Tuesday 30 October 2007

Vince Vaughn: El talento secundario

Quizá ésta semana les resulte un poquito rara, porque pensarán que encuentran cosas parecidas y/o contradicciones en las críticas que pondré. Es probable que así sea, pero esto es porque todo ronda más o menos lo mismo.

Si bien es principalmente una semana para homenajear el talento de Vince Vaughn, también se comentarán muchas cosas de gente muy relacionada a él y hasta en su misma situación…Ya se irán dando cuenta y espero que puedan disfrutarlo.


El primero de estos casos se da con Owen Wilson, quien protagoniza “Los Rompepodas” junto a Vaughn…Y quién es el secundario aquí? Vince Vaughn.

La crítica de “Wedding Crashers”, a continuación.

“Wedding Crashers”

Es sólo cuestión de tiempo que los personajes (actores) secundarios comiencen a brillar y obtengan sus propias películas. Estén de acuerdo o no, Owen Wilson siempre fue la sombra de Ben Stiller. Tienen algo en común: siempre parecen estar haciendo lo mismo; pero Wilson empezó a ser reconocido por su carisma y alguna gente pensó que podía cargar con una película solo…Entonces vino “The Big Bounce” (una película nada memorable pero recomendable, la pondremos en una corta crítica como “Rareza de la semana”)…

Vince Vaughn es un caso similar; no, estoy mintiendo, es un caso diferente. Vaughn es uno de esos actores que siempre han sido talentosos pero el tiempo les dio más reconocimiento. Tuvo que estar en algunos films determinados para poder estar trabajando continuamente como lo hace ahora y terminar emparejado con tipos como Owen Wilson, en films como “Wedding Crashers”.

Hacen un equipo excelente. Son dos tipos de comediantes y los escritores del film (Steve Faber y Bob Fisher) crearon dos tipos de personajes (Wilson es John, Vaughn es Jeremy); dos amigos trabajadores que “caen en las bodas”…Esa es la expresión y lo que implica es visto en la película; extensivamente.

Hay una escena donde ambos van a ‘la primer boda de la temporada’, y lloran a propósito, inventan nombres para hacerse parte de la familia; fichando a dos mujeres para así luego ganárselas con estrategias baratas que incluyen bailar o ser bueno con los niños o las abuelitas, para finalmente terminar con ellas en la cama.

Luego de esa primera rutina, música fuerte suena y la rutina se repite varias veces, con cortes rápidos y muchas imágenes diferentes, como si fuera un “trailer” extendido. Podría ser una pérdida de tiempo, podrían verlo como señal de vagancia; pero no si entienden que la película no se toma muy en serio y está hecha con dedicación.

El director David Dobkin se asegura de mantener a sus personajes y a su ‘timing cómico’ reales. Por eso, ésta es una de las comedias más naturales de los últimos años, ya que no hay ni un rastro de humor asqueroso o de mal gusto en ella. Si lo hay, es muy sutil, porque por una vez, parece haber un poco más de interés en los personajes.

Consideren a John y a Claire (Rachel McAdams), dos personas sarcásticas, no muy serias acerca de la vida; se llevan bien en seguida. Pero ella está tomada, por Zack (Bradley Cooper), hombre de familia rica y amado por el padre de ella (un Christopher Walken con mucha clase). Sin embargo, luego de una serie de eventos, John se levanta en medio de la noche y camina hacia el cuarto de Claire y después se regresa. Instantáneamente, Claire no puede dormir y hace lo mismo.

Aunque es difícil de creer dentro del film, algo está pasando; y la película es buena porque pensamos que puede ser posible. El elenco saca risas por doquier. McAdams está hermosa y encantadora como siempre, Vaughn no necesita esforzarse y lo que dije de Wilson que, como Stiller (y no me gusta), siempre hace lo mismo…Pero saben qué? Me encanta! “Wedding Crashers” es una buena comedia contemporánea (se acuerdan?).

---7/10

Monday 29 October 2007

Felicidades!

Nada mas que una simple y saludable felicitacion para el amor platonico de algunos en su dia especial!

Winona...Feliz Cumple!


Los veo pronto Sospechosos!

Sunday 28 October 2007

Rareza de la semana

Ésta no sé si la conocerán…Es otro intento de Ferrell en el drama, pero mucho más independiente. La recomiendo aunque sea difícil encontrarla…Es de esas películas que realmente valen la pena, en este caso no sólo por Ferrell, sino por un par de actores más y por una increíble actriz subestimada.

La crítica de “Winter Passing”, a continuación.

“Winter Passing”

“Winter Passing” es muchas cosas además de ser una muy buena película. No quiero perderme la posibilidad de decir que podría haber sido mucho mejor, pero es lo que es y lo que es, es lo que tenemos. De esta manera, lo que tenemos es un retrato muy introspectivo de personas tristes y solitarias; sé que no sonará bien pero es todo lo que voy a decir del film.

La cosa es que cuando uno ama el cine, uno ve films aunque no sepa de que se tratan y uno entiende la naturaleza de cada película; la naturaleza de “Winter Passing” es la soledad, no sólo la de sus personajes pero la de los escenarios en los que se muestra. De hecho, es una de las películas más contemplativas y observadoras que he visto este año.

Con razón la cinematografía es de Terry Stacey de “The Door in the Floor”; te hace mirar…Stacey usa mucha oscuridad y crea un ambiente tan deprimente que a veces no se entiende que está pasando. Pero es un buen truco, porque cuando sale el sol (y uno lo está esperando) las imágenes de Stacey son hermosas.

Adam Rapp, el hombre que dirigió y escribió el film, tiene un buen ojo narrativo y lo percibimos constantemente durante la película, pero también tiene un talento para dirigir actores; y también hay crédito para los directores de casting en esto: el más inusual elenco pequeño. Una rara y especial actriz (Zooey Deschanel), un comediante (Will Ferrell), un actor de character (Ed Harris) y una creciente estrella joven inglesa (Amelia Warren)…Todos trabajan perfectamente juntos, porque cada uno de ellos entiende la frágil situación de su personaje y de los del resto.

De paso, Harris está trabajando mucho estos días y tiene varios films que todavía no hemos visto (“La pasión de Beethoven” estuvo en Neuquén hace poco). Acerca de Ferrell, quería decir esto luego de haber visto “Blades of Glory”, un film regular y sobreestimado de la que no escribí y en la que el comediante fue el mejor elemento…Aunque haga comedia o drama, su pelo sea largo o corto, marrón o negro; Ferrell siempre construye sus personajes desde cero. Elige pequeñas cosas y las repite a lo largo de una película, para demostrar que está completamente ‘en personaje’. Deberían prestarle mucha atención a su trabajo en cualquier film.

Rapp armó un guión sólido que es quizá un poco sobre sentimentalista, pero lo clarifica inteligentemente en una parte crucial de la película. Sin embargo, para una historia tan humana y real, podría haber sido mas duro; porque su elegante narración y sus imágenes lo piden. Sin embargo, en su pieza, y como en los mejores dramas, las cosas están mejor dichas por medio de las imágenes y no de las palabras; y eso siempre es apreciado.

También, si no es nada más, “Winter Passing” es prueva viviente de que Zooey Deschanel es una actriz fantástica; de que cuando quiere puede dejar el excentricismo y también hacer grandes cosas (porque hace grandes cosas cuando es excéntrica); que puede cargar con una película completa ella sola y que debería ocurrir más seguido. Pero probablemente no será así, porque es una de las personas que más tienen los pies en la tierra en la industria y sólo trabaja cuando vale la pena…Muy mal.

---8/10

Friday 26 October 2007

Hermosa Tragedia

Es un cliché en todos los grandes actores cómicos, el probar suerte en algún rol dramático. Se podría discutir este tema largo rato con ejemplos y demás, pero ésta semana estamos hablando de Will Ferrell, cuyo papel semi-dramático en la película de hoy, “Más extraño que la ficción”, le ganó una nominación al Globo de Oro…Eso podría hablar por si solo en el tema al que nos referimos.

Yo se las recomiendo, véanla y díganme ustedes que les parece. Además de la presencia de Ferrell, está el hecho de que es una muy buena película para cualquier amante del cine y de la literatura.

La crítica de “Stranger than fiction”, a continuación.

“Stranger than fiction”

Qué harías si supieras que vas a morir pronto?, dice Harold. “Tengo un superpoder?”, pregunta Dave. “Sí, sos buenísimo en matemática y sos invisible”. Por supuesto, la primera es sólo una habilidad, pero Harold es realmente bueno con los números y la segunda no es un superpoder, o por lo menos no para Harold, que es tan solitario y pasa tan desapercibido que se considera a él mismo invisible.

Esa escena de “Stranger than fiction”, de Marc Forster, es realmente hermosa, pero no contiene un momento emotivo; es hermosa una vez que estamos dentro del mundo de la película y empezamos a apreciar su vocabulario. Esencialmente, el guión de Zach Helm es acerca de Harold Crack (Will Ferrell), un tipo común que un día se da cuenta de que una escritora (fantástica Emma Thompson, narrando brillantemente) podría estar creando una novela acerca de su propia vida, y todo lo que ella dice le sucede a él; o todo lo que él hace ella lo explica…Ahora díganme si esa no es una conexión poética.

Lo que es gracioso es que Harold es evidentemente como un personaje que encontraríamos en un libro: cuenta las veces que se lava los dientes, los pasos hacia la parada de colectivo y los detalles numéricos de cada lugar en el que pone un pie; tiene un reloj muy especial con vida propia y no es muy bueno con las mujeres. Conoce a una (una panadera interpretada maravillosamente por Maggie Gyllenhaal), sin embargo, y desarrollan una relación tan honesta que culmina en una frase que jamás sonó tan hermosa en cine: “Te traje harinas”…Queda mucho mejor en inglés, pero se entenderá.

Es un gran guión, el trabajo de Zach Helm aquí; y les diré por qué: no está mintiendo. No es un guión que intenta hacer algo real de sus personajes; es sólo pura literatura y respeta esa cualidad. Pero esto no sucede sólo en conversaciones normales, también pasa en charlas acerca de literatura. Hay un claro conocimiento literario en el modo en el que el profesor Hilbert (un perfecto Dustin Hoffman) dice las cosas y se refiere a la vida; y ni siquiera estoy mencionando las obvias referencias a escritores y géneros.

Ahora que menciono géneros, me hubiera gustado clasificar a “Stranger than fiction” como una ‘hermosa tragedia’, pero lamentablemente no pude; hay un momento donde la historia se traiciona un poquito. Igualmente es una gran historia, y la dirección de Forster genera el clima perfecto; y la fotografía de Roberto Schaefer está tan bella como en “Finding Neverland”, con especiales conexiones de la luz con la historia que creo haber notado; y la música de Britt Daniel y Brian Reitzell es un compañero perfecto para la atmósfera del film.

Y Ferrell es el mejor galán principal. Aunque lo intentara con todo su ser, no podría impedirnos reír, pero su Harold está tan bien construído que aprendemos a quererlo en su torpeza. “Lo queremos”, como cuando él camina decididamente hacia Maggie Gyllenhaal y le dice: “La quiero”.

---8/10

Wednesday 24 October 2007

Will Ferrell: Comediante inteligente

Antes que nada, linda semana la pasada...Me gusta cuando lo a veces poco conocido se recibe bien...Por eso gracias!

Ahora...Ustedes no pueden negar que si hay alguien que la ha hecho muy bien en los últimos años, y en todos los aspectos, es el señor Will Ferrell. Es uno más de esos locos que hacían locuras en “Saturday Night Live”, pero sabemos que es el que mejor salió de allí.

Hay otros actores de “SNL” que han tenido suerte en la pantalla grande y hasta han hecho films de culto, pero nadie como Ferrell pudo posicionarse en un ‘status’ de celebridad y de comediante que hoy en día genera éxitos de taquilla y gana reconocimientos de la crítica y tiene dos nominaciones a los Globos de Oro.

Hizo de elfo, de hombre llorón en funerales, de modelo excéntrico y de bailarín sobre hielo…Incluso corrió desnudo por la calle, mejorando la calidad de películas que no hubieran sido lo mismo sin él…Se las recomendaré al final de la semana. Pero para empezar esta semana, una película que constituye el rol que marcó su carrera y que nunca será olvidado: “Anchorman: La leyenda de Ron Burgundy”, la historia de un periodista único e irrepetible.

La crítica de “Anchorman”, a continuación.

“Anchorman”

Esta película es graciosa, muy graciosa, y la razón principal es su elenco; con Will Ferrell en su mejor forma, como siempre (también co-escribió el guión). Hace de su personaje algo creíble, aunque siempre lo está sobreactuando. Le da a Burgundy el carisma y la ignorancia que necesita, y el buen corazón que demuestra tener…Me reí mucho viéndolo.

El elenco secundario encuentra el lugar en ésta pieza. Encuentro en Paul Rudd a un actor dotado. Me encantó en “The Shape of Things”, una de mis películas favoritas de los últimos años. Allí y aquí también, hace las cosas naturalmente. Christina Applegate es el personaje femenino importante, y quizá el único. Parece estar divirtiéndose, sobreactuando la mayor cantidad de escenas, pero haciéndolas graciosas (“Take me to Pleasure City”, divertido momento…anoten estos momentos para prestar atención durante el film). Steve Carell está bien pero con un personaje muy familiar al que hizo en “Todopoderoso”. Y en cuanto a David Koechner, bueno, no tiene mucho que hacer. Su Champ podría haber sido un mejor personaje.

Y tengo que decir que la pequeña aparición de Danny Trejo y los cameos de Vince Vaughn (lo tendremos pronto por acá), Tim Robbins, Luke Wilson, Ben Stiller y Jack Black fueron espectaculares!

De la dirección y el guión, debo decir que McKay y Ferrell hicieron toda la movida bien. Han trabajado juntos en “SNL” y se ve que saben lo que hacen. Se conocen, y pareciera que se divirtieron escribiendo esto…No tenía duda de que volverían a trabajar juntos cuando vi este film, y de hecho lo hicieron (en “Talladega Nights”). Les encanta hacer esto! La película tiene algunas escenas que alcanzan la estupidez. Quizá lo que estas personas trataron de hacer fue eso. Hacer el ridículo de ellos mismos, o por lo menos, de los personajes que interpretaron. Las escenas de las que hablo son las que te hacen sentir como un total tonto (“Afternoon Delight”, muy gracioso).

Podría describir muchas cosas más, pero no les quiero arruinar el paseo.

---7/10

Monday 22 October 2007

Richard…

Cerramos con Linklater…Esta es para Joa ;)

La crítica de “Tape” (tengo la peli, me la piden si quieren) , a continuación.

“Tape”

Richard Linklater es el hombre cuando se trata de pocas personas en un espacio concentrado y limitado. “Tape” es probablemente uno de los mejores ejemplos de su arte como director, pues no escribió el guión y sólo incluye tres personajes en el mismo lugar: un cuarto de hotel. Por menos de hora y media, Linklater lleva a estas personas al cielo, los arrastra al infierno y los lleva arriba y abajo por un rato más.

Ok, puede que exagere un poco, pero no tanto. La tensión y el inusual suspenso que encontramos en un cuarto chico en “Tape” es comparable al típico que encontramos en una ciudad en “Sexto Sentido”. Hablo del suspenso inusual que hace que te quieras comer las uñas porque te sentís tan nervioso como los personajes.

Basado en su propia obra teatral, el guión de Stephen Belber narra el encuentro que Vince (el regular de Linklater, y una vez más, ETHAN HAWKE) y John (Robert Sean Leonard), dos muy buenos amigos, tienen con Amy (Uma Thurman), acerca de algo que pasó años atrás, durante la secundaria. Vince es un drogadicto traficante, John un realizador de cine y Amy una fiscal…Lo voy a dejar hasta ahí.

El film tiene el look de una obra de teatro, pero es esencialmente un film. Esto es lo que Linklater nunca olvida cuando trabaja: que está haciendo películas. En un escenario teatral no se podrían obtener estas múltiples tomas e impredecibles acercamientos que parecen de amateur a propósito. Y es verdad que la magia del teatro es que no hay una segunda oportunidad si te equivocás, pero a decir verdad; “Tape” parece haber sido filmada sin pausa, o por lo menos Linklater nos hace creer eso.

Es un trabajo delicado por parte de Maryse Alberti y Sandra Adair, directora de fotografía y editora, respectivamente. El film cambia de tono constantemente y la cámara es el elemento principal presente para mostrarlo, mientras que la edición debe acompañarla. El modo en el que los personajes hacen preguntas atrevidas y levantan el tono de sus voces está mostrado correctamente en este atento trabajo técnico.

Las actuaciones son el centro de la pieza y, gracias a Linklater, son incuestionablemente de primera línea. Enojado e irónico, Ethan Hawke interpreta a Vince de manera exagerada que no es tan exagerada como para todavía parecer real. Robert Sean Leonard, que hizo una carrera decente luego de su éxito juvenil con “Dead Poets Society” (donde también aparece Hawke) y es ahora un actor respetable, construye un contenido retrato de un hombre poco confiable que está a punto de estallar. Finalmente, Uma Thurman se compromete con una actuación que combina belleza e inocencia con inteligencia y sorpresa de manera lógica. Hay algo especial en las actuaciones; en el modo en el que los personajes (especialmente Hawke) dicen palabras comunes como ‘que’ o ‘como’ o ‘por qué’, y esto aumenta el divertimento de la experiencia.

El título “Tape” viene de algo que el personaje de Hawke graba en un cassette. Verán que es y lo insignificante que parece; pero luego verán como Linklater y su dirección, Balber y su guión y su película se las arreglan para convertirlo en la cosa más importante del mundo.

---8/10

Friday 19 October 2007

Todo vuelve a ocurrir

Sabrán disculparme si la crítica de hoy hace referencia a muchos diálogos. Como les contaba en la crítica anterior, Richard Linklater es amante de la música del habla, y esta gran película, “Antes del atardecer”, es puro diálogo; sin parar, interpretado por dos actores: Ethan Hawke (otra vez!) y Julie Delpy.

De hecho, hay dos partes de esta película; la que veremos hoy y “Antes del amanecer”. No se alarmen, se puede ver esta sin haber visto la otra, y yo se las recomiendo altamente, más a los que aprecian el amor. Quizá la crítica revele algunas cositas acerca del film, pero nada que les impida verlo, y verlo placenteramente.

La crítica de “Before Sunset”, a continuación.

“Before Sunset”

Es verdad que cuando estamos viendo una película romántica siempre estamos esperando algo. No sé como llamarlo. Quizá se ha dicho muchas veces. Me refiero a finales como los de “Notting Hill”, “Como perder a un hombre en diez días”. Cursi, tal vez? No puedo decir, pero hay una cosa que hace la gente que realize estos films y que funciona. Manipulan un poquito las cosas para que terminen de cierto modo; y es encantador ver esos finales. Pero qué si no pudieran ser así? Qué si tuvieramos la posibilidad de ver algo real? “Before Sunset” nos da esa oportunidad.

Sabemos la historia y lo que le ha pasado a los personajes. Incluso aunque no la hayamos visto, la supones, porque es realmente obvia; lo muestran en sus acciones, que son normales. Qué haría alguien en la situación en la que están involucradas estas dos personas? Nada diferente a lo que hacen ellos. Sentarse en un café, hablar un poco…quizá mucho.

Nueve años han pasado desde la última vez que se vieron, y estaban enamorados. La cosa es que no sintieron el amor otra vez. Planearon verse en Viena luego de decirse adiós. Celine no pudo ir: “Era el funeral de mi abuela”, dice. Y le pregunta a Jesse si estuvo ahí. Él dice que no, pero cinco minutos después se retracta. Estuvo en Viena, y puso posters alrededor de la ciudad para encontrar a Celine porque podría haber llegado más tarde. Este tipo de cosas les están sucediendo en su encuentro. No dicen cosas porque no quieren ofender o ser ofendidos; pero saben esas cosas. Dicen la verdad, mienten; no saben como actuar porque probablemente pensaron que esto volvería ocurrí y que tal vez se aman.

Jesse ha escrito un libro que cuenta la noche que pasaron juntos nueve años atrás. Celine lo leyó y le dice: “Idealizaste esa noche. No hicimos el amor”. Jesse no puede creerlo; está seguro de que fue así: “Fue en el parque, a la noche”. Celine dice que no lo hicieron porque no usaron un condón; Jesse se acuerda del condón, y le cuenta. Se sienten avergonzados, pero la verdad ahí es que Celine recuerda la noche perfectamente y ha escrito una canción: un vals. Le toca la canción a Jesse en una ocasión y él está convencido de que es para él: “Le tocas ese tema a cada hombre que viene aquí y decís su nombre?”, pregunta. Ella dice: “Por supuesto, creíste que la había escrito para vos?”.

Muchas situaciones así ocurren con el pasar del día, y ellos caminan y caminan, y hablan. Hablan palabras reales escritas en un guión real acerca de gene real. Se dicen lo que han estado haciendo; sus trabajos, romances…Jesse está casado, pero no está seguro de estar enamorado; ve el amor que tiene por su mujer como respeto, admiración, y su hijo. Tiene un hijo, y lo ama, y qué? No le importa si ama a su mujer o no. Hasta le dice a Celine de los sueños que tiene cada noche, con ella: “En una hay un tren. Vos estás ahí y seguís pasando. En otro, estamos en la cama, vos embarazada, quiero tocarte y no me dejás, pero luego te toco y me despierto sudando”. Celine le pregunta más tarde: “Realmente soñaste eso o lo dijiste para poder acostarte conmigo?”, y él responde: “No, lo dije para meterme en tus pantalones”. Pero realmente tuvo el sueño. La verdad es que no pueden hacer mucho con estas situaciones; hay poco tiempo, y Jesse se va.

Ethan Hawke hace su personaje a la perfección. Todo viene naturalmente de él, no necesita esforzarse. Incluso las risas, que podrían parecer forzadas (o yo las quería ver así), también son naturales. Disfruta trabajando con Delpy, tienen química. Y Julie Delpy es una de esas luchadoras. Escribió el guión, quería hacer este film; actúa con pasión. Se ve.

Y después está el apasionado Richard Linklater; que dirige todos sus films con esa pasión, el tipo de pasión que muestra que un director realmente quiere hacer lo que está haciendo. La película es tan personal para él que la hace personal. Su cámara, en momentos, parece seguir a los personajes de atrás mientras caminan, uniéndose a ellos; como si él estuviera caminando también. Luego la cámara se mueve, no mucho, mostrando a los personajes de todos los ángulos para ver sus emociones. Son sólo dos personajes: es fantástico e íntimo.

En un momento, Celine y Jesse están hablando acerca de lo que harían si el día que están viviendo fuera el último de sus vidas. Deberían pensarlo con ganas. Porque podría ser su último día. O no.

---9/10

Thursday 18 October 2007

“La música del habla”

“Richard Linklater es un realizador enamorado de la música del habla, y debemos bendecirlo por eso”, dijo algún crítico importante ya tiempo atrás. Pensé que todavía no era el momento, pero Joa dijo que sí, que les presentara al gran Richard Linklater. Aprovecho para decirle a Ale que es muy bueno tenerlo de vuelta ;)

El otro día me peleaba con Matsan porque no quería comprender la definición de “cine independiente”…Bueno, en las tres películas que veremos esta semana, lo encontrarán demostrado por todos lados: bajos recursos, locaciones verdaderas, pocos actores y cámaras pacíficas sin muchos trucos. Eso es generalizando un poco, aunque Linklater, maestro/artesano americano del cine independiente (que también ha hecho films más taquilleros como “Escuela de Rock”), ha logrado transgredir varias de estas características.

Por eso las tres películas que veremos esta semana son muy diferentes y muy parecidas entre sí. Quizá el parecido es por esta “música del habla”,quizá por el estilo…Quizá no hay diferencia. Estoy convencido de que estas películas se pueden conseguir, así que por favor háganlo. Por lo menos esta primera, en Brandsen debe estar.

La crítica (una de mis mejores) de “Fast Food Nation”, a continuación.

"Fast Food Nation"

He estado criticando varios films acerca de problemas actuales últimamente. No voy a empezar a comparar otra vez porque estoy cansado y quiero mirar al cine como lo que es una vez más; un arte. Films políticos, mayoritariamente documentales, son realizados todos los días, para que la gente se de cuenta de lo que está ocurriendo a su alrededor. Tal vez quieran hacer algo luego de verlos o tal vez no, pero esta es la única manera en la que los realizadores se expresan y hacen declaraciones: presentando su arte.

“Fast Food Nation” ataca contra la industria alimenticia desde la primera imagen y créanme cuando les digo que lo hace sin piedad. Pasando por todos los eventos del best-seller de Eric Schlosser, la película hace sus acusaciones. Lo que ocurre para que esto pueda pasar es una loca e inigualable experiencia cargada de ironía y sarcasmo del mejor tipo de comedia, drama e incluso un poco de romance; todo respaldado por una perfecta y melodramática música (Friends of Dean Martinez). Pero no les contaré nada de que se trata.

Todo está hecho con arte en “Fast Food Nation”. La pieza de Linklater no es un documental sino una película, aunque tiene un ambiente de documental intencionalmente generad, nunca se olvida de esto. Sin embargo, eso no la hace menos arriesgada y valiente, mientras que la cámara muestra algunas horribles escenas de como son las cosas. Hay una urgente necesidad de sacarlo todo para fuera, evidenciada en cada aspecto de la película. Pero Linklater, aunque tomando un nuevo tipo de material y manera de trabajar, nunca falla en recordarnos su propio estilo.

Uno de los mejores directores contemporáneos ahí afuera, Linklater cuenta con todos los adjetivos positivos: innovador, inventivo, atrevido, diverso y confiado. Si mencionar que es también escritor y uno muy listo. Escrito por él mismo y Schlosser, el guión de “Fast Food Nation” da en las notas correctas siendo áspero y controvertido pero también entendible y creador de conciencia. Como es también usual con él, las conversaciones entre los personajes fluyen naturalmente.

Un director experimentado de pequeños pero concentrados lugares, Linklater se va a lo grande aquí, dándonos un gran número de personajes en lugares diferentes dentro de la misma historia. No me malinterpreten: esto no es la trama conectiva de “Babel” y “Crash”; es diferente. Y Linklater no falla en la tarea de manejar estos múltiples personajes, demostrando que su dirección de actores está intacta con un elenco de estrellas independientes, desconocidas, súper conocidas y hasta resucitadas.

El regular de Linklater Ethan Hawke (lo veremos toda esta semana) está encendido en una de sus más pequeñas apariciones de esta década, entregando las creencias más fuertes del film. Lo mismo pasa con Bruce Willis, mientras que Kris Kristofferson y Patricia Arquette están más retraídos pero no menos seguros. Wilmer Valderrama no consigue el acento mexicano, pero Catalina Sandino Moreno sí y brilla con poder dramático. Bobby Canavale obtiene la actuación de su carrera y Luis Guzmán es simpático. Paul Dano sigue por buen camino y Ashley Johnson entrega una relajada y sorpresiva interpretación; siempre estuve esperando verla luego de “Lo que ellas quieren”. Quiero mencionar que Avril Lavigne también está en la movida, como otros convincentes actores jóvenes que no conocía.

Último pero no menos importante, siempre hay un buen tipo. Tiene que estar ahí, viendo que todo está mal y queriendo hacer lo correcto. Este es Don Anderson, el personaje que maneja el film, interpretado por Greg Kinnear con una inteligencia tan precisa y peculiar que sólo él puede conseguir. Quiero tomar esta oportunidad para mencionar que creo que su actuación en “Little Miss Sunshine” fue fantásticamente discreta y genial y que la considero una de las más subestimadas de ésta década; más que el Harvey Pekar de Paul Giamatti en “American Splendor”.

Linklater no sólo pasa la prueba con el escenario más amplio, sino que también logra algunas de las mejores tomas de su carrera, con un número de cámaras perfectamente distribuido para cada escena, un par de hermosas tomas a larga distancia más completamente intensos acercamientos.

Si tuviera que elegir una palabra para describir “Fast Food Nation”, indudablemente sería ‘brutal’. Hace tiempo escribí un ensayo acerca de los chicos chiquitos usando celulares, diciendo si estaba de acuerdo o no. No estoy de acuerdo, pero recuerdo que puse: “No importa lo que pensemos, la industria ya ha demostrado ser más grande que nosotros; y no podemos hacer nada al respecto”.

---9/10

Saturday 13 October 2007

Superpelícula

Hay que reconocer que muchos de nuestros grandes placeres culpables vienen del Maravilloso Mundo de Disney. Por eso, para concluir esta semana voy a poner una película del estudio del señor Walt. Pero no es “Aladin” o “El rey león” (peliculón), es una película en persona que se llama “Sky High”.

Una buena película, pero más que todo un placer sumamente culpable. Vayan a alquilarla cuando puedan. HASTA LA SEMANA QUE VIENE, Y ACEPTAMOS SUGERENCIAS SOSPECHOSOS!

La crítica de “Sky High”, a continuación.

“Sky High”

Bienvenidos al mundo de Will (Michael Angarano), un adolescente cuyos padres (Kurt Russel y Kelly Preston) son los superhéroes más famosos del mundo y su mejor amiga Layla (Danielle Panabaker) es una superheroína en formación, sólo por su madre. Will debería ser natural; sus dos padres son grandes héroes. Sin embargo, no lo es; está a punto de entrar a la escuela de superhéroes y no ha encontrado su superpoder…Lo encontrará?

Se darán cuenta (como venimos diciendo bastante esta semana) que ya saben la respuesta, pero por favor no dejen de mirar “Sky High” porque es una “superpelícula”. Cuando Will finalmente va a la escuela, se enfrenta a un profesor que divide a los alumnos en dos grupos: héroes y ‘ayudantes’. Los últimos son las personas que ayudan a los héroes reales a hacer su trabajo; para esto tienen que aprender a usar aparatos que no representan poderes reales, y un profesor interpretado por Dave Foley les explica esto en una correctamente graciosa escena.

Pronto los chicos malos en la escuela fichan a Will y él y sus amigos ‘ayudantes’ deben defender su honor; se podría poner de esa manera. Muchas escenas de pelea muy bien filmadas aparecen en pantalla, dirigidas por Mike Mitchell en un modo que clarifica que los chicos son lo más importante acá. Desde el momento en que llegan al colegio, Mitchell juega con los poderes de los adolescentes; mostrando a gente siendo congelada en el medio del campus y a otros siendo atados a un poste.

De hecho, “Sky High” es más para chicos que otra cosa. Es ‘Disney no animado clásico’, escrito por Bob Schooley, Mark McCorkle (escritores de “Kim Posible” y esas cosas) y Paul Hernandez. No tratan mucho porque el entretenimiento honesto no lo requiere y porque, excepto por algunos intentos fallidos, Disney todavía es entretenimiento honesto: y yo soy un fan de Disney.

Siempre salgo decepcionado por las actuaciones en las películas no animadas de Disney, y déjenme decirles que “Sky High” es la excepción. A veces Disney pone gente que no expresa nada en pantalla, pero el casting de Allison Jones acá es de primera, sin mencionar las apariciones amables de Kelly Prston y Kurt Russel (lo podría ver en cualquier lado). Angarano es prometedor en el rol principal, mientras que los actores que interpretan a los ‘ayudantes’ resultan buena compañía.

Tenemos a una hermosa y talentosa mujer llamada Mary Elizabeth Winstead, que trata de robarse el corazón de Angarano y realiza un buen trabajo en ello. Winstead ha estado obteniendo roles en films como “Grindhouse” y “Bobby” estos días. Pero aún más hermosa y talentosa es Danielle Panabaker. Actualmente haciendo un gran trabajo todas las semanas en “Shark”, interpretó algunos papeles importantes en TV y aterrizó en la aclamada mini-serie “Empire Falls”, donde se sobrepasó. Sabe que roles elegir, y eso es importante para una actriz joven. Con suerte estará entre los grandes nombres algún día.

En “Sky High”, con la adorable música de Michael Giacchino que gana puntos extras y los efectos especiales, todo se ve demasiado bueno para ser verdad y es imposible no involucrarse en esta emotive fibula que te agarra del brazo y literalmente te lleva al cielo. Quizá fue porque estaba enfermo cuando la vi; pero había pasado un tiempo desde que pasaba un rato tan bueno.

---7/10

Thursday 11 October 2007

Seguir tu sueño

Les presento nuestro segundo ‘placer culpable’ de esta semana, una buena y de alguna manera irresistible película titulada “Gol!”.

La crítica de “Goal!”, a continuación.

“Goal!”

Se acuerdan de esa película con Emilio Estevez, “Los Patos”? Sí, esa donde Estevez era el entrenador y llevaba al equipo de hockey sobre hielo a la victoria, con un joven Joshua Jackson siendo la estrella y los verdaderos “Patos” prestando su nombre para ontener algo de publicidad. O se acuerdan de “Miracle”, algo parecido con Kurt Russel hace algunos años que no vi? Más específico, se acuerdan del chico que tenía un sueño y era imposible cumplirlo?

Si se acuerdan, bienvenidos a “Goal!”; si no se acuerdan, bienvenidos a “Goal!”. Películas como esta pueden verse desde diferentes perspectivas; la primera siendo la de saber que va a pasar y considerarlo tonto y predecible; la segunda siendo la de no saber y quedarse sorprendido.

Qué tal una tercera, siendo la de saber que va a pasar pero dejarse llevar, tratar de disfrutar el paseo y aceptar que podría ser una buena película después de todo? Arriba, mencioné “Los Patos”, porque es predecible y obvia, pero también porque se deja disfrutar y es una buena película.

Que podamos apreciar estas películas depende mucho en el modo en el que la historia está contada, y las situaciones de los personajes. Nuestro héroe aquí es Santi Munez (el talento mexicano Kuno Becker), un chico latino de buen corazón que vive el ‘Sueño Americano’ y divide su tiempo entre ayudar a su padre (Tony Plana) con el negocio de la familia y jugar en un equipo de fútbol. Es talentoso y, por supuesto, sueña con jugar profesionalmente el deporte que ama.

Luego, por supuesto (no es mi intención seguir diciendo la expresión, pero por un ratito), su padre no apoya la idea; ni siquiera cuando el importante Glen Floy (un simpático Stephen Dillane) dice que realmente podría darse. Por supuesto que el padre se ha roto el trasero para mantener a la familia luego de que su esposa los dejara, y por supuesto que cree que no hay futuro en un estúpido sueño de fútbol; pero por supuesto que siempre hay alguien dispuesto a ayudar, y la abuela Mercedes (Miriam Colon) lo va a hacer.

Lo que sigue lo saben más ustedes que yo, pero para nuestra suerte el director Danny Cannon está enamorado de sus personajes, de su historia y más importante, del deporte. Su cámara se mueve apasionadamente durante los entrenamientos de Santi con el DT Dornhelm (Marcel Lures), su relación amorosa con Roz (la increíblemente hermosa y extremadamente talentosa Anna Friel) y la vida de su familia en casa; todo sólidamente contado por un equipo de cuatro escritores.

Entonces el film es una posibilidad de propaganda para el Real Madrid y sus jugadores, es una oportunidad para que Kuno Becker, quien es realmente promisorio, se haga un nombre en la industria. Para mí es también (y no lo había mencionado) una muestra del gran talento de Alessandro Nivola. El actor es lo mejor del film y alcanza niveles dramáticos que no estamos acostumbrados a ver en estos tipos de films. Vale la pena ver la película solamente por él, pero hay mucho más; y funciona.

---7/10

Tuesday 9 October 2007

Placeres Culpables

El término “placeres culpables” es un término muy bonito. Se refiere a aquellas películas que no son grandes obras de arte ni tampoco pésimas muestras de cualidades cinematográficas; películas que tienen muchos lugares comunes y típicos elementos que conocemos de memoria.

Pero son películas que, para bien o para mal, se vuelven irresistibles. Por supuesto que es algo muy personal, y generalmente se refiere a las comedias románticas, pero esta semana reuní tres películas de tres géneros diferentes unidas por esa característica: la de ser placeres culpables.

Y era de esperarse igual, que la primera fuera una comedia romántica; y también es una de las primeras críticas que escribí. Por allá por el ’98; se conoció en nuestro país como “No puedo esperar”.

La crítica de “Can’t Hardly Wait”, a continuación.

“Can’t Hardly Wait”

Sí, sí. Es la chica, es el chico, es el loquito, es el nerd, es el o la popular, es la fiesta. Conozco todas esas cosas que de vez en cuando vienen con el paquete de una película adolescente. Pero este film es realmente una buena pieza. No puedo decir genial, pero tampoco puedo decir malo.

Acá, a diferencia de muchas comedias adolescentes, logramos conocer a los personajes; saber detalles y cosas de ellos, porque no son criaturas cómicas, no son de una sola dimensión…Me entienden? Siempre pasa que algunos personajes simplemente están ahí y no tienen mucho desarrollo, pero otros sí; y no es fácil crear bastante desarrollo en una noche solamente, porque solo hay una fiesta.

Este chico, Preston. Está totalmente loco por esta chica, tanto que cree que son el uno para el otro. Y tal vez lo son realmente. Y esta chica, Amanda, está tan atrapada en su mundo (no importa que mundo sea), que no está viendo hacia ningún otro lado. Y si mira, podría ser muy tarde. Jennifer Love Hewitt y Ethan Embry son más que perfectos para estos personajes; ella es hermosa y no necesita mucho esfuerzo para interpretar a Amanda, y él impresiona. En sus ojos podemos ver que lo han dejado de lado mucho tiempo. Embry le da una gran profundidad a sus personajes, aunque no tenga que. Me gustó en “White Squall” y lo entendí aquí.

El personaje Racional es Denise (Lauren Ambrose). Ella no quiere que nada pase pero ni siquiera lo ha intentado. Ambrose da simplemente la mejor actuación de la película; y Seth Green me hizo reír. Su personaje, Kenny, quiere que pase cualquier cosa, pero ha buscado mucho y necesita frenar un poquito. En cuanto a William (Charlie Korsmo), bueno, él es el personaje neutral; necesita algunas cosas nuevas en su rutina…Su vida ha sido la misma durante mucho tiempo. Muchas cosas podrían pasar en esta fiesta.

El resto del elenco está adentro y afuera, entrando y saliendo; hablando, recordando. Termina la secundaria, tiene que disfrutarse, creo.

Último pero no menos importante: está el destino…

---7/10

Sunday 7 October 2007

It’s all happening

Creo que el final de esta semana no necesita introducción.

Ah, FELIZ CUMPLE para Rachel McAdams, que ya la hemos honrado en este blog y hoy cumple añitos!

La crítica de “Casi Famosos”, a continuación.

“Almost Famous” (gracias a Quinito por la foto)


“Almost Famous” es tan increíble que no sé por donde empezar. Significa tanto para mí; personal, cinematográfica y visualmente…Significa tanto en lo que respecta a actuación y espectaculares interpretaciones, en lo que respecta a fantásticos guiones originales que vienen de la mente de una persona sin ser sacados de algo que ya conocemos.

Esta probablemente fue una de las primeras películas que me voló la cabeza. Cuando me estaba haciendo una idea de qué significaba el cinema y cuáles eran las buenas películas; esta me dejó impresionado por más de una semana. Lo mismo ocurrió luego con “Traffic”, “The Truman Show”, “Big Fish” y otras. Fue con este film que entendí que para que te guste una película tiene que significar algo para vos; además de algo para los que la hicieron y se involucraron en ella.

Significó algo para mí principalmente por la música. Fue durante los créditos principales escritos por una mano en papel que sentí algo, pero luego, cuando la hermana de William (Patrick Fugit) Anita (Zooey Deschanel) deja la casa para volverse azafata y le dice: “Mira debajo de tu cama; te liberará”, fui introducido a un nuevo mundo.

La mamá de William Elaine (una excelente Frances McDormand) lo crió a él y a su hermana prohibiéndoles el uso de malas palabras, haciéndolos religiosos pero más que todo sin dejarlos escuchar música rock. Todo esto cambia cuando William escucha “Tommy”, de Los Who a la luz de una vela. Unos años después está escribiendo artículos de rock y sabe lo suficiente como para hablar con el mejor crítico musical del país: Lester Bangs (el gran Phillip Seymour Hoffman).

Hablan por un rato y el crítico dice: “Me tengo que ir; no me puedo pasar todo el día hablando con mis fans”. Pero luego, con mucha inteligencia, una cámara muestra un restaurante, y todavía están hablando. Bangs le da al chico una tarea: escribir acerca de Deep Purple. El chico va al concierto en su ciudad y trata de entrar al backstage diciendo que es un reportero de “Creem”.

Sus múltiples intentos fallan y unas chicas que se están riendo lo llaman. Estas son las Band Aids, y ese es el momento en el film en el cual me enamoré de Kate Hudson. Interpreta a Penny Lane (aunque ese no es su nombre real), la chica que dijo que las mujeres deberían estar con los músicos por el amor al arte y no por el sexo y los viajes gratis.

La interpreta como una enigmática y misteriosa persona que en realidad está perdida y no sabe ni tiene otro lugar en donde estar. Y hablo, personalmente, de una de las mejores actuaciones que he presenciado en mi vida. Ésta lista personal de mejores actuaciones es corta, y la Penny Lane de Hudson está en ella, y se merecía un Oscar por ello; y muchos estarán de acuerdo.

Por como es la vida, William se queda solo afuera…Hasta que llega Stillwater, el chico usa su conocimiento musical y está adentro antes de que se da cuenta. Luego, antes de que nosotros nos demos cuenta, se olvida de Deep Purple, está de tour con Stillwater y escribiendo un artículo para la revista Rolling Stone que podría ser considerado para la portada; y William tiene sólo 15 años.

Durante el tour sentí lo que llaman el ‘buzz’. Es muy inspirador ver a la banda, cada uno de sus miembros, todo el tiempo con una guitarra en sus manos. A veces tocan juntos, a veces cada uno hace la suya. Había pianos y teclados en cada cuarto en el ponían el pie; había buenos y malos momentos en vivo; así como buenos momentos fuera del escenario y horribles peleas; quizá solucionadas simplemente cantando “Tiny Dancer”.

La música es el factor principal, mientras esta banda viaja por el país. Con todos los miembros de la banda logramos identificarnos, pero el que obligatoriamente resalta es el guitarrista Russell Hammond, interpretado increíblemente por Billy Crudup. El cantante principal es también importante y lo hace un Jason Lee de pelo largo, con las agallas de una persona de rock.

Momentos infaltables…La fiesta de Russell en Topeka y sus últimas palabras si fuera a morir (mejor no las digo), o el avión a punto de estallar y confesiones como: “Soy gay”. Todo esto perfectamente manejado por la mano de la pacífica cámara de Cameron Crowe y el fantástico guión que escribió volviendo atrás en su propia vida y experiencia similar. El hombre sacó lo mejor de Tom Cruise, eso ya es mucho: y “Almost Famous” es su legado; una gema y uno de los mejores films que he visto en mi vida.

---10/10

Thursday 4 October 2007

Los misterios de la belleza

Kate Hudson, la mujer más hermosa del mundo y una excelente actriz, es para mí razón suficiente para ver un film. Su interpretación de Penny Lane en “Casi Famosos” (ya dijimos que estará esta semana) es una de las mejores actuaciones que he visto en mi vida: Kate ha hecho drama, thriller, comedia y con este film que veremos hoy, misterio; no hace muchas películas, pero le dan papeles principales y entrega.

Como prometo lo que cumplo, les traigo “The Skeleton Key” (o “La llave maestra”) para que exploremos este lado de la hermosa mujer.

La crítica de “The Skeleton Key”, a continuación.

“The Skeleton Key”

“The Skeleton Key” es una pieza de increíble entrega y de increíbles preguntas; antes, durante y después de verla. En la última parte, increíble no significa bueno sino grande. Esta es una película muy original y también muy complicada, pero no es una de esas películas que tratan de ser buenas; es una película terminada donde todos los involucrados pensaron que la habían sacado bien. Yo no creo que lo hayan hecho.

Digo esto porque su director (Iain Softley) no es cualquier amateur; es un hombre con algunas películas encima y con un estilo definido. Me gustó “K-Pax”, su anterior película, pero no sólo su conmovedora historia, también los personajes en ella y las interpretaciones de los actores en sus roles. Softley es correcto dirigiendo actores.

Hudson intepreta a Caroline Ellis; una muchacha joven que termina trabajando en una casa vieja, cuidando del marido (John Hurt) de una mujer mayor (Gena Rowlands); quien luego de contarle la historia de la casa a la muchacha, le dice: “Ahora te vas a ir, como lo hicieron las otras”. Pero Caroline no se irá, no cuando le dan una llave maestra y encuentra algunas puertas misteriosas.

Estos son los tres personajes centrales y todo se desarrolla a su alrededor. La Caroline de Hudson está tan bien conseguida, tan palpable y real que podemos creer lo que hace y por qué lo hace, en una historia de este tipo que generalmente no es creíble. Rowlands encuentra un tono de voz al que tienen que prestarle especial atención; con 70 años todavía es capaz de crear diferentes dimensiones. Luego John Hurt, que es fantástico y ni siquiera habla!

Además de ellos, hay dos otras personas importantes, una siendo Luke (concebido con la naturalidad que sólo Peter Sarsgaard puede encontrar), el abogado de la vieja familia; y Jill (una muy molesta Joy Bryant), la mejor amiga de Caroline. Ambos parecen ser los únicos que ayudan a la muchacha, o aunque sea la escuchan, cuando todo parece estar mal.

Sí, hay un ‘twist’, y hace que nos hagamos aún más preguntas de las que nos estábamos haciendo mientras veíamos el film. Porque como dije, pensaron que la tenían bien, pero la escritora Ehren Kruger parecía tener el final terminado desde el principio. Sabía que era un final bueno, porque lo es, pero se debe haber olvidado de construir un camino correcto para llevarnos hasta él.

Esto causa múltiples repeticiones de escenas, largos ratos de espera para encontrar cosas que sabemos que van a aparecer. Estas películas deberían mantenernos atentos todo el tiempo; y “The Skeleton Key” me tuvo concentrado, sí, pero en Kate Hudson. Pudo haber sido mucho mejor.

---6/10

Wednesday 3 October 2007

La mujer más hermosa del mundo

Kate Hudson es increíble. Tiene este, es como que…Hace algo…Cautiva una especie de…Está tan viva y llena de alegría y es tan tremendamente talentosa que es una de las mejores actrices de su generación con 27 años y menos de 15 películas. Es tan hermosa (la mujer más hermosa del mundo para mí) y sexy…No le hace daño a nadie. La gente y los críticos la han criticado por elegir roles débiles luego de su nominación al Oscar (por la genial “Casi Famosos”, que veremos esta semana).


Veamos: interpretó a una de las mujeres de Richard Gere en “El doctor y sus mujeres”, de Robert Altman; fue el dulce elemento femenino al lado de Heath Ledger en el drama “Las cuatro plumas”; hizo de “Como perder a un hombre en diez días” algo interesante con su inteligencia; le dio a “Alex & Emma” vida con sus múltiples personalidades; hizo que Naomi Watts se notara poco en “Le Divorce”; elevó “La llave maestra” (la veremos esta semana) con sutileza, y con este film, “Raising Helen” (“Educando a Helen” en nuestro país) hizo que me volviera a enamorar; porque no fue ahí cuando me enamoré por primera vez.

La crítica de “Raising Helen”, a continuación.

“Rasing Helen”

“Raising Helen” es uno de los intentos más recientes del director genio de la comedia, Garry Marshall, en hacernos pasar un buen rato. Créanme que cuando digo Garry Marshall estoy diciendo buen rato. Marshall trajo a algunos de sus regulares a este paseo: Hector Helizondo es parte del juego como un vendedor de autos con mucho estilo; y Larry Miller trae la diversión como un soltero rico que compra uno de esos autos. También hay una claramente desperdiciada Helen Mirren.

El elenco principal es una muy delicada pero adecuada selección de actores considerando a los personajes. John Corbett es casi el protagonista más normal que se puede conseguir, y provee una simpleza que encaja perfectamente con la línea del film. Joan Cusack; últimamente no encuentro su trabajo entretenido, pero Marshall le dio el rol de la hermana de Hudson, y Cusack le sacó el mejor provecho.

Los chicos (en orden de edades): Hayden Pannetiere; la vi en “Joe Somebody” y luego en “Racing Stripes”, todavía tierna y prometedora para su edad (pueden ver en “Héroes”); Spencer Breslin, el chico de “The Kid” y otros films recientes; su voz y expresiones son singulares; Abigail Breslin, la hermana de Spencer antes de “Little Miss Sunshine”…Simpática como ella sola.

La historia de Patrick J. Clifton y Beth Rigazio es sentida y el guión de Jack Amiel y Michael Begler pone las palabras correctas en su lugar. Clásicas situaciones como la relación romántica entre los dos protagonistas son dejadas un poco de lado, entonces la película no es sólo una comedia romántica, pero la historia de una familia. Sin embargo, la comedia viene de todos lados, y el guión presenta diferentes líneas de la trama que hacen de la película algo más largo que el típico film de este tipo; pero de alguna manera las películas de Gary Marshall pueden ser largas pero no agotadoras.

Pero luego Kate Hudson; quizá ella es el elemento que hace a la película entretenida por dos horas. Su personalidad y su poder de convicción hacen de las típicas discusiones de amor algo creíble; su emotividad nos pone en una trampa; sus dones son incansables y su presencia es única…Su sonrisa ilumina la pantalla.

---7/10

Tuesday 2 October 2007

Cine en Roca

Si hay una debilidad que tengo, además de ser fanático de la comedia romántica, es la de ser fanático del cine argentino. Por qué? Porque quiero a mi país, o porque la verdad es que hay cosas interesantes que algunas personas no se animan a ver… "Una argentina”, dice, por ejemplo, el Matsan descartándola por completo.

“Hay excepciones”, me decía Enzo el otro día. “Nueve Reinas”, suponía yo; entre otras cosas a las que se refería Enzito, por supuesto. Pero la realidad es que hay mucho, mucho más; pero hay que estar dispuesto a buscarlo y verlo.

Por eso antes de proceder a nuestro nuevo tema semanal, hago una pausa y les recomiendo que vean “Tocar El Cielo”, de Marcos Carnevale; película nacional que está ahora en el Cine Paradiso de Roca. En Neuquén está “La señal”, pero no puedo recomendarla; lo bueno está acá, aunque no es lo mejor.

Puede que no les guste, porque está lejos de ser perfecta, pero vallan…Lo máximo que pueden perder son unos pesos.

La crítica de “Tocar el cielo”, a continuación.

“Tocar el cielo”

Viendo dos films de Marcos Carnevale se pueden empezar a sacar coincidencias y características que identifican el trabajo de un director. Lo que Carnevale hace es muy interesante, porque apunta directamente al corazón. Falla algunas veces, como lo hizo con “Elsa y Fred” (su anterior película), porque se vuelve muy común y poco realista; pero “Tocar el cielo” es un paso positivo en su carrera, aunque no su mejor.

En otro guión escrito por él y otros compañeros, Carnevale arriesga en grande, con una película coral en dos países y con personajes de todas las edades, dejando de lado la única relación con la que lidió en su anterior esfuerzo; que se desarrolló en un país y con menos personajes. Arriesga también con otras cosas, como mostrar el título de la película diez minutos luego de que comienza.

Es difícil explicar de que se trata “Tocar el cielo”…Tienen que verla porque le demanda atención al espectador; está definitivamente sobrecargada y las líneas de la trama son complejas, con muchas lecturas y simbolismos de varios tipos pero no hay que entenderlos todos y pueden disfrutar la película sin hacerlo.

Es bueno tener tanto? No en el caso de este film, porque Carnevale no ha perfeccionado el arte de ‘conectar’ y algunos cortes en negro se sienten desubicados. La intención es lo que es bueno, y “Tocar el cielo” nunca deja de conmover, en ese modo peculiar de la poderosa forma de escribir de Carnevale que nos recuerda a los mejores clásicos de Hollywood de los últimos años. Pero incluso cuando tiene mucho de Hollywood (hay una escena donde un personaje tiene que pedir perdón y lo hace con cosas escritas en su remera, como los carteles que le daban a Keira Knightley en “Love Actually”) y gran parte de ella ocurre en España, “Tocar el cielo” se siente más Argentina que otra cosa.

Quizá es la música única de Lito Vitale, o la hermosamente acentuada pequeña aparición de China Zorrilla con la que instantáneamente nos identificamos, o quizá es la comunicación de Carnevale con Juan Carlos Gómez, cuya cinematografía está más sólida que nunca cuando se trata de contemplar cosas de lejos (todavía necesita trabajo en escenas de conversación).

También hay algunas actuaciones (además de la de China) que cualquiera apreciará aunque no les guste la película. La tercera participación cinematográfica de Facundo Arana es su mejor y las buena noticia es que puede serlo más aún; el excéntrico profesor de literatura de Chete Lera se roba el show y la ternura de Betiana Blue se gana cada corazón; lo que es, repito, el objetivo de Marcos Carnevale al dirigir y que podría ser mejor conseguido si estuviera más cerca de la realidad.

En “Elsa y Fred” se podían ver parejas de viejitos disfrutando del paseo; aquí deberían poder verse familias enteras apreciando el amor por la vida que tiene la película. Porque deberíamos aclarar esto ahora: Carnevale no está haciendo más televisión, está haciendo cine.

---7/10