecto en el que se involucraron en cine (a eso también hay que darle mucho mérito): “American Pie”. Tomando un poco lo que siempre se vio en la comedia adolescente-no olviden nunca que esta semana hablamos de cine Norteamericano-Herz escribió un guión que define bien a sus personajes y que se volvió con el tiempo y debido a sus secuelas, una de esas películas de las que uno habla con códigos, mencionando apodos de los personajes o situaciones particulares de alguna que otra escena; así como con “El señor de los anillos” (que sí la vi, Desirée, pero no comparto el fanatismo y no me llegó tanto).

Igualmente, por el lado del inteligente Herz no se puede decir que luego se lo haya visto inventar otra cosa más que estos personajes de los que hablo. Como les contaba el lunes, esta semana también se trata de saber en qué momento parar con alguna jugada y, por suerte, el guionista se alejó de la escritura de los guiones que le siguieron a la película que hoy les traigo y que culminó victorioso. Después de “American Pie: La boda”, se filmaron películas de la saga que para mí no existen…Por suerte fueron todas directo a video (a diferencia de la injusticia que se sigue cometiendo aquí con Will Ferrell).

La crítica de “American Wedding”, a continuación.

“American Wedding”

Es bueno que hayan hecho la tercera. Por qué? Porque la primera fue buena y original, la secunda casi apestó pero faltaba el golpe final. Entonces, con la falta de algunos actores, los mimos escritores y la misma onda, American Pie volvió. Hay una boda; Michelle (Alyson Hannigan) y Jim (Jason Biggs) se casan, y en una película que se la juega una hora y media con esta simple situación y no aburre, hay buenos y malos puntos para observar.

Primero lo malo; el director de cine medio principiante Jesse Dylan no tiene el ojo para poner material gracioso en la pantalla. Su cámara se mueve de arriba abajo con inseguridad, hecho que afecta al buen equipo trabajando detrás suyo que no podemos apreciar debido a sus decisiones poco convincentes. Qué más? Hay algunos personajes completamente desaprovechados que ni recordaba que existían porque no habían tenido la presencia necesaria en la trilogía. Molly Cheek como la mamá de Jim, que ni resalta ni tiene nombre, por ejemplo.

Es una lástima no verlo de regreso a Chris Klein, porque consideraba a su personaje como uno de los mejores (junto con el de Mena Suvari-que, por cierto, no sé por donde anda estos días-). Con Tara Reid (tampoco sé si alguien sabe por donde anda estos días) fuera de la historia, no era obligatorio traer a Thomas Ian Nicholas (que hace de Kevin) otra vez, porque no hay ninguna razón de existir para su personaje más que ser uno de los amigos de Jim. Oh…Repetitiva música punk que no tiene sentido y que cansa durante todo el paseo…Dale! Ya podrían haberla cortado con eso.

Pongamos las cosas en claro; ésta es la película de Jim y Michelle. No sé si fue simplemente el director, pero además de lo mencionado no encontré nada malo en la película. Entre lo bueno, hay que considerar principalmente que Adam Herz escribió la película completa nuevamente, dándole a sus personajes la esencia que los identifica. No se olvidó nunca del objetivo principal del film (que, por cierto, volvió a conseguir): hacer reír a la gente. Eso sí sabe hacerlo; a veces con sutileza, a veces asquerosamente, Herz pone las palabras en los lugares adecuados. Le dio a algunos personajes la oportunidad de brillar, me reí a carcajadas en más de un par de escenas (las strippers en la casa de Jim), y debo admitir que el film no hubiese existido si no hubiera regresado a encargarse de él.

En su historia, a la que intenta ponerle algo de sentimentalismo (el lazo fuerte de Jim y sus amigos, la relación padre-hijo), las personas involucradas dicen como un “gracias y adiós” (por ponerlo de alguna manera). Jason Biggs demuestra una vez más el talento que tiene para la comedia y que es mejor que sus compañeros, razones que le aseguraron un futuro en el negocio; Alyson Hannigan pudo haber tenido más importancia, pero hizo lo que sabe con su voz y personalidad graciosa. Los padres estuvieron bien, pero nada como Eugene Levy (como el papá de Jim), que sigue robando escenas con sus consejos y recomendaciones para la vida.

Eddie Kaye Thomas (como Paul Finch) está más gordo y culto que nunca, pero todavía genial (la mamá de Stifler!!). En una increíble y sorprendente aparición, Eric Allan Kramer triunfa ampliamente como Bear; January Jones (como Cadente), bueno…Es hermosa y cuando apareció supe que la había visto antes. Fue en esa excelentísima e injustamente cancelada serie llamada “Huff”, y también estuvo en varios films que vi, pero este es el papel importante en el que brilla y demuestra que tiene mucho para dar.

Dicho todo esto, Sean William Scott se roba el show. Su Steve Stifler está más mejorado y estudiado que en sus anteriores entregas, y se le otorga su debida importancia, para que pueda insultar, volverse loco, mostrar que tiene un buen corazón, bailar como un mono y arruinar cada situación en la que toma parte.

Es justo concluir que “American Wedding” es una buena comedia en toda su definición, y que cuando se tiene a un dotado elenco cómico (por eso el detalle, sepan disculpar), todo es posible, y todo va a estar bien. Hay miles de ejemplos que lo demuestran.

---7/10

PD: Ganó Caetano…Gran director. Ah, y hablando de Cine Argentino, comentario corto: Que vergüenza la entrega de los Cóndor…me equivoco? Peretti diciendo que le gustaba el tono ‘descontracturado’ de la ceremonia; los conductores faltándole el respeto a los presentadores e incapaces de explicar que es un guión; los excesivos homenajes; ni hablar de las nominaciones y los ganadores…Alguien vio esto? Alguien está de acuerdo?

Un poco de comedia

Sé que es difícil reducir la función de una película al número de uno, pero esta semana podemos hacer una excepción. Resulta que se está dando hace unos años, en Estados Unidos, un tipo de comedia tiene el simple y noble objetivo de hacernos reír. Cuidado que cuando digo que la función es una sola, no me refiero a que no incluya varias cosas más.

Con el estreno reciente de la genial “Una guerra de película”, me puse a pensar un poco en esto: en Ben Stiller, que aunque no es mi actor favorito, hace algo que generalmente me gusta; en Adam Sandler, que acá hemos dejado claro que lo adoramos y es un genio (lo pueden buscar en “Lo que hay aquí”); en Vince Vaughn, que acá también somos fans (está en “Lo que hay aquí” también, sí); en Steve Carell y Judd Apatow-Seth Rogen también tiene presencia por ahí-como un comediante y un director que están dando vuelta las cosas para bien.

Pero a la hora de elegir el punto del cambio, se me vino a la mente otra dupla: Adam McKay y el inigualable Will Ferrell (muy elogiado siempre también en este blog), cuya “Anchorman” (aquí mi crítica) es a mi entender un antes y un después que puede que el comediante haya explotado demasiado. Ese es un poco el punto (y no) de esta semana: hasta donde se puede-o en otra visión, hasta donde es bueno-llegar con esta etapa de frescura e inteligencia de la comedia norteamericana.

No sé si todos vieron las últimas producciones de Ferrell (ya que muchas fueron directo a DVD), como “Blades of Glory” y “Semi-pro”, pero honestamente no todas valen la pena, a no ser que sean verdaderos fanáticos del comediante. Si bien es cierto que Ferrell se metió con todo y salió bastante victorioso, hubo un punto donde creo que llegó al tope, junto a quien comenzó originalmente toda la idea de la sátira con él; Adam McKay. Este punto máximo es la buena y muy divertida “Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby”.

La crítica de “Talladega Nights”, a continuación.

“Talladega Nights”

Tenía muchas expectativas con este film; el regreso del dúo Adam McKay/Will Ferrell luego de la hilarante y exitosa “Anchorman”. Como Ron Burgundy, Ricky Bobby es un corredor de NASCAR, un personaje único, uno de esos que soló Ferrell y nadie más que Ferrell puede traer a la vida. Es casi como si no importara qué hace el personaje en el film, mientras entretenga a una audiencia que espera mucho.

Como dije, yo esperaba mucho. Esperaba entretenimiento, risas y descubrir que rango de personajes nuevos podía poner en la mesa McKay. Junto con el imparable Ricky Bobby encontramos a su mejor amigo y compañero de equipo Carl Naughton Jr. (el subestimado John C. Reilly), su mujer caza-fortunas (la hermosa Leslie Viv.), una actuación de Gary Cole como el padre de Ricky que roba escenas con magia cómica, y Sascha Baron Cohen como un corredor francés llamado Jean Girard que instantáneamente se convierte en el archirival de Ricky Bobby.

Todo lo que han leído recién, desde los nombres pasando por la historia (Ricky Bobby en la cima de NASCAR y Girard que llega para quitarle la gloria, con accidentes y peleas de amigos en el medio) hasta cualquier cosa que quieran destacar, se pasa de la raya de lo ridículo, tal como en “Anchorman”. Me alegra que tanto Ferrell como McKay (que escribieron el guión juntos) pudieran honrar este tipo de tradición humorosa, donde la risa es la única risa y también la única medicina posible.

No hay caso alguno en juzgar un film como “Talladega Nights” por sus actuaciones, por más inteligentes y precisas que sean; o por lo bien filmadas que están las secuencias de las carreras, mientras que los autos intentan llegar al puesto número 1; o por lo convencional o no de la trama. Este film es una declaración que reafirma lo que podíamos percibir con perfección en el esfuerzo previo de McKay: hacer cine es divertido.

Debería decir fin de la historia? Quizá, y no quiero sonar simplista, pero es obvio que hay algo que se está haciendo aquí y que si lo quieren sentir como espectadores van a encontrar una buena película. Entonces, cuando vean “Talladega Nights” (si es que deciden verla), tomen en cuenta el concepto entero y no cada parte. Incluso cuando hay algunas escenas y bromas que funcionan más que otras (cosa que también ocurrió en “Anchorman”), esta es la típica pieza en la que el todo triunfa por sobre la separación.

Para mí, funcionó; aunque “Anchorman” funcionó mejor. Este es el tipo de sátira/parodia, como “Zoolander” y “Dodgeball” que, buena o mala, se queda con uno.

---7/10

PD: Bienvenido de vuelta al Rama, lector muy antiguo del blog que comentó en una entrada reciente!

Rareza de la semana

Voy a introducir brevemente la película que cierra esta semana, y que también está de alguna manera relacionada con las claves de la temática que estuvimos tratando: diversión y riesgo. Diversión, porque es divertida (que no es lo mismo que graciosa); riesgo porque es también en cierto modo un riesgo para su director.

En español esta película independiente americana se conoce como “Sólo 10 razones” o “Dame 10 razones” y no creo que se haya estrenado comercialmente en el país, porque si lo hizo su paso por las carteleras fue muy breve…Una lástima.

La crítica de “10 Items or Less” (dedicada a Tote, que comparte la afición por el film), a continuación.

“10 Items or Less”

Es una película difícil de clasificar “10 Items or Less”. Generalmente, no me preocupo por definir géneros, pero hay algo de esta película que te hace querer ponerla en una categoría específica, para poder transmitir, aunque sea en una palabra, lo que sentís o cómo te sentís sobre o acerca de ella. Recomiendo completamente este film a cualquier persona y, si verdaderamente disfrutan del cine y de la vida, van a querer hacer lo mismo apenas terminen de verla.

Recomiendo esta película y la describo como hermosa y encantadora admitiendo que no es perfecta pero que no hace nada mal. No quiero sonar como si me contradijera, pero creo que el director/escritor Brad Silberling sabía exactamente en qué se estaba metiendo cuando terminó de escribir este inspirador guión. Estoy seguro que quería lograr un producto que no tuviera nada que ver con la perfección: un producto que fuera tan simple, atractivo y falto de compromiso como su título. Bueno, lo ha conseguido.

Silberling, director de largas, complejas y dramáticas películas como “Un ángel enamorado” (compárenla con “Ghost” todo lo que quieran, pero no me discutan su complejidad) y “La vida continúa”, prueba con “10 Items or Less” (que dura sólo 70 minutos) la pasión que tiene por su trabajo y también la fe que le tiene al mismo. El poner a un actor (Morgan Freeman) en frente de una mujer (Paz Vega) en un supermercado y llevarlos exactamente a los lugares a los que la vida cotidiana los llevaría es lo que Silberling propone aquí.

No les puedo contar más porque en medio de la aparente simpleza yace un trasfondo que hace pensar y no debería subestimarse. Porque aquí todos están expuestos: la cámara se centra directamente en los dos personajes principales, que comparten una eterna conversación en un viaje en auto con algunas paradas que no es eterna sólo porque la vida no lo es. Déjenme alabar lo bien que Silberling maneja la situación diciendo que consigue, en menos tiempo (no sólo en lo que a duración se refiere, sino en cuanto al tiempo-un día-en el que se desarrolla la película) y en un espacio más pequeño, el tipo de conexión entre dos personajes que Sofia Coppola generó en “Lost in Translation”.

En esa película, desarrollada en Tokio, también se encontraban un actor y una mujer, y también tenían conversaciones acerca de los momentos que estaban viviendo en sus vidas. Es en sus conversaciones donde sentimos el trasfondo pensativo de “10 Items or Less” y, al igual que en la película de Coppola, la naturalidad de cada situación nunca se pierde y las imágenes con música (únicamente) en el fondo, no parecen forzadas o incluidas en el film para ‘ganar tiempo’.

En este aspecto, la colaboración de Silberling y su director de fotografía Phedon Papamichael es fundamental. El hombre que filmó los hermosos paisajes de “Sideways” (mi crítica aquí) y se centró en cada emoción en “Patch Adams”, nos cautiva aquí con pasajes visuales de verdadera belleza natural.

Pero la belleza esencial de “10 Items or Less” puede encontrarse en su elenco (por Avy Kaufman); en sus dos protagonistas. Ellos son quienes transmiten el sentimiento que les mencioné al principio y que no puedo especificar; sentimos su conexión y nos damos cuenta de que se están divirtiendo. El ganador del Oscar Morgan Freeman, también productor ejecutivo del film, simplemente se para ahí y confirma el status que tiene hoy día en la industria cinematográfica, y uno que es bien merecido: un hombre tranquilo, lleno de sabiduría que puede hacernos reír tan fácilmente como puede hacernos llorar. Y la hermosa Paz Vega (bueno, dije que estuvo genial en “Spanglish”-mi crítica aquí)…Aquí demuestra que lo suyo es en serio, y que Hollywood no le queda chico.

---7/10

El Rincón de Alejo

Antes que nada, quería agradecer rápidamente a los Sospechosos que me felicitaron por el premio y a los comentarios respecto a lo de Latin American Idol...OJalá sea como dice Puli, y lo gane el año que viene, porque soñar no cuesta nada...Gracias de nuevo y muchos saludos! Con ustedes, Alejo...

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The Full Monty (1997)

Como el Chapa ha estado muy romántico en estos últimos posteos (y no quisiera seguir yo porque haría destrozos jeje) voy a seguir en la línea de mi última entrada y comentarles sobre otra comedia británica, una de mis películas preferidas de siempre. ¿Alguna vez se preguntaron de donde sale que el tema “You can leave your hat on” de Tom Jones se lo asocie con el strip-tease y la seducción? Esta película, allá por el `97 consagró este tema y otros más ganando el Oscar a la Mejor Banda de Sonido. ¿Y qué carloncho significa “the full monty”? Bueno, vendría a ser algo como “quedar en bolas” o “en tarlipes”. A diferencia de muchas películas de este origen, “The Full Monty” no se sitúa en Londres sino en un pequeño pueblo metalúrgico llamado Sheffield. Y la historia gira en torno a un grupo de tipos que sacuden el pueblo con un show de strip. Es así: Cuando cierra una fábrica de metales, Gaz (Robert Carlyle) y sus compañeros quedan desempleados; resignándose a un “club de trabajo” en el que juegan a las cartas todo el día. Mas aún, Gaz ha estado en prisión y esta separado de su mujer, por lo que lucha la custodia de su hijo Nathan. Cuando ésta amenaza a Gaz con la custodia exclusiva del niño -a menos que pague su parte-, Gaz tiene la idea de formar un grupo de strippers y montar un show que según el, los hará “ricos”. Las diferentes situaciones por las que van pasando oscilan entre lo hilarante y lo dramático. Porque “The Full Monty” no es una comedia simplona. Mas allá de la sutileza de su humor, en el filme se esconde un trasfondo lleno de drama, que muestra problemas cotidianos como la desocupación, la discriminación, los embrollos matrimoniales, la homosexualidad y hasta el suicidio. Perfectamente amalgamado, obviamente: es eso sobretodo lo que la hace una buena película. En el mismo perfil podría citar la fantástica “Billy Elliot” (otra de mis predilectas), la cual es otro ejemplo de la realidad que atravesaba Gran Bretaña a fines de los noventa, por las olas de desempleo generalizadas y las luchas de las clases proletarias.

Como aspecto aparte, quiero destacar las actuaciones de Carlyle (el loco de "Trainspotting"), quien junto a Mark Addy (ahora en la serie “Still Standing”) se llevan los mejores aplausos interpretando las facetas de los hombres desolados, pero dejando rasgos de guerreros al mismo tiempo. Robert Carlyle, principalmente, que logra arrastrar a todos sus colegas a “quitarse todo” solo para poder seguir viendo a su hijo. No podría decir menos de Tom Wilkinson, otro de mis actores favoritos: éste le da movimiento a la historia, nos hace largar las mejores carcajadas y luego nos preocupamos por su vida, y hasta sentimos lástima por él.

Por último, hay referencias interesantes a películas musicales como “Flashdance” o “Singing in the rain” y un score delicioso, que resalta en escenas que ya son clásicas, por su picardía y su comicidad. A esta película me refería, entre otras, en el post pasado: una comedia británica de buena calidad, que ha hecho historia en el mundo del cine y que vale la pena ver.

Escena imperdible: la mundialmente conocida escena de la cola de espera.

El rincón de Alejo

Cerramos la semana con un poco de risa...Parece que Alejo se la paso muy bien en el cine con este film que me han recomendado varias veces y todavía no he podido ver. Abrimos la semana que viene con una linda conclusión del tema que abrió Joi.

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Death at a Funeral (2007)

Hace mucho tiempo que no me reía de esta manera con una película. Hace mucho que no iba al cine a ver una comedia y que la gente se ría al punto de aplaudir. Y me arriesgo a decir que mucha gente extrañaba tanto como yo las viejas tiras cómicas británicas de los noventa, esa gracia que nos hacia lanzar carcajadas con chistes sutiles y ácidos y no con pasteles en la cara o las típicas flatulencias hollywoodenses.

Hoy dejo de lado la nostalgia a las películas de otros tiempos para comentarles sobre un “casi estreno” que esta ahora en cartelera; la hilarante “Death at a Funeral” del británico Frank Oz. Como sabrán, soy un gran aficionado del cine inglés, en especial del humor tan característico que tienen y de su peculiar enfoque hacia las situaciones de la vida diaria. Este humor es exclusivamente uno de los puntos más destacables, ya que es conocido mundialmente como irónico, negro y hasta absurdo. Es decir, ¿quién puede imaginarse una comedia con un título como este?. Sin dudas Dean Craig, guionista de esta explosiva historia, quien la escribió con todos los recursos más folklóricos que poseía bajo la manga.

“Death at a Funeral” es como una pava hirviendo. Se desarrolla en una mansión londinense donde eventualmente ocurrirá el funeral. La primera escena nos retrata a Daniel (Matthew MacFayden), hijo del difunto, cuando llega el ataúd. Y con ella llegará también la primera carcajada de la sala. Porque en este “pequeño mundo” de familiares y amigos, cada personaje –perfectamente delineado- parece estar absorto en sus propios problemas. Como punto de partida, uno de los concurrentes es sedado accidentalmente, para desvirtuar el clima del entierro. Otro personaje se ha olvidado de buscar al “tío quejoso” de la familia para llevarlo a la mansión. Más aún, la inesperada aparición de un hombre desconocido desatará la tensión y el consecuente caos, cuando anuncia poseer un secreto en relación difunto.

Prefiero no contar más detalles, para que no pierda comicidad. La trama en “Death…” se mueve rápidamente: acción tras acción, se va elevando un clima que en un principio es silencioso y fúnebre pero luego pasa al descontrol total de la situación, al “punto de ebullición” del evento. Es el “cada vez peor” que tanto conocemos (como en “My big fat greek wedding” por ejemplo, o insisto, en la brasilera una vez citada por mi) pero que tanto extrañamos. Las situaciones incómodas se ven opacadas por otras peores y los momentos más cómicos son interrumpidos con estilo por instantes intensos (o reflexivos).

Dean Craig nos muestra así el ingenio del cine inglés para burlarse de temas como la muerte o el amor; nos pinta un mundo de realidades cotidianas llevadas al colmo de la parodia. No hay aquí recursos fáciles para general la sonrisa. Cabe destacar las actuaciones de Alan Tudyk, Andy Nyman y del mismo MacFayden, que a pesar de todo lo que le acontece, puede expresar en su momento (y nos deja ver) valores que son dignos de admiración, de amor puro de uno hacia los suyos. Frank Oz, por su parte, le da a la historia el ritmo ascendiente necesario y cierra con un final simple pero gratificante.

Para ir concluyendo, recomiendo que si llegan a decidir ver “Death at a funeral”, lo hagan pantalla grande, así se aseguran la eficacia cómica del film: porque “no hay como ver una película en el cine, y si es a sala llena, mejor”.

Escena imperdible: El segundo servicio.

Rareza de la semana

La suerte está echada para mí; rindo el último parcial de la UBA el lunes y va a estar complicado. La suerte está echada también para mis compañeros de sede, y para todos aquellos amigos míos que leen este blog y que están en época de exámenes.

Ahora que, cortesía de Tomilon, amplié mi vocabulario, como ayuda en los exámenes podría usar un ENDOSCOPIO: me preparo para todos los exámenes menos para dos…no? :D. En fin, me acordé de una película fresca, bastante reciente del cine argentino: “La suerte está echada”. Pasó sin pena ni gloria por los cines, y debe andar tirada en algún rincón de los videoclubs. Dedico esta crítica a todos los que comparten la expresión de la frase en este momento…Mucha suerte!

La crítica de “La suerte está echada”, a continuación.

“La suerte está echada”

Leía una entrevista un día cercano al estreno de este film en el 2005, a Sebastián Borensztein en “La Nación”; y entendía que el director había elegido el cine para no volver al mundo de la televisión. Me di cuenta que la suerte estaba echada para él y que su ópera prima, “La suerte está echada”, sería un interesante proyecto. Empezó escribiendo de la nada, dice. También comenta que sabía el final pero que no sabía como desarrollarlo. De cualquier modo, su guión propio relata la historia de dos medios-hermanos que no parecen verse muy seguido y se juntan para completar la última voluntad de su padre (José Gallardou); y qué voluntad…

Uno de ellos es Felipe (Marcelo Mazzarello), un no muy reconocido actor de teatro que vive de su pasión. Corre en las mañanas, respira el aire de la ciudad y cuando no está en su casa el contestador anuncia: “Y el Oscar es para…”. La oración termina con su nombre y el tono para dejar el mensaje. Pero esta mañana, cuando va a correr, algo parece extraño de antemano. No hay nadie en la calle, todo está desierto…Lo que le ocurre ese día desencadena lo que es quizá el eje principal de la historia: la suerte, o en el caso de Felipe la mala suerte, porque él es “mufa”.

Guillermo (Gastón Pauls) por el otro lado, no puede conciliar su sueño debido a la alarma de un auto que no deja de sonar en las noches; lo que conlleva a sus llegadas tarde al trabajo, donde tiene una posición muy importante. A esto le agregamos su relación con Clara (Julieta Cardinali), que parece ir empeorando con los días. Sin embargo, en el momento de encuentro de los hermanos esos tópicos no se tocan. Luego de escuchar las órdenes de su padre, salen a la calle y su charla se limita a la primera pregunta de Guillermo: “Cómo estás?” . “Genial”, le responde Felipe. “Y vos, vos cómo estás?”, pregunta ahora el otro; y después de dudar Guillermo responde: “Genial”.

Estos dos actores cargan con el peso de toda la película y cumplen su tarea sin problemas. Marcelo Mazzarello es ese actor que nunca mencionamos pero sabemos que está ahí. Sus habilidades se dejan ver, aunque sorpresivamente se dice que Borensztein escribió el rol de Felipe pensando en él. Quizá estuvo hecho a su medida, pero de una manera u otra, su interpretación es destacable. Luego está Gastón Pauls, quien siempre se preocupa por darle una diferente personalidad a sus personajes, y cuando compone las características de éstos, termina haciendo algo diferente pero todavía peculiar incluso cuando se interpretó a si mismo en la hermosa “Sabado”.

El momento narrado previamente y otros más (el del robo, el de el encuentro con los ‘mufas’, el del casting teatral) muestran la capacidad de Borensztein para escribir comedia. Con tomas muy simples, su objetivo no es unir a los hermanos, que viven vidas separadas. El guión de su comedia dramática no pretende conmover a nadie, ni poner cosas que suenen bien; escapando así de lo pretencioso (en momentos donde pudo haberse dado, como en los discursos acerca de la suerte) y culminando en algo completamente fresco en términos de óperas primas como la intencionalmente compleja “Un Buda”. La música de Alejandro Lerner también resalta, porque no es una estrategia para llevarnos al cine por sus canciones; sino que la música no dice una sola palabra, relacionándose con los estados de ánimo de los personajes.

En otras palabras, el director sabe que no vino a hacer una obra de arte, o al menos no es lo que pretende; por lo tanto deduzco que será un placer tenerlo en nuestro cine durante los próximos años.

---7/10

PD: Me olvidaba...recién hablé con Tote y me contó que estaba viendo "La señal". Para todos aquellos que andan buscando cine Argentino, debo decirles que es difícil, pero no puedo hacer más que tirarles una lista de títulos variados y buenos para que vean (no todas son enteramente argentinas; pero de esas hay realmente muy pocas) y vean si disfrutan ;)

"Un oso rojo", "Familia Rodante", "El bonaerense", "Roma", "Lugares Comunes", "Cenizas del paraíso", "Caballos Salvajes", "El aura", "Tiempo de valientes", "El fondo del mar", "Sábado", "Buena vida Delivery", "Un Buda", "Perdido por perdido", "En la ciudad sin límites", "El custodio", "Tocar el cielo", "Whisky Romeo Zulu", "Cara de queso", "El abrazo partido", "Esperando al mesías", "El nido vacío"..."La niña santa"; cualquier cosa con Daniel Hendler o Darín o Julio Chávez actuando también es válida. Espero les sirva de algo

Comedia Contemporánea: Algo nuestro

Hablemos de frases trilladas: estoy respirando humo. No usaría la frase si no fuera cierto, por supuesto, y es que en Buenos Aires, caminando con mi abuela por Santa Fé (veníamos de ver una peli del BAFICI), la pobre tenía que taparse los ojos y la nariz porque le ardía todo. En las pocas discusiones de connotación política que pude tener en la universidad, se habló de Cristina y de su ropa y su perfume. “No quiero ser pesimista ni mala onda, pero siento que algo malo está por pasar”, dijo una compañera.

Yo escribo lo que escribo, acerca de la actualidad, como yo lo escribo; hay gente que lo hace de manera espectacular como el escrito de Santiago en “El debate libre”, que no sé si ya he recomendado. Personalmente, cosas malas ya están pasando. Hay mucho para leer y hay muchos trabajos para hacer; como siempre ponemos lo mejor en ese aspecto. El BAFICI? Está terminando y he visto varias cosas; haré un resumen general cuando vea el último film, contándoles de la experiencia y de las películas en sí.

Ahora la película del día. Habrán intuido por el título (y por todo el contexto) que estoy en una onda bastante nacional. Iba a hablar hoy de otra película, pero decidí cambiar un poquito la orientación. Yo siempre trato de resaltar el valor del cine argentino, su calidad y promesa permanente; y resulta que esto no sólo se da en los dramas y en las historias corales, sino también en la comedia. Pero no en la comedia vulgar como la de “Bañeros” o “Incorregibles” o “Brigada explosiva”; en la buena comedia, que a veces puede aparecer en una fresca ópera prima que retrate la vida de un barrio privado mayoritariamente judío. Una verdadera joyita nacional.

La crítica de “Cara de queso: Mi primer ‘ghetto’”, a continuación.

“Cara de queso”


Me doy cuenta cuando un film es un primer trabajo; una ópera prima de un director. No sé como uno se da cuenta de eso, pero sé que los directores debutantes argentinos suelen elegir cosas comunes para sus films. Digo cosas comunes para un argentino como yo. Los directores judíos escriben guiones acerca de familias judías en su ambiente típico.

Daniel Burman dirigió “El abrazo partido”, el más reconocido entre los films que hizo sobre sus orígenes judíos con diferentes personajes en cada trama. Lo que resaltaba de cada uno de los films de Burman era la presencia del gran actor uruguayo Daniel Hendler y el hecho de que sus personajes principales siempre se llamaban Ariel.

Como una coincidencia, el personaje principal de esta película de Ariel Winograd también se llama Ariel (como él mismo) y creo que su guión contiene una obvia referencia a Burman cuando su nombre es mencionado durante una escena. Ariel está interpretado por un actor muy joven llamado Sebastián Montagna, que aparece como el personaje principal en la trama, sin ser el actor principal del film. Ariel tiene muchos amigos de su edad y todos viven en un barrio privado; un lugar donde los chicos populares molestan a chicos como Ariel y sus amigos.

Mientras tanto, Ariel camina por las calles con sus amigos y se encuentra con su abuelo (el legendario Juan Manuel Tenuta): “Cuántas veces se hacen la paja en un día?, les pregunta él (esto es bien nuestro). El personaje del abuelo tendrá su momento, al igual que todos los personajes en un guión brillante donde todos tienen la posibilidad de brillar.

En el elenco del film se encuentran dos jóvenes actores de un enorme talento y promisorio futuro: Martín Piroyanski y Nahuel Pérez Biscayart. El primero interpreta a David, el hermano de Ariel, un genio del deporte con una novia difícil; el otro es Felman, un nerd rechazado por Ariel y sus amigos que está enamorado de la hermana de Ariel.

A diferencia de muchos directores primerizos (Pablo Trapero, Adrián Caetano en su momento), el elenco de Winograd incluye actores que todos conocemos. No sólo son familiares, sino muy buenos, como Mercedes Morán, Carlos Santamaría, la joven Julieta Zylberberg (de “La Niña Santa”) y hasta Daniel Hendler como un hombre de deportes; además de las apariciones especiales de Federico Luppi y Susú Pecoraro. En un plano fundamental, todos los actores ‘muy’ jóvenes son las elecciones correctas para los peculiares seres que Winograd puso en su guión.

En las óperas primas yo busco innovación, y las cámaras mirando desde el cielo hasta los techos son realmente interesantes. Sin embargo, el guión es el elemento que nos hace saltar del asiento, porque el comportamiento de la comunidad judía nunca aburre al espectador argentino; y los finales inesperados como el de este film nunca me aburren a mí.

Entonces debemos preguntarnos…Luego de un primer guión y un primer film como éste, probablemente autobiográfico; cuál será la próxima idea en la cabeza de Winograd? Espero que sea algo original y, con suerte, diferente a esta gema.

---9/10

Películas innecesarias

Los estudios grandes tienen que cumplir responsabilidades. Tienen que ganar mucha plata, y hace mucho tiempo se dieron cuenta que las buenas películas no la traen. Es por esto que se dedican a buscar el “mejor peor producto”, en el caso de una película como “Madagascar” o “Chicken Little”, y en el mercado infantil que es el que más vende.

Pero también está el mercado adulto, en el que los estudios hacen otra cosa: explotan el buen producto. Es por eso que después de “Scary Movie” vino una incontable cantidad de desastes; y después “La gran estafa” llegó su segunda parte, que no fue tan mala. Sin embargo, tenían que hacer una tercera vuelta (“Ahora son 13”) que era (más allá de buena o mala) completamente innecesaria.

De esto se trata esta semana, de dos películas recientes/importantes/innecesarias. En otras palabras, esto es una bien intencionada y fundamentada advertencia para que salteen un par de films que están en todos lados y que pueden sentirse tentados a ver. Que quede claro que no es una prohibición, pues hay gente que realmente disfruta del entretenimiento barato.

La crítica de “Ocean’s 13”, a continuación.

“Ocean’s 13”

Cuando visité los estudios Warner en Los Angeles el año pasado, hicimos un tour con mi familia; el guía nos explicaba que la mayoría de los escenarios completos (en ese momento) estaban siendo usados para “Ocean’s 13”. Reconocí el Casino/Banco en el film; lo vi cuando lo estaban construyendo. Mi punto es que si estaban usando todos estos escenarios para una sola película, había mucho dinero involucrado; mucha producción. Fue éste dinero malgastado? No, porque lo recuperaron con intereses.

Sin embargo, “Ocean’s 13” es, en todo aspecto, un film innecesario. No siguen trayendo todas estas secuelas y es difícil ver alguna que haga las cosas bien. Al menos esta travesía Ocean no es la vergüenza que fue “Misión Imposible 3” (nuestro próximo film), pero es mucho para Soderbergh, Clooney, Pitt, Damon y los chicos: lo han llevado demasiado lejos.

Invité a un amigo a ver el film y dijo que no quería porque no había visto los dos primeros. Bueno, realmente no se necesita ver las dos primeras instalaciones para ver ésta. Ven? La única conexión entre las tres piezas es el elenco, el director y la entretenida y muy fuerte música de David Holmes. Los tres films fueron escritos por diferentes personas e involucran uno o más grandes robos que se desarrollan durante la pieza; no hace falta ser un genio para escribir algo gracioso y el esfuerzo es menor si personas como un relajado Clooney, Pitt y Al Pacino (que desperdicio) están diciendo tus líneas.

La fórmula funcionó bien en la 1 y la 2. A mucha gente no le gustó “Ocean’s 12” porque dijeron que no se tomaba en serio y usaba a Julia Roberts como sí misma para una escena muy graciosa. La verdad es que “Ocean’s 11” tampoco se tomaba en serio; era Soderbergh y sus actores divirtiéndose. El hecho de que quisieran viajar a Europa e inventaran una trama para hacer el segundo film es muy alegre; porque el cine puede tratarse de divertirse y esa es la fórmula que estos tipos eligieron: diversión con estilo.

Pero cuando empieza “Ocean’s 13”, sentimos que algo falta: es la diversión. Quizá es porque el guión se toma muy en serio, quizá porque trata de ser graciosa y no lo es, o porque los actores ya no sienten a sus personajes. Quizá toda la película se toma en serio (cosa que dudo), pero esa naturalidad y comodidad que mencioné desapareció; y el film sencillamente no fluye.

Afortunadamente, la cámara de Soderbergh resalta, llenando la pieza con sorprendentes tomas complejas, y los viejos pros Carl Reiner y Elliott Gould se divierten a lo grande; pero el acento español de Casey Affleck y una parte que tiene que ver con México están totalmente fuera de lugar. Esperemos que el honorable Soderbergh no traiga al equipo para un cuarto round: ya no funciona.

Una cosa más: hay un personaje interpretado por David Paymer…Tiene que ser uno de los personajes más desafortunados de la historia del cine. Si la llegan a ver, me avisan; si ya la vieron, corríjanme si me equivoco.

---6/10

Gran Recomendación

Iba a escribir algo muy largo, pero me arrepentí cuando leí hoy en una lista de las 50 personas más inteligentes de Hollywood, que ésta estaba liderada por Judd Apatow; e; director de este film. ¿Cuál es este film?

“Ligeramente Embarazada”; que no sé si ya se ha estrenado, si se estrenará o si está en video, pero les ruego que la vean. Es lo mejor que he visto de Hollywood este año: con eso debería bastar.

La crítica de “Knocked Up”, a continuación.

“Knocked Up”

Imagínense una escena apasionada…Un hombre y una mujer a punto de tener sexo y él tiene problemas con su condón; al parecer no puede ponérselo. La mujer dice: “Hacelo de una vez”. Tal vez un tipo normal interpretaría la frase como lo que significa, pero no Ben Stone (Seth Rogen); él tira el condón al piso, y embaraza a Alison (Katherine Heigl).

No me había reído tanto con una película desde no se cuando. “Knocked Up” es una comedia romántica como ninguna otra comedia romántica y mejor que la típica comedia romántica. La razón? Tendría que decir Judd Apatow: el hombre que le dio a “Las locuras de Dick y Jane” sus pocas risas, el director/escritor de “Virgen a los 40” y la mente maestra detrás de esto. Apatow realmente sabe divertirse. Personajes con los mismos nombres de los actores que los interpretan, frescura en cada escena, resoluciones cómicas inesperadas en momentos clásicos; todo eso es Apatow.

Tomen esto como ejemplo, continuando con lo que escribí en el primer párrafo. Alison y Ben se despiertan luego de tener relaciones y se van de la casa para desayunar. Se encuentran con la hermana de Alison, Debbie (una brillante Leslie Mann) y su marido Pete (un brillante Paul Rudd) junto a sus dos hijos chiquitos. “Nunca hagas lo que ellos hicieron recién”, Pete le dice a su hija de 4 años. “Lo voy a hacer”, responde ella. U otra escena donde Debbie piensa que Pete la engaña, encuentra una dirección y va hacia allí con Ben y Alison para comprobar. Está enojada y cuando deja el auto Ben le pregunta a Alison: “Tiene una pistola?”.

La audiencia no espera éstas líneas y las risas fluyen con naturalidad. Si son improvisadas o no, no es importante; lo que importa es que Apatow las está dirigiendo y les da un lugar en el film. Si hay un problema con “Knocked Up” es que dura más de la cuenta, pero no la hace peor que la maravilla que es.

Es una maravilla porque en su larga duración, se las arregla para combinar comedia, drama y romance de modo envidiable. No es siempre la película más activa, pero no tiene que serlo; no es siempre graciosa y a veces lo es cuando no debería; es romántica en su manera más clásica y está ayudada por una línea de trama clásica con cero sorpresas. Sin embargo, en toda esta línea predecible, “Knocked Up” tiene una cualidad que pocas comedias consiguen: conoce su(s) tiempo(s).

Además, crea su propio lenguaje y nos hace parte de él rápidamente; se toma la oportunidad de ser del negocio de Hollywood con humor inteligente, pero más importante (y esto también era palpable en “Virgen a los 40”), y como otra rara característica, realmente se preocupa por sus personajes que son interesantes, imperfectos y reales seres humanos.

Seth Rogen construye una criatura amorosa, como uno de esos osos grandes que queremos abrazar, sobrepasando la promesa que mostró en “Virgen…”; mientras que Katherine Heigl se ve más linda que en “Grey’s Anatomy” y crea un personaje completamente creíble y diferente de su Izzie Stevens. Cuando escribí la crítica de “Virgen” (la postearé algún día), dije que Apatow era más un ‘planeador’ que un director…Todavía lo es, si consideramos la fotografía poco creativa de Eric Edwards.

Pero el lado ‘director’ de Apatow sale a la luz desde otro punto de vista: desde el doble sentido de los nombres (Ben Stone; entenderán una vez ‘dentro’ de la película), de los pequeños posters en cuartos y libros en librerías y fotos y referencias que parecen declarar sus inspiraciones. Entonces, podemos verlo a través de estas cosas. Podemos ver al hombre detrás de la cámara, y déjenme decirles que el lugar de donde viene es uno muy bueno.

---9/10

El talento secundario 2

Hoy es otro caso, en el que Vince Vaughn le “hizo la segunda” a Ben Stiller. Ese Ben que todos conocemos como principal…Quién es el secundario acá entonces? Es Vaughn: El talento secundario que lo supera en “Pelotas en juego”, el film del día de hoy.

La crítica de “Dodgeball”, a continuación

“Dodgeball”

Hay algunas cosas que nosotros (que yo) tenemos que admitir y otras que tengo que aceptar. Tengo que admitir que Ben Stiller continúa reinventándose a sí mismo, saliendo siempre victorioso; pero alguien tiene que decirle que todavía nos está dando lo mismo. Podrá cambiar su tono de voz y su cabello, pero todavía invita a Hank Azaria a hacer los mismos acentos estúpidos (sin faltarle el respeto a Azaria), si entienden lo que digo.

Tengo que aceptar que la primer película completa de Rawson Marshall Thurber tiene sus grandes momentos. Tengo que aceptar que aunque Christine Taylor sigue trabajando con su marido (Stiller), es una simpática y talentosa actriz, sin mencionar una extrañamente hermosa mujer. Finalmente tengo que aceptar que Ben Stiller no es la única razón para ver una película de Ben Stiller.

En “Duplex” otra razón para ver su película fue uno de los amores de mi vida, Drew Barrymore; en “Mi novia Polly” fue el gran Phillip Seymour Hoffman; en “Dodgeball” es Vince Vaughn. Discutiblemente el actor cómico más natural de su generación (y también uno dramático muy bueno si quieren mirar), lo deja a Stiller pintado en la pared. Pero esto no es una comparación; sólo quería dejar claro que Vaughn nunca parece estar haciendo esfuerzo alguno.

Sin esfuerzo es a lo máximo que llega este film también, ya que tiene un guión sumamente predecible. Además, el escritor y director pone la confianza en su elenco para hacernos reír, sin darse cuenta que sus líneas son graciosas pero no en la manera en la que las pone en su película. Sabemos que nos podríamos reís, pero simplemente no sale.

Lo que seguramente le dio a Thurber la confianza en su proyecto fue su factor principal: el deporte. Sí, ‘dodgeball’ o ese tipo de juego que Rip Torn les enseña a los personajes. El hombre sabía que con esto mantendría a la audiencia hasta el final, sin importar qué; esto es algo que todos se iban a quedar viendo. Fue original en gran parte, y esa es la recompensa.

Quizá sólo se trata de traer a la audiencia, como Robert Rodriguez hizo cuando le dio a una Salma Hayek segunda en línea de créditos cinco minutos de película. Mi punto es que Hollywood depende mucho del público estos días, y hay una escena en los créditos que habla de ello; no apaguen y véanla.

Entonces lo que quiero decir es que las estrellas se mueven mucho dentro de un film, y yo quería saber que iban a hacer Ben Stiller y Vince Vaughn después de esto. El segundo hizo una comedia con Jennifer Aniston (la vemos la próxima) y el primero…Bueno lo que sea, pero habría que elegir porque son dos estrellas y no creo que se vuelvan a juntar para ustedes. Yo iría a ver a Vaughn.

---6/10

Vince Vaughn: El talento secundario

Quizá ésta semana les resulte un poquito rara, porque pensarán que encuentran cosas parecidas y/o contradicciones en las críticas que pondré. Es probable que así sea, pero esto es porque todo ronda más o menos lo mismo.

Si bien es principalmente una semana para homenajear el talento de Vince Vaughn, también se comentarán muchas cosas de gente muy relacionada a él y hasta en su misma situación…Ya se irán dando cuenta y espero que puedan disfrutarlo.


El primero de estos casos se da con Owen Wilson, quien protagoniza “Los Rompepodas” junto a Vaughn…Y quién es el secundario aquí? Vince Vaughn.

La crítica de “Wedding Crashers”, a continuación.

“Wedding Crashers”

Es sólo cuestión de tiempo que los personajes (actores) secundarios comiencen a brillar y obtengan sus propias películas. Estén de acuerdo o no, Owen Wilson siempre fue la sombra de Ben Stiller. Tienen algo en común: siempre parecen estar haciendo lo mismo; pero Wilson empezó a ser reconocido por su carisma y alguna gente pensó que podía cargar con una película solo…Entonces vino “The Big Bounce” (una película nada memorable pero recomendable, la pondremos en una corta crítica como “Rareza de la semana”)…

Vince Vaughn es un caso similar; no, estoy mintiendo, es un caso diferente. Vaughn es uno de esos actores que siempre han sido talentosos pero el tiempo les dio más reconocimiento. Tuvo que estar en algunos films determinados para poder estar trabajando continuamente como lo hace ahora y terminar emparejado con tipos como Owen Wilson, en films como “Wedding Crashers”.

Hacen un equipo excelente. Son dos tipos de comediantes y los escritores del film (Steve Faber y Bob Fisher) crearon dos tipos de personajes (Wilson es John, Vaughn es Jeremy); dos amigos trabajadores que “caen en las bodas”…Esa es la expresión y lo que implica es visto en la película; extensivamente.

Hay una escena donde ambos van a ‘la primer boda de la temporada’, y lloran a propósito, inventan nombres para hacerse parte de la familia; fichando a dos mujeres para así luego ganárselas con estrategias baratas que incluyen bailar o ser bueno con los niños o las abuelitas, para finalmente terminar con ellas en la cama.

Luego de esa primera rutina, música fuerte suena y la rutina se repite varias veces, con cortes rápidos y muchas imágenes diferentes, como si fuera un “trailer” extendido. Podría ser una pérdida de tiempo, podrían verlo como señal de vagancia; pero no si entienden que la película no se toma muy en serio y está hecha con dedicación.

El director David Dobkin se asegura de mantener a sus personajes y a su ‘timing cómico’ reales. Por eso, ésta es una de las comedias más naturales de los últimos años, ya que no hay ni un rastro de humor asqueroso o de mal gusto en ella. Si lo hay, es muy sutil, porque por una vez, parece haber un poco más de interés en los personajes.

Consideren a John y a Claire (Rachel McAdams), dos personas sarcásticas, no muy serias acerca de la vida; se llevan bien en seguida. Pero ella está tomada, por Zack (Bradley Cooper), hombre de familia rica y amado por el padre de ella (un Christopher Walken con mucha clase). Sin embargo, luego de una serie de eventos, John se levanta en medio de la noche y camina hacia el cuarto de Claire y después se regresa. Instantáneamente, Claire no puede dormir y hace lo mismo.

Aunque es difícil de creer dentro del film, algo está pasando; y la película es buena porque pensamos que puede ser posible. El elenco saca risas por doquier. McAdams está hermosa y encantadora como siempre, Vaughn no necesita esforzarse y lo que dije de Wilson que, como Stiller (y no me gusta), siempre hace lo mismo…Pero saben qué? Me encanta! “Wedding Crashers” es una buena comedia contemporánea (se acuerdan?).

---7/10