La comedia (romántica) que dispersa

Acá estamos de vuelta, y refiriéndonos directamente, como podrán ver, a nuestra última encuesta en la que la comedia pareció ser la opción más votada. Y yo aprovecho y traigo de vuelta a la comedia romántica, porque sé que no en todo el mundo se está sufriendo de ‘encierro’ debido a gripes mortíferas, pero sí sé que en cualquier momento del año, una buena comedia es algo que viene bien. La próxima, por lo tanto, será “comedia” a secas; aunque todas tienen algo de romance, ¿no es así?

La película que nos interesa se estrenó hace mucho en nuestras carteleras y no fue tratada del todo bien. Yo no encuentro otra manera de decirlo, y en su momento salí a defenderla, aunque fuera con unas breves palabras: es una buena película. Y sí, es cierto que yo me dejo llevar mucho con este género particular, pero igualmente no sé qué es lo que la gente está esperando hoy en día para calificar a una comedia romántica como buena; hace tiempo ya que me hago esta pregunta desamparada de respuesta. Pero dejen un poco los prejuicios de lado, siéntense en el sillón y vean “El nuevo novio de mamá”. En todo caso, después desquítense conmigo.

La crítica de “My mom’s new boyfriend”, a continuación.

“My Mom’s new boyfriend”

Tiene que parar en serio. Los críticos ya ni siquiera van a los preestrenos de las comedias románticas. ¿Nadie quiere pasarla bien? Sí, la mayor parte del tiempo un desastre está propenso a ocurrir porque a la industria se le han acabado las ideas y por esto la gente ha perdido fe en las comedias románticas; pero esto no es excusa para escribir críticas que a veces indican que los críticos podrían ni haber visto la película o que hablan más de la cirugía de Meg Ryan que de su actuación.

“My mom’s new boyfriend” está protagonizada por Ryan como Marty, la madre de Henry (Colin Hanks), un agente del FBI, y también una mujer que una vez fue extremadamente gorda pero ahora cuando Henry regresa de un muy largo viaje de trabajo, está completamente irreconocible. Yo no sé de las cirugía que todos mencionan, perola mujer que Henry ve junto a la piscina está muy buena y supongo que es por eso que un misterioso ladrón de arte (Antonio Banderas) se vuelve loco por ella.

No se me ocurre por qué alguien entraría a ver este film mal predispuesto. Primero y principal, tiene a Meg Ryan, reina eterna de las comedias románticas. ¿Se encuentra en una mala fase actoral? Ridiculeces: vean “In the land of women” (aquí mi crítica) y “In the cut” y díganme que me equivoco. Segundo, tiene a Antonio Banderas, que no me gusta pero lo prefiero riéndose de sí mismo y sonriendo antes que pretendiendo ser serio. Aquí, el actor y la actriz tienen química y si se estuvieron riendo de sí mismos no hay duda de que fue positivo.
¿Qué más? Colin Hanks, que mostró sus dotes cómicos en la excelente “Get over it” y en la muy buena “Orange County”. Y Selma Blair hace un delicioso papel secundario. ¿A quién no le gusta Selma Blair? ¿Estoy vendiéndoles esta película defiendo a sus participantes? Apuesten lo que sea que la respuesta es sí. Tomen en consideración que no es una gran película (que comedia romántica lo es estos días; puedo aceptar eso) y que no sabía nada de su director George Gallo, que también la escribió.

Gallo parece ser un hombre amable. La química entre este ‘reparto inesperado’ (lean de nuevo y se darán cuenta que jamás hubieran esperado ver a esos cuatro juntos) demuestra esto; y su guión, poco original y no-comprometido, lo reafirma. La palabra clave aquí es ‘no-comprometido’, porque “My mom’s new boyfriend” no entra en terrenos nuevos en cuanto a las fórmulas clásicas ni contiene muchas bromas que den risa (hubo dos o tres veces que realmente me reí, aclaro), pero no es ahí dónde deben buscar.

Quizá es demasiado conveniente, pero es como si Gallo supiera que las comedias románticas son tomadas menos en serio estos días, entonces provee una dirección que no es segura (una dirección segura la realizaría alguien que quiere asegurar un hit) pero que es definitivamente placentera. La cosa es que Gallo la hace placentera de la mejor forma que puede, con un ritmo acelerado y una divertida edición que lo acentúa; una trama lineal y una preocupación por los personajes.

No se sorprendan si se identifican con alguno de estos seres. Estoy seguro que los han visto antes pero como completos estereotipos. “My mom’s new boyfriend” es corta, pero en su duración encuentra tiempo para construir sus personajes y establecer sus personalidades dándole a cada uno cosas interesantes para decir. Porque yo amo las comedias románticas trato de notar detalles y entiendo si en este punto –los que leen el blog hace mucho más aún- me ven como alguien en quien no se puede confiar cuando de este género se trata. Ya he aprendido a dejarme llevar y perdonar traspiés mínimos en ocasiones; pero estoy escribiendo objetivamente, y estoy escribiendo la verdad.

“My mom’s new boyfriend” es una buena comedia romántica. Ahora háblenme del ‘twist’...No se podían esperar ese.

---7/10

Que lluevan las mini-críticas

Lo que llueve, podríamos decir, es la vida. No se puede salir a la calle, la gente está que se muere, el noticiero noticia tras noticia expresa que la gente está que se muere y no se puede salir a la calle. Bien que yo no voté ni hubiera sabido a quien votar, pero el país (o al menos esta gran ciudad) está en un caos importante. Ya lo saben todo esto claro. Pero bueno, a mí me suspendieron las clases; y eso no está bien; no tenía que ser así y menos en este momento. Pero a quién le importa? Algunos dirán que siempre nos queda el cine.

En cuanto a eso, como fue una semana agitada pero vienen –para los que estudian- algunas semanas tranquilas; después de tanta animación, pensé que era justo tirar alguna lluvia de películas vistas recientemente y un poco antes, que no quiero olvidar y quiero compartir para que queden postradas en algún lado. Tampoco me quiero colgar con dos avisos: a)Gracias por los votos en la última encuesta; una de las más populares en mucho tiempo b)Ya respondí los comentarios del post pasado. Las mini-críticas se dan por varias razones, pero lo bueno es que están y que hacen todo un poco más ameno y disfrutable...Menos tedioso, algunos dirían.

Pero lo que es tedioso verdaderamente es el film “Happy Go Lucky” de Mike Leigh. Lo que me parece injusto es que se promocione ante todo como una comedia, como un film que te va a hacer sonreír cuando lo que hace es exasperarte en el peor de los sentidos. Su personaje principal, Poppy (Sally Hawkins), es una mujer incomprendida de 30 años que busca y ve el bien en todos lados, por lo cual procede a actuar frente a las personas sin mucha precaución. Esto hace que al momento de conocer a su instructor de manejo Scott (Eddie Marsan), se porte demasiado coqueta a su lado, dándole al paranoico hombre cualquier tipo de ideas. Si la película funciona es porque en el momento que establece una idea, no se despega de ella. Todas las escenas que Scott y Poppy viven en el auto, son las más incómodas que jamás experimenté en una sala de cine. Juro que dan ganas de irse, pero nos quedamos porque entendemos la naturaleza de los personajes; y que están en un momento de su vida en que es difícil cambiar. Otra cosa que el film hace, y muy bien, es plantear debates filosóficos (no lo parecen, pero créanme que por más banales, lo son) acerca de diferentes aspectos del estado del mundo, la vida social, las relaciones de pareja y de familia, entre otras cosas. Su personaje principal y la muy buena actuación que Sally Hawkins hace para construirlo (parece una versión femenina de Ricky Gervais el 90% del tiempo, ironizando sobre cada cosa y respondiendo con preguntas en vez de frase), transitan por todas partes y dialogan con todo tipo de gente (muy reveladora una escena en la que se encuentra con un vagabundo parecido al DT de Racing). Cada escena es algo nuevo, a excepción de los recurrentes encuentros en el auto de Scott. “Happy Go Lucky” respira frescura y aparenta tranquilidad, pero es uno de los films más perturbadores del año.
---7/10

Alguna vez Kevin Smith supo retratar a los perdedores con mucha ternura (“Jay and Silent Bob”, “Mallrats”), y hasta se animó a acercarse a la gente real y a los problemas mundanos sin equivocarse (“Jersey Girl”). En ambos casos, la presencia del humor por sobre todas las cosas constituía su marca registrada. Pero Smith parece haberse ablandado, en ambos sentidos. “Zack and Miri make a Porno” no es sólo su película menos graciosa sino la que menos entiende la ternura: dos amigos, hombre y mujer, de toda la vida, nunca tuvieron sexo. Eso es tierno, sin duda; pero sólo por una cuestión de idea. En la acción se ve otra cosa, que puede tener que ver con el cambio de equipo al que Smith nos tenía acostumbrados. El Zack de Seth Rogen da muestras repetitivas de muchas cosas que se vieron en “Ligeramente Embarazada” (aquí mi crítica), donde todo funcionaba mejor, y había tanto risa como ternura. Es más, es como si Rogen contagiara un poco al resto del elenco de una manera de trabajar que funciona bien para lo que es Judd Apatow pero no parece encajar en el mundo de Kevin Smith. En este último film de Smith hay un romance en juego, y no hay duda de que el hecho de tener que filmar pornografía para salir de la miseria es torpe y hasta tierno; pero también es una idea. Lo que antes era tierno por cotidiano y ordinario ahora se ve traicionado por la idea: la ternura está entonces en un piloto automático que lo marca la trama, cuyo desenlace es predecible desde los primeros minutos. Además, Smith cae tristemente en la cursilería barata sobre el final, en un desenlace apurado y poco trabajado para un film con ideas que sí son originales.
---5/10

Hablando de ideas originales, pasó un poco desapercibida la película que muestra lo que Adam Sandler debería estar haciendo, potenciado; un film realizado entre una cosa mala (“Click”) y una cosa regular (“Don’t Mess with the Zohan”), llamado “I now pronounce you Chuck and Larry”. En él, Sandler y el siempre confiable Kevin James son dos amigos que, para salvar un poco las papas, deben casarse y pretender ser pareja. Siempre fue admirable la semejanza y la diferencia en Sandler: el Sandler productor ha encontrado que los directores y escritores le armen tramas que tienen, entre películas, puntos en común, pero a la vez se destacan por separado. Es claro el ejemplo del uso del juicio durante el final de los films como elemento de impacto emocional, tanto en “Big Daddy”, como luego en “Mr. Deeds” y en el film que nos interesa ahora (un juicio en el que no pueden faltar los primeros planos de los personajes fundamentales del film); así como un interés romántico que al principio aparece como mero ayudante pero va cobrando importancia hacia el final. En el caso de “Chuck y Larry”, este interés es una abogada y estoy seguro que debe ser la película que mejor aprovecha a Jessica Biel, física y actoralmente. Esto de la diferencia y la semejanza, constante durante toda la carrera del actor, ha tenido algunas excepciones, como la película mala y la regular mencionadas al comienzo. Graciosa, noble, romántica y placentera, “Chuck y Larry” muestra el mejor lado de Sandler. No es su mejor película, pero al menos no es una repetición imparable de exageraciones y generalidades (como “Zohan”) ni un intento barato de drama e historia personal, entre otras cosas (aquí mi crítica de “Click”). Además, tiene un mínimo interés por lo que le pasa a los personajes, y esa ternura que Sandler siempre supo explotar e interpretar como actor cómico; eso que siempre lo separó de Ben Stiller y algunos más.
---7/10

Otro que, al menos en nuestro país, hizo siempre lo mismo y le fue bien (nunca está mal hacer algo si uno es bueno y honesto para ello) es Juan José Campanella. Escrita junto a Fernando Castets, y con Ricardo Darín como protagonista, en “El mismo amor, la misma lluvia” puede divisarse todo el cine de Campanella. Películas de cámara, íntimas, prolijas, emotivas y cómicas a la vez son ésta y las que vinieron después. Quizá lo que se tradujo en “Luna de Avellaneda” y “El hijo de la novia” como la búsqueda por recobrar un pasado no muy lejano, tiene aquí la diferencia de que ese pasado se vive a flor de piel. Hay un intento, quizá demasiado ambicioso, de cubrir un largo período del país mediante el estado del periodismo político, que se combina con la vida personal de Jorge (Darín) y su particular relación con Laura (insuperable Soledad Villamil), con el plus de la amistad que otra vez desarrolla junto al cálido Eduardo Blanco. No olvidemos que estos, aunque no parezcan, eran los primeros pasos que Darín daba como protagonista cinematográfico; en una fórmula que luego lo consolidó. Una fórmula en la que no hay trampas, en la que todo fluye y concluye en una película de importante artesanía y amor por el cine. Si Campanella es culpable de algo, se lo puede acusar de una excesiva ‘edulcoración’ en varios momentos, particularmente evidenciada en la bella música. Pero sabemos que eso es parte de su naturaleza.
---8/10

Lo de arriba no significa que Campanella no sea versátil, sólo que no lo ha demostrado mucho en su propio país. Gore Verbinski si puede jactarse de ello: una comedia familiar (“Mousehunt”), una romántica de acción (“The Mexican”), una gran remake (“The Ring”) y una saga multimillonaria (“Piratas del caribe”). Un poco en el medio de toda esa locura se encuentra “The Weather Man”, un pequeño film con aires de independiente que al final del día es independiente. Con Nicolas Cage como David Spritz, a la cabeza de una familia a la que no puede manejar, por tener demasiado interés en su trabajo y/o ser bastante malo para las relaciones familiares; el film es el retrato amargo y desesperanzador de alguien que siguió por la vida sin una verdadera pasión. Esto se admite en el guión de Steven Conrad y es un estado de ánimo que marca el color de cada plano y el tono general de la película. David está atrapado y lo disimula con cada una de sus acciones y con su discurso para con la vida; es un personaje con el que es difícil empatizar debido a que es muy miserable. Todavía no mencioné la sombra de su padre (clásico Michael Caine), un gran escritor que no está del todo orgulloso de su hijo. Verbinski sortea cada aspecto del film con irreprochable manejo técnico y con una cuota de emotividad que es casi imperceptible pero está ahí. Hay un descenlance, porque tiene que estar; pero de eso no les cuento. Eso sí; la música de Hans Zimmer es fenomenal...Un genio.
---7/10

Como siempre, dan ganas de cubrir un poco más; pero creo que hasta ahí estamos bien,

Saludos Sospechosos!

Hacia allí estoy yendo...

Dejemos las cosas claras antes de seguir. Una ficción es una ficción, eh? Con eso no se confunde nadie. Pero el mundo de la ficción es ilimitado y una que otra vez (más de las que uno puede contar) ese mundo se ha parado en un lugar muy cercano a la realidad. No resulta extraño, por lo tanto, que un género tan fantasioso e infantil (en parte) como la animación, se aproxime a la realidad? Y pregunto otra cosa: no debería considerarse como un mérito? Sostengo mi teoría de los últimos proyectos de Pixar, del aumento de su calidad, y hoy les traigo "Up" como último y genial exponente de esto. Y si no hablo de las complejidades o emociones de los personajes es porque, aunque estén ahí, sabemos todos que no es la fuerza del cine animado, y que el cine animado no gana nivel por eso. En todo caso, siempre hay un mensaje, explícito o no, y eso hay que saber transmitirlo bien. Pero el resto es, como siempre, observar maravillados y dejarse llevar un poco.

La crítica de "Up" (dedicada a Oli, compañero de teatro, actor versátil), a continuación.

"Up"

Intencionalmente o no, con sus últimas películas Pixar ha estado tratando de acercarse más a la realidad. Han inventado todos los mundos imaginarios posibles, por lo que comenzaron a pensar en las posibilidades de desarrollar ficción animada en la vida real. En “Los increíbles”, esto podía verse en la vida normal de una familia y la existencia de, principalmente, un mundo tangible; pero los personajes eran superhéroes. Brad Bird dobló la apuesta con “Ratatouille” (ver la crítica anterior): la comunicación no verbal entre una rata y un humano, la posibilidad lógica de pensar que cualquiera puede cocinar y el hecho de una rata haciéndolo finalmente, en un mundo enteramente humano. Pueden objetar este desarrollo inicial, pero hay un hecho y es que Remy la rata es el primer (y único) personaje de Pixar que desea y se esfuerza por salir de su mundo paralelo: el mundo animal.

Si “Ratatouille” no era perfecta fue porque la realidad hubiera sido total si las ratas no hablaban. No era posible, y aún cuando en “Up” esto tiene una explicación coherente, el factor de ‘animal parlanchín’ no se ve eliminado. Sin embargo, en un mundo de animación actual que vive debido a los animales que hablan, la grandeza reciente de Pixar utiliza esto como un elemento secundario, algo meramente cómico. Funciona a la perfección que los perros tengan collares especiales hechos para que puedan hablar pero que a la vez sigan siendo tan estúpidos como a veces los imaginamos en el mundo real, por lo que son capaces de dejar cualquier seriedad de lado ante la vista de una ardilla o una pelota de tenis.

Los perros aparecen largo rato de comenzado el film, cuando Carl Frendricksen está en las Cataratas del Paraíso de Sudamérica, un lugar al que llegó volando en su propia casa con globos flotando en el techo de la misma, atados. Frendricksen es un viejo gruñón que esperó hasta el día anterior de la destrucción de su casa para realizar el sueño de su difunta esposa (Ellie) y suyo; el sueño de ambos de toda la vida. Poco acostumbrado a recibir ayuda, Carl descubre, ya en el cielo, que un pequeño boy scout llamado Russell se ha colado en su viaje.

Como ha ocurrido siempre, el centro de la película es la relación entre el viejito y el niño, pero el director Peter Docter (“Monsters, Inc.”), el co-director Bob Peterson (que también hace la voz de los dos personajes más graciosos del film) y su equipo de escritores alejan a “Up” de cualquier sentimentalismo en este aspecto particular. La película es demasiado corta y no parece querer perder tiempo. Es por eso que, durante el comienzo, en la presentación del romance de Carl y Ellie, específicamente en una musicalización visual de sus vidas brillantemente manejada por la partitura perfecta y familiar de Michael Giacchino (Oscar alguno??), los realizadores se deshacen de toda cursilería.

Esencialmente, “Up” es (en este aspecto podemos relacionarla con “Los Increíbles”) una película de acción: cargada con la dosis usual de comedia y personajes entrañables de Pixar, con la adición particular de que va, dentro de un marco de realidad (los perros hablan debido al collar pero ningún otro animal habla esta vez), a lugares que ninguna otra película –animada o no- ha imaginado. “Up” trata de lo que su título estratégicamente esconde: llegar a los límites, del mundo animal y humano, en cada escena, y superarlos; entregándonos un héroe en la piel de un viejo gruñón, incluyendo un elemento de sorpresa, poniendo a sus personajes al filo de la muerte y haciendo algo excepcional de cada paisaje y escenario.

Y no se confundan. “Up” no es sólo visualmente impactante, sino también impactante en cuanto a una historia original que llega y se va antes que podamos notarlo, literalmente dejándonos sin aliento. Si prestan atención, se darán cuenta que Carl y Russell llegan a Sudamérica desde los Estados Unidos en una fracción de segundo. Es el único elemento que podría cuestionar la aceptación de la realidad del film, y eso es porque una gran aventura, en términos de Pixar, puede desarrollarse en cualquier lado; sólo que esta vez decidieron situarla en lo alto, en el cielo, que es también la dirección hacia donde está yendo su realización cinematográfica, si todavía no fueron frenados por la nube más alta que existe.

---10/10

PD1: En 3-D o no, parece que con esta película realmente es lo mismo
PD2: Reñida la encuesta de la mejor peli de Pixar, no?

AH, COMO OLVIDARLO...LES DEJO ALGUNOS GENIALES CORTOS DE PIXAR PARA QUE DISFRUTEN

"One Man Band"


"Knick Knack"


"Presto"

Las películas de Pixar

Toda la vida me la pasé preguntándome cómo mierda hacen. Desde el surgimiento de “Toy Story” hace ya más de una década, la gente de Pixar se ocupó de proporcionar entretenimiento, a grandes y chicos por igual, sin dar jamás muestra de agotamiento. Uno piensa que a veces hasta funcionan como un mejor y más noble entretenimiento que cualquier bodrio de acción con mucho ruido, ya que siempre se encargaron de incluir guiños, referencias, sin subestimar nunca al espectador adulto.


Dreamworks hizo su intento con la animación computarizada con “Shrek”, y fue un éxito único que luego no se repitió. Hoy también se ve de todo y por todos lados. Pero no basta con dominar la técnica para sorprender. Pixar ha demostrado a través de los años, y esto es lo que yo creo, un entendimiento del mundo humano que primero se logró a través de espacios puramente animales y que con el tiempo se fueron confundiendo, aunque desde el comienzo ya se encontraban mezclados. Esta idea se ve muy clara en los últimos años, y se expresa por completo en las dos películas que veremos en la semana. Lo llevó a Brad Bird a hacer “Los increíbles” y la peli que veremos hoy, y a Andrew Staton, un histórico de Pixar, “Wall-E”.

Yo aún no pude ver la peli del robot, pero sí creo que en este riesgo se dieron cosas buenas, que Pixar no dejará de hacer y que tienen su último punto alto en “Up”, que tendremos aquí unos días más tarde. Pero ahora otra maravilla, ¿no?

La crítica de “Ratatouille” (dedicada a Ague), a continuación.

“Ratatouille”

Quizá sea posible que cualquiera puede cocinar, pero no podemos negar que tendría que haber un acuerdo claro en lo que la expresión ‘cocinar’ significa. Si hablamos del tipo de cocina que Remy –el personaje principal de “Ratatouille”- hace, se vuelve claramente inimaginable que, disculpen mi repetición, “Cualquiera puede cocinar” (el título del libro del Chef Gusteau y la inspiración de Remy). Pero como dice el crítico de comida Anton Ego, “cocineros grandiosos salen de los lugares más inesperados”. Y todavía no he mencionado que Remy es una rata.

“Ratatouille” de Brad Bird es la más inusual de las producciones de Pixar y uno de los largos animados más extraños jamás hechos. A diferencia de los logros previos de Pixar, no incluye a un héroe en una cruzada, con un objetivo final en mente. Remy quiere ser un cocinero y expresa su deseo para admiración de otros (su sentido del olfato es tan bueno que se vuelve el ‘detector de veneno’ de la comida de su familia, y hasta allí su padre reconoce su talento), pero no es la meta general del film, hacia donde todo está dirigido usualmente. Remy ni siquiera se hace amigos durante su viaje (por decirle un nombre), así que no nos toca una amplia galería de personajes; sólo el Chef Gusteau (muerte y un amigo imaginario que realmente no puede ayudar a la rata) y Linguini, un joven que es el hijo no reconocido de Gusteau y termina cocinando los platos que Remy siempre soñó en las situaciones más inesperadas, de este modo permitiendo una especie de conflicto para la película y la figura de un villano en el Chef Skinner.

Todo esto se desarrolla en “Gusteau’s”, el restaurante del fallecido chef, que es casi el único escenario del film, que Bird explota sin descanso (miren una escena en la que muchas ratas están escondidas en la cocina y hacen todo lo posible para no ser descubierta: es animación clásica, es Disney clásico). Porque no es mucho lo que Bird y la película necesitan para crear un clásico instantáneo; todo se reduce a lo básico y funciona. Una relación (entre Remy y Linguini) y las riñas que se dan porque cada uno necesita conseguir lo que quiere.

Es también en este aspecto que “Ratatouille” resalta como una de las piezas de animación más originales hechas jamás. Hemos visto a los animales hablarse los unos a los otros mil veces, y en muchas ocasiones los hemos visto tratando de hablarles a los humanos, pero los humanos nunca entienden. Sin embargo, aún cuando pueden milagrosamente obtener ayuda humana para lograr sus metas, su triunfo y éxito ocurre enteramente en el mundo animal, donde quiera que sea, entre animales. Nunca olvidamos que todo es ficción, pero en “Ratatouille”, el sueño de Remy se hace realidad (con ayuda humana) en el mundo real; en Francia, en París.

A mí me gusto “Happy Feet” porque Mumble bailaba y bailaba y ayudaba a su raza por mérito propio. Pero esos pingüinos veían a los humanos como ‘aliens’ y no entendían las armas que usaban para lastimarlos (de hecho, hasta veían algunas de ellas como regalos). Remy y su familia saben lo que los hombres le hacen a las ratas, pero bien adentro este ‘pequeño chef’ cree que hay algo de bien en el mundo. Y lo logra...Entre humanos.

--9/10

Cumpleaños

Hoy cumple años Roger Ebert, mi crítico favorito y, como debemos tener todos, una gran inspiración!

Un muy feliz cumpleaños para el genio!

Lean lo de las series!! :P

Saludos Sospechosos!

PD: Hoy vi "Up"...Yo no sé como hacen estos hijos de puta de Pixar; es increíble!

Especiales: Sobre series, actrices y demás (desde Kristen Stewart)

Mientras sigo estudiando para materias varias, me planteo varias cosas que, si bien no son de suma importancia, vienen dando vueltas en mi cabeza hace un tiempo. Desde que comencé el blog que quiero hacer un posteo sobre series de televisión, pero nunca se me ocurre bien por donde encararlo. Dicho esto, mando al frente a Joaquín Urdinez que hace tiempo que promete un escrito del estilo, y que ya les traeremos algún día.

Justamente, el plan de Urdinez es en primer lugar escribir acerca de la serie televisiva adolescente de la década por excelencia; la (actualmente) sumamente copiada e insuperable “The O.C”. Yo no pienso arruinarle la idea y no voy a hacer en este momento una descripción o defensa de la calidad de la serie creada por Josh Schwartz, quien en este momento se encuentra repitiendo la fórmula del éxito con la muy buena y adictiva “Gossip Girl”. Quisiera, entonces, nada más, acercar el tema de las series desde el lado de lo que estamos viendo esta semana y que tiene que ver con una actriz joven. A partir de este momento, una serie de pensamientos y reflexiones se verán conjugadas en un texto que está siendo escrito sin diagramación previa. Esperemos que funcione.

Kristen Stewart, de 19 años, acaba de entregar la mejor actuación de su corta carrera en “Adventureland”, film que critiqué hace unos días; aunque yo soy bastante fan de su trabajo en “In the land of women”, que también vimos la última vez. El mencionado film me viene como anillo al dedo, debido a la presencia de Adam Brody, rompecorazones de “The O.C” (su papel era el de Seth Cohen) que todavía no encuentra un lugar en la industria cinematográfica. ¿Por qué pasa esto?

Veámoslo del otro lado. ¿Cuán importante es para un actor el trabajo en el cine? Si lo pensamos desde el lado de, por ejemplo, Julia Louis Dreyfus, quien luego de “Saturday Night Live” y el éxito mundial de “Seinfeld” esperó bastante para recién ahora repetir suceso con la serie “New Adventures of Old Christine”, podríamos concluir que poco y nada. Con Jerry Seinfeld pasa lo mismo: sus créditos cinematográficos incluyen menos de cinco títulos, con la inclusión de, al igual que Dreyfus, la voz para un personaje de animación.


Entonces… ¿Estos actores son conformistas? ¿Son defensores de sus capacidades cómicas y concientes de que no hubieran podido hacer en sus vidas mucho más? ¿Fracasados constantes en intentos de hacer cine? No lo sabemos. Igualmente, los ejemplos que doy vienen de otro tiempo, de un tiempo donde la TV ocasionaba una revolución tan aplastante que quizá quedarse “estaba bueno”.

Si vamos a algo más reciente, es fundamental analizar el suceso de “Friends”. Todos buenos actores, todos cómicos y unidos, exitosos. Todos, excepto Jennifer Aniston y David Schwimmer, volvieron a la televisión luego de finalizada la serie y de una difícil inserción en la pantalla grande. Lo de Aniston es claro y es merecido, lo de Schwimmer tiene que ver con una lucha diaria entre la dirección y la actuación independiente que tiene mucho mérito. Luego, lo de Matt LeBlanc es vergonzoso, pues debió volver a la televisión interpretando el mismo papel que le dio la vida, en una serie llamada “Joey”. Se hace evidente, viendo las filmografías, que todos los actores intentaron ganarse un lugar en el cine, con resultados dispares sin duda. Lo de Lisa Kudrow y su regreso fue lo más inteligente, con una serie irónicamente llamada “The Comeback” que no tuvo éxito suficiente. La bella Courtney Cox, por otro lado, obviando el éxito de “Scream”, participó más que nada en films que tuvo que producir, la mitad de ellos dirigidos por su marido David Arquette. Recién hace un año volvió a la TV con “Dirt”, una candente serie que también produce. Quizá el verdadero punto medio sea Matthew Perry, quien produjo poco y nada y se intercambió entre películas regulares en cine, apariciones cortas en TV y algunas películas para televisión que, según he escuchado, son memorables gracias a él. Finalmente, volvió a la TV hace pocos años con una gran serie: “Studio 60 on the Sunset Strip”, cuya continuidad ahora está en duda.

No es mi intención desmerecer a los actores que se hacen en series de televisión, y mucho menos a las series. De hecho, es muy común ver hoy en día actores consagrados que deciden ‘sentar cabeza’ (por así decirlo) en la televisión. Si bien siguen trabajando en cine, ya se ven muy afectados por su papel de todas las semanas en la tele. En la mayoría de estos casos, los actores funcionan como productores ejecutivos de los programas: se la juegan, digamos. Y esto es porque la tele es hoy un lugar cómodo para trabajar, estable y rentable a la vez. El ejemplo más representativo es el de Kiefer Sutherland, que produce y protagoniza la fantástica “24”, seguido de cerca por Gary Sinise, que desde que comenzó a trabajar en “CSI: New York” no ha vuelto a protagonizar una película.

Sin embargo, puede verse que los actores mencionados no entrarían en lo que hoy llamamos “actores jóvenes”. En una analogía que no sonará bien, podría verse a la industria cinematográfica como un matadero que, sin piedad ni diferenciación, corta y separa a las estrellas televisivas, vacas de algún modo encerradas en el enorme corral que representaría la serie televisiva: un apacible y seguro lugar hasta un punto. Kristen Stewart es un caso especial –y no por eso menor- pues su carrera comenzó directamente en el cine. Ella es una privilegiada que no debe mirar hacia otro lugar que no sea adelante (si en estas suposiciones, las series significaran una regresión).

Pero hay cientos, miles de actores y actrices que hoy dedican su vida a una serie de televisión y que el día de mañana… ¿El día de mañana qué? Benjamin McKenzie, protagonista absoluto de “The O.C”, probó suerte con un adorable papel en la cinta independiente “Junebug” y otro menor en “88 Minutos”. Ya está de vuelta en la pantalla chica con la recién estrenada “Southland”. Vuelta al caso de Adam Brody, su compañero y co-protagonista de Stewart en “In the land of women”. Ese es el mejor papel que ha conseguido desde que terminó la serie, además de la ayuda del director Doug Liman que le facilitó un mínimo rol en “Mr. & Mrs. Smith”. Una vez más, tanto Brody como McKenzie están por los 30 años, y puede que no se aplique tanto. Pero McKenzie nació como actor en la serie.

Lo mismo le ocurrió a la hermosa Rachel Bilson, que es algunos años más joven y no había hecho nada en su vida hasta convertirse en Summer Roberts. Doug Liman también le dio una mano con un co-protagónico en “Jumper”, pero fue ella quien se ganó el papel de Kim en la remake americana de “El último beso” y es ella quien ahora la sigue peleando. En cuanto a Mischa Barton, quien dejó a la serie ‘en pelotas’ con su sorpresivo abandono, tuvo tres años de participaciones en películas de las que no se supo nada. Parece que se equivocó de decisión, pues en este momento se encuentra filmando nueva serie: “The Beautiful Life”, creada por… Ashton Kutcher.

Me preocupa, o más que nada me interesa esta situación, justamente porque el interés por el actor joven hacia el cine está; pero como estoy planteando, hay que ver cómo lo recibe la industria y, esto es lo más importante, cómo responde al recibimiento el actor. Son también cientos, miles de casos los de jóvenes que luego de un éxito televisivo o cinematográfico, tiraron su vida a la basura. Actrices como Madeline Zima(izquierda), de la espectacular “Californication”, Lucy Hale de “Privileged”, la despampanante Blake Lively de “Gossip Girl” o Jessica Stroup (derecha) de la nueva “90210” tienen ya completadas una o dos películas para este año (Stroup casualmente protagoniza una junto a Mischa Barton y Matt Long, actor joven que desapareció del mapa luego de sorprender en la serie “Jack & Bobby”). Mujeres cuyas edades van desde los 20 a los 25 años, está en ustedes verlas trabajar en sus respectivos programas. Yo les aseguro que son todas actrices muy intuitivas, naturales, con mucha chispa (como dicen a veces). También lo era Hilary Duff en “Lizzie McGuire”, y hoy combina exitosamente una carrera cinematográfica y artística, por poner un ejemplo familiar. Parece que a ella la industria la recibió bien y se supo comportar.

Dejo afuera a una generación de actrices más de estas últimas edades que, como Stewart, cobraron vida en la pantalla grande, entonces el caso no es el mismo. Hablo de Keira Knightley, Dominique Swain, Scarlett Johansson, Erica Christensen, Zooey Deschanel, Emily Blunt, hasta Christina Ricci o la preciosa Anna Paquin. Actrices geniales que, además (a excepción de Paquin; no sé por qué y espero que no dure mucho), no se han instalado en la televisión de ninguna manera o forma.

A los hombres no me he referido, con las excepciones mencionadas, porque es más complicado. No parecen tan determinados como las mujeres en cuanto a “jugársela” para ir hacia la industria y ese tipo de cosas. Es más, muy pocos realizan el cambio y se quedan congelados en la tele o simplemente desaparecen; y la mayoría de los geniales intérpretes jóvenes (al menos hoy en día y como debería ser) nacen en el cine, en películas: Emile Hirsch(derecha), Paul Dano, Anton Yelchin (de generación más cercana a la de Kristen Stewart). En todo caso, rescato a Hunter Parrish (izquierda) de lo que es quizá la mejor serie de TV actual, “Weeds”, y sus participaciones paralelas e importantes en cine desde que está en la tele. Pero algún otro día hablaremos bien de los actores masculinos jóvenes, y de más series, y de otras cosas.

Esto en principio era sobre Kristen Stewart, ¿no?

Saludos Sospechosos!!

Rareza de la semana

Y sí. Esto va a entrar como rareza porque aunque se haya estrenado en cine, permanece como una rareza. Traducida como “Entre mujeres”, es una de esas bellas y nostálgicas rarezas que uno encuentra por un fanatismo por algún que otro actor. Si no la vieron todavía, los chicos la querrán ver por Kristen Stewart (y las chicas también) y las chicas la van a ver por Adam Brody (y algunos chicos, por qué no). Despreocúpense: es una buena peli.

La crítica de “In the land of women” (dedicada a Alejo), a continuación.

“In the land of women”

“Es un mundo grande ahí afuera; es desordenado, caótico y nunca es lo que esperas”, Carter (Adam Brody) le dice a Lucy (Kristen Stewart) en un momento crucial de “In the land of women”. La primer película del escritor y director Jon Kasdan es un enfoque fresco en lo que a mí me gusta llamar ‘turning points’, y puede describirse con la frase citada arriba, exceptuando la parte de “caótico”.

Sería justo reafirmar la parte de “lo que no se espera”, porque el film estuvo, definitivamente (y todavía lo está, si se toman un segundo para ver el trailer), incorrectamente publicitado/comercializado, haciéndole creer al espectador algo que claramente no está ahí. Hay una gran posibilidad que las fans adolescentes de Adam Brody (Seth Cohen, de la magnífica serie “The O.C.”) terminen decepcionadas con la película, que incluye una chiquita que es precoz en su modo de ver la vida, una chica que no sabe lo que quiere y una madre que está lidiando con un asunto importante.

Cuando Carter llega a la vida de estas mujeres, también está pasando por un momento personal difícil; acaba de terminar con su novia y tiene que superarla. Escritor de guiones de películas ‘soft-porn’ (¿qué tal eso como algo original?), Carter decide visitar a su abuela (una hilarante Olympia Dukakis) y, mientras la cuida, probablemente descubrir qué hacer con su vida y quizá escribir lo que siempre quiso y nunca pudo. Y allí conoce a Lucy y a su madre Sarah (Meg Ryan en buena forma), y cada ‘turning point’ se confunde con otros.

Lo que ocurre entre Carter y las ‘mujeres’ del título podría ajustarse a la parte ‘caótica’ de la frase que dio comienzo a esta crítica: una suerte de triángulo comenzará a tomar forma, pero por suerte no es el triángulo de amor y discusiones de todos los días. Es un triángulo de enriquecimiento mutuo, en el que cada personaje aprende al menos algo del otro.

Si analizan por completo las situaciones que están viviendo, probablemente sólo una de ellas es sea lógicamente preocupante, pero el hecho es que ninguno de estos personajes está en una posición en la que rendirse sea una opción. Kasdan intenta, con un guión humano y perceptivo, presentar soluciones y esperanza a estas situaciones. Con una cámara pacífica, pone a las conversaciones serenas por sobre todas las cosas y esa es la clave del éxito de su recomendable película. Esto no significa que el resto no ayude también.

Hay algo acerca de “In the land of women” que es cuestionable pero también gratificante y es que estos ‘turning points’, aunque no tan definitorios ni irremediables, son presentados como los momentos culminantes de la vida; como las decisiones más importantes que estos personajes necesitan tomar. La conmovedora partitura de Stephen Trask; la carismática interpretación de Adam Brody, todavía atado al ‘factor Cohen’; y la perfecta actuación de Kristen Stewart, con todas las expresiones e inseguridades de una adolescente, haciendo de algunas conversaciones y escenas algo más crucial de lo que deberían ser.

Ustedes presten atención a esas conversaciones, y a un par de referencias cinematográficas, y a aquellos momentos en los que esperamos que un personaje diga algo. Aquí, Kasdan evade todos los lugares comunes y los clichés y esas frases que siempre estamos esperando oír. Eso siempre tiene que ser algo bueno.

---7/10

PD: Con esto damos por concluida nuestra semana dedicada a Kristen Stewart...Arranco la semana con una cosa larga que escribí, para que tengan tiempo de leerla.

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