Friday 31 August 2007

Cuando todo cambió

No importa lo que hizo antes ni lo que haya hecho después, Billy Crystal siempre será recordado por su papel en la icónica comedia romántica “Cuando Harry conoció a Sally”, junto a Meg Ryan; y eso lo hace entrar automáticamente en la categoría de galán.


Ha hecho otras películas (comedias) muy buenas y es un muy buen comediante, pero ese papel de Harry lo ha perseguido siempre. Cabe destacar que cuando Crystal decidió dirigir un film por primera vez, eligió una comedia romántica; pero esa no es la que veremos hoy.

La crítica de “When Harry met Sally”, a continuación.

“When Harry met Sally”

Cada vez que escucho algo de él, me pregunto; qué le pasó a la carrera de Rob Reiner? Qué le pasó a ese hombre que podía dirigir cualquier género? El hombre que nos hizo llorar en “Stand by Me” o nos asustó en “Misery” está hoy fuera del foco. Vi sus últimos filmes, “Alex & Emma” y “Rumor has it” (que intenté tolerar por los actores que los protagonizaban) y es vergonzoso que los promoviera diciendo “del director de…”.

El director de “When Harry met Sally”, ésta película, la comedia romántica y la película más exitosa de Reiner hasta el día de hoy y ya un clásico probablemente; por la famosa escena de Meg Ryan y por su carisma general. Créanlo, todo es color de rosa en este film, y la historia romántica propone algo que todos han experimentado. En algunas maneras me recordó a “The mirror has two faces”, pero la relación de esa pareja era totalmente diferente.

Aquí hay dos personas en sus veintes, viajando a Nueva York para una mejor vida, discutiendo acerca de las cosas que piensan, hacen y esperan de su futuro, y demás. Estas escenas en el auto viajando a Nueva York podrían ser extremadamente aburridas, pero la guionista Nora Perón (quien escribiría para Meg Ryan nuevamente en “Tienes un e-mail”) las hace muy interesantes. “Cómo no te asusta la muerte?”, Sally le dice a Harry, y el responde: “Simplemente estoy preparado, cuando leo un libro siempre leo el final primero en caso de que muera y no pueda terminarlo”.

Años más tarde ese viaje es historia, y ambos tienen varios encuentros a través de los años. Ella pretende que no lo reconoce, pues ella lo recuerda perfectamente. Ella estuvo realmente cautivada por él en ese viaje pero nunca se lo dijo. Por el otro lado, él pretende ser casual, pero no la ha borrado de su mente; luego de más de una década! Pronto empiezan a salir, a decirse todo, y se vuelven mejores amigos; pero si ustedes lo vieran en la calle no dudarían en pensar que son pareja.

Por qué no confiesan sus sentimientos? Tienen que ver el film para averiguarlo; tienen que presenciar lo que ocurre, como ocurre y más que nada por qué. En nuestro tiempo real, Rob Reiner hizo esa pieza hace más de una década, y la dirigió con simplicidad y honestidad. Sin saberlo nos trajo también uno de los primeras finales climáticos en una comedia romántica; esos donde el tipo declara su amor en los últimos minutos, en un poderoso y conmovedor discurso final, ya saben.

Pero con lo que la pegó en realidad fue con el elenco. Sí, juntó a dos actors que adquirieron una química única en una película que la necesitaba por completo. Billy Crystal, mostrando esa manera de hablar que es sólo de él y una marca para cualquier buen comediante. Rob Reiner lo ayudó a convertirse en la superestrella cómica en la que ya se estaba convirtiendo. Y Meg Ryan estará siempre agradecida por esta oportunidad que mostró su belleza inusual, talento natural y todas las otras cosas que la harían la reina de la comedia romántica.

---7/10

PD: Voy a estar viajando mucho esta semana que entra (otra vez), así que mañana les dejo un videito del último concierto que hice en Venezuela...El que lo disfrute corra la voz, a ver si lo ven todos ;)

Thursday 30 August 2007

Irresistible

John Cusack es un actor al que la frase “las apariencias engañan” le queda como anillo al dedo. Al verlo, uno cree que tal vez sea un poco flojo y con poco carácter…Hasta que ven por casualidad o recomendación una de sus películas y se dan cuenta de que es lo contrario.


Cusack saltó a la fama con “Say anything” y su papel más conocido es en otra comedia romántica; “Alta fidelidad”. Hoy lo tenemos en un film junto a la Gran Diane Lane: “Must Love Dogs”, traducida como “Se busca pareja”.

La crítica de “Must Love Dogs”, a continuación.

“Must Love Dogs”

El título del posteo hace referencia a una referencia (valga la redundancia) hecha en el film que Sarah-en realidad su hermana-pone en PerfectMatch.com para encontrar una pareja y empezar una nueva vida luego de estar divorciada por ocho meses. Sarah está interpretada por Diane Lane con el carisma que sólo existe en una actriz maravillosa y la cantidad de timidez que se necesita para este tipo de roles. Sólo hace algunos años nos dejó sin aliento en “Infidelidad” y un año después inspiró a mujeres y a nosotros los hombres en “Bajo el sol de Toscana”. Es una actriz a la que no se le puede decir que no.

Así también es John Cusack, si hablamos de hombres. Su confianza y naturalidad y selectiva elección de roles lo hacen un actor que vale la pena ver. Demostró que no era sólo material de comedias románticas con dos buenas actuaciones en “Tribunal en fuga” e “Identidad”. Con este film volvió a suelo seguro, interpretando a Jake, un constructor de botes divorciado que filosofa acerca de la vida, las relaciones amorosas, teorías y posibilidades. Tiene esa vieja buena mirada en su cara.

Cuando él y Sarah se conocen por primera vez, no tienen idea de lo que están hacienda. Él está con un perro que no puede controlar y ella con un perro grande. “El perro no es mío”, dice él. “Entonces viniste aquí falsamente”, le dice ella. “No, el aviso decía que debe amar a los perros; no que debe tener perros: Yo sí amo a los perros”. Pronto, Sarah revela que el perro con el que está no es de ella tampoco; y sentimos la química entre los personajes.

La historia es la que sabemos de memoria, y la cualquiera debería esperar al ver filmes como éstos; porque si no ni los veríamos. Los encuentros de Sarah y Jake ocurren con varios resultados que incluyen una búsqueda nocturno de un preservative y una charla honesta que hace que Sarah se de cuenta que podría conocer más de este hombre que de su marido. Hay otro hombre en la movida, Bob (el mismo Stallone, Dermot Mulroney), padre de uno de los estudiantes de Sarah, que parece fascinante y también quiere ganar su corazón.

Sarah está apoyada por su familia; todos insisten en que el hombre correcto para ella está ahí afuera y que necesita buscarlo. Ellos están caracterizados por un muy vívido elenco de leyendas y talentosos actores. Christopher Plumier hace a Papá Bill con todos sus trucos, Elizabeth Perkins interpreta a la Hermana Carol, Ali Hills hace de la Hermana Christine y una agraciada Stockard Channing es la pareja de Bill, Dolly. Jake tiene a su mejor amigo Charlie, un fanático del sexo en la piel de Ben Shenkman.

La película fue dirigida por Gary David Goldber, quien también escribió el guión basado en una novella de Claire Cook, con muchas líneas hermosas y momentos conmovedores. Es visualmente correcta y no deja nada que desear. Ahora es cuando hablo de por qué el film no es perfecto y porque hubo cosas que me disgustaron cuando lo considero bueno.

Cuando la música con los violines empieza, si saben de que hablo, van a decir: “No otra vez”. Aquí, me dejé llevar…No pude evitarlo. No sé, me sentí igual acerca de “Bajo el sol de Toscana” cuando la vi, pero tenía a Diane Lane. “Must Love Dogs” tiene a Diane Lane y un par de elementos más que hacen a la película simplemente irresistible. No lo discutamos

---7/10

Monday 27 August 2007

Galanes clásicos

Chateando el otro día y sin darse cuenta, mi amiga Soledad me dio una muy buena idea. Me decía que si me gustaba Hugh Grant; que si había escrito críticas de sus películas…Le respondo: he visto la mayoría de películas desde que adquirió ‘status’ como galán, pues hay una larga carrera antes de eso que muy pocos (yo incluido) conocen.


De estas últimas, para mí resaltan la muy buena “Notting Hill”, la demasiado inglesa “Cuatro bodas y un funeral” y su mejor actuación (además de una película que recomiendo muchísimo), “Un gran chico”. También a Soledad le agradezco, porque como Hugh Grant es un galán, de ahí parte el concepto para esta semana.

Tres “galanes clásicos” veremos esta semana, de los cuales el más conocido es Grant. Actores que, aunque han hecho muchas cosas, son más recordados o reconocidos por la gente debido a comedias románticas donde naturalmente se destacan. Hoy, de Hugh Grant, “Love Actually” (“Realmente Amor”), la excelente comedia romántica del genio Richard Curtis.

La crítica de “Love Actually”, a continuación.

“Love Actually”

Hay filmes que uno ve y encuentra muy bonitos; pero que sólo al verlos por segunda vez, les descubre la magia que contienen, el carisma y por sobre todas las cosas, la calidad en su género. “Love Actually” es una de esas películas; es encantadora y muy buena como película, pero excelente como comedia romántica.

Aunque nadie lo admite, el género de la comedia romántica está bastante subestimado, o en otro caso, dejado de lado. Quiero decir que no hay comedias románticas que sean consideradas como películas en sí, son más que todo entretenimiento y diversión por un rato; pero yo, como fan del género, encuentro más difícil desarrollar un guión dentro de estos términos que escribir una película de acción, o por el otro lado un drama (“es más fácil hacer llorar que reír”).

Especialistas para esto son personas como Richard Curtis, quien estuvo recolectando éxitos como escritor en las últimas décadas y con éste film tuvo la chance de dirigir, por primera vez, lo que es el más delicioso de sus relatos. Olvidé confesar que prefiero el drama a la comedia romántica, pero por las variaciones que uno puede encontrar. Los escritores dramáticos (y esto es fácil) toman cosas de cualquier parte de la vida diaria y lo convierten en historia.

En cambio, como dije recién, las ideas en el campo de la comedia se están agotando. Las tramas no cambian mucho y a veces nos encontramos viendo lo mismo, especialmente en la comedia romántica. Pero como decía, Richard Curtis conoce su tema, como comenzará y terminará; la cosa increíble de sus guiones es lo que pasa en medio de eso. Como nos hace llegar a ese satisfactorio momento final es lo que dice todo de él. Ya lo ha probado, creando diferentes impactos emocionales en películas como “Notting Hill” o “El diario de Bridget Jones”, que podrían haber sido exactamente iguales.

Y es luego de más de diez años que agarra la cámara con su mano. Quizá sintió que lo necesitaba, o quizá se dio cuenta de que tenía que tomar posesión de las vidas de sus personajes. Porque en “Notting Hill” y “Bridget Jones” los personajes centrales eran dos en una relación o en un triángulo amoroso, y todo era más reducido; pero en “Love Actually” no hay ni dos ni tres, pero una docena de personas, que en algunos casos ni se relacionan, aunque están unidos por un mismo vínculo: amor, que realmente está en todos lados.

Desde eso, nos volvemos testigos de los sentimientos más profundos de los corazones de estas personas y mediante las palabras y el soberbio liderazgo de Curtis, y las interpretaciones de Hugh Grant (nunca debería cambiar lo que hace, es un experto), Colin Firth (sigue creciendo en terminus románticos), Emma Thompson (siempre talentosa), Alan Rickman (increíblemente gracioso), Laura Linney (buena en cualquier cosa), Martine McCutcheon (una revelación), Bill Nighy (de otro mundo), Keira Knightley (todavía divina y prometedora) y Liam Neeson (nos recuerda lo que es la pasión por el trabajo), más un excelente ensamble; entendemos, como un amigo mío dijo, que debemos luchar por lo que amamos, sin miedo y en contra de todos los obstáculos, y que por amor…Nada es imposible.

---8/10

Friday 24 August 2007

“Aquí hay una historia…”

Esas son las primeras palabras de la película “Jarhead” (“Soldado anónimo”), y son pronunciadas por Jake Gyllenhaal, en una voz en off que narra la historia del film. Este film no es nada del otro mundo; yo no les escribiría que no se lo pierdan por nada.

Eso sí, lo tiene que ver cualquier persona a la que le guste un poco Jake Gyllenhaal; ya verán por qué. No sé si se habrán dado cuenta, pero esta semana tuvimos tres filmes donde la influencia del director es fuerte; eso no pasa todo el tiempo. Con esta película cerramos la semana, ojalá la hayan disfrutado.

La crítica de “Jarhead”, a continuación.

“Jarhead”

Hubieron momentos en “Jarhead” donde dije: “Que increíble película”. Dije lo mismo durante momentos de “Belleza Americana” y “Camino a la perdición”, pero en su totalidad, ninguna de las películas de Sam Mendes es increíble. Son tres trabajos de excelente cinematografía y actuaciones, de eso no hay duda; pero siempre falta algo. No sé como explicarlo exactamente; quizá es como “Munich”…Que se ve demasiado perfecta para ser perfecta.

Pero yo creo que en las películas de Mendes hay un problema de emoción. Tantos personajes en todos sus trabajos, tantos momentos emotivos, pero ninguna emoción pasada al que está viendo el film. Nada que el espectador pueda sentir (al menos yo no puedo), sólo una cantidad de frialdad en un mundo muy hermoso, sólo personajes bien parecidos que viven cosas malas que normalmente uno no esperaría que les pasaran.

“Jarhead”, la palabra, como Anthony Swofford explica en una típica narración de una pieza de Mendes, es un nombre que la gente usa para hablar de un ‘Marine’. “Jarhead” la película es, aparentemente, las verdaderas experiencias de Swofford (un Marine) en la guerra de Kuwait. En un guión precisamente adaptado por William Broyles Jr que incluye más y más narración, este Marine vuelve atrás y nos cuenta que hay cosas que puede decirnos y otras que no.

Interpretado por Jake Gyllenhaal en su mejor actuación, Swofford revela su personalidad mediante su habla, y aparece instantáneamente como un tipo sardónico e impredecible, usualmente positivo y desinteresado. “Volveremos antes de que puedas sacar esas nueces de tu sistema”, le dice a otro soldado en el avión que los lleva al desierto; se quedaron por mucho más tiempo.

En la Guerra Swofford conoce a sus amigos soldados: algunos latinos, un cowboy (Lucas Black), algunos desencajados, algunos sentimentalistas y Troy, un hombre desconcertante interpretado naturalmente por Peter Sarsgaard (ese naturalmente tiene dos significados; porque es un personaje que le queda perfecto y porque es uno de los actores más naturales de su generación). Todos discuten acerca de las chicas que dejaron en casa y acerca de la familia que quieren tener…Swofford también conoce al sargento Sykes, quien, para nuestra fortuna, no es el típico ‘hombre que les cambiará la vida a los soldados’ que siempre aparece en estos filmes; y está caracterizado por un inefable Jamie Foxx.

Los días vienen y van mientras que Swofford describe cada actividad llevada a cabo en el campamento, y luego como debe ser, los soldados van a pelear. Ustedes saben lo que pasa en las películas de guerra todo el tiempo, bueno, “Jarhead” se para en el medio; sin tantas secuencias de acción y sin mucho desarrollo de personajes y relaciones. La cinematografía sin embargo, como dije, es soberbia. Hay un momento de completo silencio y contemplación donde luego de estar frente a una perturbadora vista, Gyllenhaal camina en el desierto…Sus huellas en la arena y la visión de él son poesía fotográfica pura; y dije “que increíble película”.

La razón por la que ésta es la mejor actuación de Gyllenhaal es porque le da a “Jarhead” lo que más le falta: emoción. Hace tantos esfuerzos por traer un poco de sentimiento verdadero a un plato que no lo contiene; y triunfa. Y también lo intentó Kevin Spacey en “Belleza Americana”, y Tom Hanks en “Camino a la perdición”; y también triunfaron. Es contradictorio que Mendes haya dirigido a estos actores de este modo y no haya podido darle la misma dirección a sus películas.

---7/10

Wednesday 22 August 2007

Privilegiado…

Ahora que hemos visto un film que marcó un paso importante en la carrera de Jake Gyllenhaal, veámoslo en la producción más importante en la que ha tomado parte. Créanlo o no, esto es reciente de este año; y es “Zodiaco”, la última película de David Fincher.

Aunque cuando se habla de Fincher (“Seven”, “Fight Club”), sería mejor hablar de una pieza, pues debe ser un privilegio para cualquier actor el trabajar con este artesano. Con su corta carrera, Gyllenhaal es un privilegiado, y junto a un elenco de lujo, participa de este film que está entre los más importantes del año.

La crítica de “Zodiac”, a continuación.

“Zodiac”

Siento como si toda mi vida hubiese pasado en frente de mis ojos en dos horas y media. Muchas películas cubren varios años de las vidas de sus personajes (“The Shawshank Redemption” es un perfecto ejemplo que me viene a la cabeza), pero pocas lo hacen tan vívidamente como “Zodiac”; la historia de un asesino serial que aterró a la policía y a la prensa por treinta años. Si necesitan saberlo, el caso no ha sido resuelto todavía.

Lo que acontece en “Zodiac” es eso: muchos años. Algunos de los personajes realmente parecen envejecidos conjunto con las fechas que vemos en pantalla y otros se ven iguales, pero en un punto esto deja de importarnos porque estamos completamente envueltos en la historia. No diría que la película se mueve rápidamente, pero definitivamente se mueve con fuerza; es, como “Letters From Iwo Jima”, una pieza de impacto instantáneo y una pieza de director en todos los aspectos.

Si han visto un film de David Fincher antes, pueden esperar sentirse confundidos; así que no se quejen si “Zodiac” es un poco desprolija y difícil de seguir; pero no es “The Game” o “Fight Club”. Esos dos filmes también me sorprendieron justo al terminar, pero no las recuerdo completamente hoy. Quizá “Zodiac” es la película de Fincher que más se quedará conmigo; quizá es su obra maestra, y si no han visto ninguno de sus filmes, es un buen lugar para empezar.

Sería justo decir que es el desarrollo del caso lo que es difícil de seguir, pero afortunadamente esa es una de las cosas en la diversidad que “Zodiac” tiene para ofrecer. De hecho, que la ‘investigación’ no lo sea todo, es una de las bellezas del film. Fincher sabe que hemos visto muchas películas de misterio donde el caso es lo principal y donde el espectador debe trabajar para resolverlo (“Los Sospechosos de Siempre es un perfecto ejemplo que me viene a la cabeza), entonces acelera el proceso dándonos resoluciones cambiantes pero fáciles de entender.

Sé que es contradictorio…Es un proceso desorganizado con respuestas simples, pero es la elección del director; y lo perdonamos porque nos provee mucho más. “Zodiac” no es sólo la historia de asesinatos siendo resueltos; es una ‘pieza de personajes’ de la naturaleza más inusual. No es sólo acerca de policías y reporteros haciendo su trabajo; es acerca de trabajadores aburridos de la rutina, deseando algo excitante y de trabajadores frustrados porque no pueden tener éxito en lo único que hacen.

La primera de estas explicaciones se refiere a dos de los personajes principales: Paul Avery (un Robert Downey Jr sin fallas); un reportero con muchas agallas y un gusto por el alcohol, y Robert Graysmity (un no tan convincente Jake Gyllenhaal, al menos luego de haberlo visto en “Jarhead”-mañana tendremos la crítica-); un dibujante que escribió el best-seller en el que el film está basado. La última explicación se aplica a Bill Armstrong (Anthony Edwards) y a Dave Toschi (el gran Mark Ruffalo: fenomenal); dos policías entregados al caso pero sin la chance de cerrarlo.

Hablando de premios (sé que al Matsan le gusta eso), este no es el film del año; pero es el tipo de film que por su naturaleza podría manotear una nominación del SAG por mejor elenco: además de los protagonistas tiene a Chloe Sevigny, Brian Cox, Phillip Baker Hall, Donal Logue, Clea Dubai, Adam Goldberg…Nada mal. Y quizás Guión Adaptado en algún lado; no sé.

Personalmente, creo que ésta es una de esas piezas donde el director es crucial; y me alegraría ver una nominación al Oscar “a lo” David Lynch con “Mulholland Dr.”; porque creo que David Fincher debería haber tenido una ya…Pero eso es solamente mi opinión.

---8/10

Tuesday 21 August 2007

Ese hombre de cara aniñada

Hablemos de Jake Gyllenhaal, un actor de 27 años con un puesto privilegiado en Hollywood. Para los faranduleros, el tipo es un novio de Kirsten Dunst. En cuanto a los cinéfilos, para muchos, Jake Gyllenhaal es simplemente “El niño de la burbuja”, para otros es “Donnie Darko” y para la mayoría es ese vaquero que le abrió el paso para una nominación al Oscar en una película que no vi.


De cualquier manera, Gyllenhaal no suele interpretar papeles que lo encasillen, lo que es bueno porque es un muchacho muy apuesto y con ojos que hacen difícil la creencia de cualidades actorales. Si es un buen actor o no, depende de cada uno. Yo lo he visto en muchas películas; en algunas me ha parecido muy flojo, en otras sólido y en una sola me ha parecido espectacular.

Esta semana veremos algunos de sus filmes más recientes; comenzando por la taquillera “El día después de mañana”.

---Pido disculpas de parte del Goncha, que no ha podido continuar con sus ‘niños’ debido a asuntos escolares…Con suerte lo tendremos de vuelta con nosotros muy pronto.

La crítica de “The Day After Tomorrow”, a continuación.

“The Day After Tomorrow”

Nos llegan más y más “películas de desastre” (término: ejemplos; “El día de la independencia”, “Impacto profundo”) cada año. En realidad a mi no me importan ni la mitad de ellas, pero de vez en cuando, una súper producción cuesta millones y hay que verla. Hace unos años, “El día después de mañana” fue esa súper producción.

Estas películas no se ponen tan salvajes como ésta. El director alemán Roland Emmerich hace un gran esfuerzo para mejorar su estilo cada vez que hace una nueva película. Los filmes que dirige no siempre están preparados para ser ‘arte’, pero el hombre se toma el trabajo en serio, y se puede ver que las películas son suyas; incluso cuando no las escribe. Se compromete completamente y consigue niveles visuales que van más allá de la imaginación. Se encarga de pequeños detalles, como no mostrar lobos animados por computadora de cerca, así se ven lo más reales posibles.

Lamentablemente, no he visto ninguna película buena bajo su dirección; aunque nunca terminé de ver “El Patriota” y me estaba encantando. Y sí, la especialidad de Emmerich son las películas de desastre. Hay un gran dilema con las películas de desastre, pues tratan incansablemente de mezclar acción y, bueno, desastre, con emoción. Funcionó para mí con “Daylight”, una película que fue un antes y un después en el género en mi opinión (y una de las mejores actuaciones de
Sylvester Stallone). Por qué? Simplemente porque su único cliché era el ‘desastre’; y ese es el mejor cumplido que se le puede dar a un film de este tipo.

Ahora la cosa es; Roland Emmerich podrá saber mucho acerca de desastre, pero no sabe nada de drama. Como probablemente ha hecho antes, revisa el libro de los clichés así puede brindar algo de sustancia en lo que peor hace. Lo que recibimos de él en esta ocasión es una blanda relación de padre-hijo, con matrimonios separados, un padre que trabaja constantemente y no tiene tiempo para su hijo. Sin embargo, cuando el padre llega tarde u olvida cosas, el chico lo perdona…El chico lo ama, y ama a una chica, y tiene un amigo…Y los tres van a New York para un concurso, pero Jack (el padre) está trabajando con el profesor Rapson y descubre que la nueva era de hielo está llegando (y ustedes saben como sigue)…

En otro elenco con las estrellas del momento, el padre está interpretado por Dennis Quaid; quien ha estado escalando desde “The Rookie”. He escuchado que ha estado haciendo lo mismo por un largo tiempo (aunque me sorprendió su actuación en “Far From Heaven”), pero incluso su clichéado personaje con momentos de heroísmo pasa la prueba actoral. El nombre de la madre es Lucy, y Sela Ward pone su agilidad y emoción. El profesor Rapson está en la piel de Ian Holm, y Holm está aburrido; buscando la plata tal vez.

El hijo se llama Sam Hall, en la piel de Jake Gyllenhaal, sobresaliendo como el mejor elemento del film; con mucha personalidad y carisma para un rol tan fácil como el que interpreta…Un paso grande en su carrera. La chica, Laura, está interpretada por Emmy Rossum; se ve hermosa y muy natural. Ellos son quienes se quedaran con un montón de otros (los “sobrevivientes”), como las víctimas sin salida, y la responsabilidad de Sam (de acuerdo al guión) no es otra que salvarlos. Sobreviven los “sobrevivientes? Qué creen ustedes? Para acentuar más las cosas, Emmerich respalda el ambiente dramático con patética pero dulce y emotiva música, decorados, diseños y cinematografía…Una vez dicho esto, la película sí se ve hermosa, y los efectos especiales no tienen fallas; pero quizá eso es lo único que Emmerich puede hacer sin problemas.

Como lo seguiremos viendo, la película tenía que basarse en New York…Les encanta destruir esas cosas: la estatua de la libertad, el Empire State…Si van a congelar una ciudad, New York es la primera opción.

Cuando el film terminó y rodaban los créditos, me preguntaba: si Roland Emmerich sabe tanto de desastre y nada de drama…Por qué no destruye todo sin dejar ni un rastro de vida? Luego la pantalla estaba en negro.

---6/10

Monday 20 August 2007

Rareza de la semana

El Langa ni siquiera había visto esta película y decía: “Es un clásico, un clásico”. Obviamente se estaba burlando de mí, cuando yo hablaba con mucho entusiasmo de “Bad Santa” o “Un santa no tan santo” para nosotros.

El punto es que todavía creo que la película puede convertirse en un clásico de culto porque, dentro de todo, es un film de bajo presupuesto dirigido por un hombre muy ingenioso y con un humor imposible de rechazar. Para cualquiera que quiera reírse sin parar, les recomiendo esta película. Búsquenla cuando puedan…

La crítica de “Bad Santa”, a continuación.

“Bad Santa”

Por muchas razones, “Bad Santa” se encuentra cerca de la excelencia durante su tiempo de duración. No es difícil explicar como una película se vuelve increíble, yo siempre lo explico cuando veo un drama, un thriller…Pero una comedia? Una comedia increíble? Podría ser “Bad Santa”. No me había reído tanto con situaciones en una película desde “Mentiroso, mentiroso”. Esta película tiene un modo de crear experiencias risibles que ninguna comedia usa estos días. Iré a eso más tarde.

Terry Zwigoff ha dirigido algunas películas. Pero no hay ninguna película reconocida que haya dirigido para ser reconocido él. Se tomó períodos lo suficientemente largos entre cada film, pero algunos podrán decir que valió la pena esperar. A veces escritor, a veces director, Zwigoff pone a sus personajes en sus historias y comienza a dirigir. No es visualmente excepcional o hermoso; pero puedo decir que se ve como que todo el mundo lo está escuchando y haciendo lo que él dice. En momentos crea alguna toma de larga distancia, como si fuera un mero observador que va de paso.

Y la historia de Billy Bob Thornton…Es una de las personas más importantes de Hollywood y la historia es bastante interesante; empezó con un film llamado “Sling Blade”. Thornton escribió el guión y actuó en la película. Escuché que resultó ser espectacular en ambos trabajos, entonces no solo escribía sino que actuaba. Me demostró que podía actuar, brillantemente, en “The Man Who Wasn’t There”. Me demostró que podia escribir, con su guión de “The Gift”. Entonces no es ningún tonto.

Su personaje en esta película, sin embargo, es un tonto. Un tonto, borracho, adicto al sexo y finalmente un ladrón que trabaja como Papá Noel en shoppings sólo para robarlos con un compañero, Marcus (Tony Cox), que es el elfo. Además, Marcus es un enano y ambos pueden estar seguros de que nunca serán despedidos. Ellos son, junto con El Chico (Brett Kelly), los jugadores más importantes en el film y ambos insultan mucho en algunas situaciones que le dan magia al film y que no voy a revelar. Cuándo decir malas palabras ha sido mágico?

Llegaré a eso, pero necesitaba decir como Thornton encuentra la nota aquí. Como brilla a lo largo del paseo, robándose el show con sus líneas, con sus caras. Esas caras no son las de Bill Murray en “Lost in translation”, ni las conocidas de Jack Nicholson. Con su estudio del personaje inventó sus propias caras. Sus movimientos también; es todo. Está sentado en esa silla de Santa y cuando un niño viene y pide un regalo que el no conoce, dice: “Qué mierda es eso?”. No le importa, y eso es increíble.

También es increíble preguntarse cuan serio puede ser el hombre con su trabajo. Escuché que había dejado de fumar, y en la película lo veo con un cigarrillo todo el tiempo y me preguntó si no estaba fumando siempre. Lo mismo con la bebida…Probablemente caminó borracho por el set. Luego de ganar dinero por un robo, su personaje dice que irá a Miami y manejará un bar, cuando su compañero cree que se morirá tomando y volverá apenas él lo llame. Luego una cámara lo muestra en el medio de un bar, como si lo estuviera manejando, pero mientras nos acercamos nos damos cuenta que no es así.

Glenn Ficarra y John Requa, los escritores de “Como perros y gatos”, deben ser dos tipos inteligentes. Luego de una película como la mencionada, uno no esperaría algo como “Bad Santa” salir de sus manos, pero crearon esas mágicas malas palabras. Porque, como quise decir durante todo el escrito, el guión es tan leal a la realidad de sus personajes que las risas vienen fácilmente. No como en otras comedias, donde tienen que usar elementos forzados para hacernos reír; excremento asqueroso, escenas de baño, insultos estúpidos…No es bueno.

Aquí, la lealtad que Ficarra y Requa generan con sus personajes, con su personaje principal, casi hace que esta comedia se vea como un estudio de personaje; como un drama o una ‘pieza de personajes’, aunque es solo otra comedia.

---9/10

Sunday 12 August 2007

Rareza de la semana

El Goncha se fue de mi lado pero gracias a la magia de la cibernética estará la semana que viene con nosotros para continuar con sus “niños”. Ahora rescaté de la gaveta, para el fin de semana, una película que es como un sueño hecho realidad.

Para aquellos que estarán descansando y no tengan mucho que hacer, consíganla; les va a alegrar el día. Se llama “A Chorus Line”.

La crítica de “A Chorus Line”, a continuación.

“A Chorus Line”

Cuando realmente empecé a interesarme en las películas, a la edad de 11 años, tenía una gran lista de ‘películas que debo ver’ y solía ir a Blockbuster y alquilar dos o tres por fin de semana; algunas no eran para todas las edades y mi mamá se enojaba mucho. Recuerdo que una de las películas en la lista era “A Chorus Line” y nunca la conseguía…Hasta que lo hice.

Por supuesto que perdí la lista y haría lo que fuera por recuperarla porque creo que había algunas cosas muy interesantes para ver ahí. Quiero decir, fíjense en “A Chorus Line”, una obra teatral convertida en película. Sé que es algo que vemos mucho hoy en día, pero años atrás era un poco diferente; y este film tiene algo especial.

La mayoría de los musicales convertidos en películas hoy, toman la oportunidad que les da la cámara (de gratis) para crear diferentes scenarios y llevar a los personajes a diferentes lugares; “A Chorus Line” nació en un escenario teatral como obra y muere en el mismo lugar como película. Siguiendo una gran audición hecha por el reconocido coreógrafo Zach (Michael Douglas), Richard Atenborough dirige a un gran número de bailarines mientras tratan de conseguir el trabajo.

Todo ocurre en el mismo día: la tensión de no saber, el estrés de tener que aprender los números, la competencia silenciosa entre los bailarines…Y todo ocurre en el escenario, donde Douglas pone a cada bailarín en frente suyo y los hace hablar de su vida personal y de sus experiencias más horribles. Hay cientos de bailarines y son fantásticos, pero la lista se acorta con el pasar de las horas.

Como una película que vi recientemente, la representación de un show de radio (“A prairie home companion”), aquí Atenborough lidia con el problema de la continuidad. En o detrás del escenario, cosas ocurren, y el tiempo no parece detenerse. No sé si Atenborough cortó mucho para filmar esto, pero definitivamente no parece; de todos modos es un incredible trabajo de dirección y edición (John Bloom). Pero en ese pequeño escenario, lo que nos preguntamos es que hacer con la cámara. Con sólo un set, la cinematografía de Ronnie Taylor encuentra la manera, haciendo acercamientos a ciertos personajes, haciendo zoom para adentro y para afuera, mostrando el escenario desde diferentes perspectivas y también dándonos una hermosa vista de Nueva Cork.

En un momento crucial Douglas les dice a los que quedan: “Antes de que comencemos a eliminar: son todos buenísimos y me gustaría contratarlos a todos; pero no puede”. Esto me hizo pensar en los reality shows de hoy en día, donde lo único que cuenta es el talento para cantar y bailar y donde el jurado siempre dice esas mismas palabras a los concursantes cuando se van (incluso cuando no son buenos). Es duro; al menos aquí, donde todos son realmente buenísimos.

Para contar algunas de las historias, los personajes usan canciones y, en un segundo, el escenario cobra una nueva vida y es literalmente “un sueño hecho realidad”. La música de Marvin Hamlisch y las letras de Edward Kleban logran la transición del teatro al cine sin fallas, mostrando los sentimientos de estos bailarines y dejándolos hacer esas coreografías maravillosas de Michael Bennett. El libreto teatral también se convierte en un corto guión de Arnold Schulman; que es emotivo de a ratos. Si no es con una canción, será con una palabra; pero en “A Chorus Line”, es imposible no salir conmovido.

Durante uno de los recreos en la audición, Cassie, una bailarina especial interpretada por Alyson Reed, toma el escenario para convencer al personaje de Douglas que puede hacerlo. Las palabras “dejame bailar para ti” nunca sonaron más honestas y más hermosamente puestas en música y letra.

---8/10

Thursday 9 August 2007

Los niños del Goncha

A mi hermano le gusta mucho el cine, será porque está en la familia. Pero el otro día estábamos en una de nuestras conversaciones usuales de cine y de algún lado surgió el tema los “actores jóvenes”; pero no los ‘jóvenes’, sino los niños. Yo no tenía idea, pero el Goncha conoce bastantes actores jóvenes, los ha visto en varias películas y al parecer los sabe juzgar.

Por esto, decidí darle la chance de expresarlo por aquí, y en esta semana y la próxima, estará hablándoles de algunos de sus actores jóvenes predilectos y de los filmes en los cuales los ha visto y demás…Le pedí que eligiera a sus cinco favoritos, el primero: Dakota Fanning, un clásico.

A partir de ahora, todo lo que está entre comillas es hablado por el Goncha, y lo demás es de este humilde servidor. Como información, les puedo contar que Fanning, de 13 años, ha estado en pantalla al lado de Tom Cruise, Kurt Russel, Sean Penn, Denzel Washington, Mike Myers, Kevin Bacon y el gran Robert DeNiro, entre otros.

El Goncha dice: “Esta mina tiene mucho futuro, pues ha actuado en películas muy buenas y con mucho éxito. Con respecto a su forma de actuar, tiene una forma muy particular que la hace ser reconocida y querida por el público” .

Películas:

‘I am Sam’: “Hizo de la hija de Sean Penn que tenía problemas mentales y actúa interpretando un papel en donde ella quiere a su papá sin importar lo que es y no quiere que la separen de él”







‘Man on Fire’: “En esta película ella interpreta el papel de Pita, en donde es una chica con mucha plata y esta película ocurre en la ciudad de México donde hay muchos secuestros. Y así consigue un guardaespaldas (Denzel Washington) que crea una amistad muy fuerte. Su actuación es muy buena, pues les hace creer a la gente que es una chica inocente y que es una niña en su mente, pero en realidad no lo es”




‘Uptown Girls’: “En este film su actuación es excelente. Hace de una chica con mucha plata (también) y que es una aficionada al orden y a la limpieza, y tiene actitudes en la película en donde muestra que es muy cheta y muy dominante; por eso digo que es excelente su actuación”






‘Hide and Seek’: “Es su primera actuación de terror y la hace bien. Su seriedad en la película logra obtener este terror y este suspenso…La película es mala”








‘Dreamer’: “Aquí Dakota no sobresale, pero a la vez es principal. No sobresale porque mantiene su perfil bajo siendo la hija del criador de los caballos y cuando tiene que demostrar sus cualidades, las demuestra”







‘War of the worlds’: “Que bien que grita en las partes que tiene que gritar”




Personalmente, quiero recomendar la película “Atrapada”, con Charlize Theron y Kevin Bacon; donde a Dakota también la secuestran y demuestra una mezcla perfecta de tristeza y angustia.

Gracias al Goncha…Nos vemos pronto!

Saturday 4 August 2007

Analizando Clásicos: “Paris, Texas”

Hoy inauguro una nueva sección. Es que estoy en el medio de un viaje, con conciertos semi-exitosos, con más pequeños viajes por venir y estoy tarde con todos los preparativos…Tuve que ir desde el norte hasta el sur de Londres varias veces para conseguir un amplificador y llevarlo al lugar de la presentación, ya que sin este no hubiese podido tocar. “La mejor distancia es la mayor…Cuando un taxi es una ambulancia” .

En fin; la nueva sección, bajo el título que se ve arriba, consistirá en el análisis de diversas temáticas dentro del cine, de alguna manera clásicas (obviamente con la intención de que las traten de conseguir y ver, si son películas-que en realidad siempre es así-) Hoy es un clásico de culto, la película “Paris, Texas”, hecha en 1984 y dirigida por Wim Wenders.


Si le echan un breve vistazo a la biografía de Wim Wenders, leerán que quería ser un sacerdote. Por suerte cambió de opinión y se metió en una escuela de cine. Nacido en Alemania, el reconocido director ha explorado varios estilos cinematográficos.

Honestamente, no he visto ni la mitad de sus trabajos (todo cine europeo no muy fácil de conseguir), pero es realizador tanto de películas como de documentales (que en sí también son películas). Estos últimos años, cual David Lynch, ha experimentado con la filmación mediante cámara digital en sus películas; en cuanto a documentales, dirigió y escribió el multipremiado “Buena Vista Social Club”: donde Ry Cooder viajaba a La Habana en búsqueda de grandes músicos olvidados por su nación.

Pero es “Paris, Texas”, un trabajo fundamental de su carrera. Para mí marca muchísimo personalmente, ya que tuve la oportunidad de ver el film a mi precoz edad de 11 años, cuando empezaba a interesarme por el mundo cinematográfico. Mi amigo Gianluca tenía una colección de clásicos proveniente de la revista CARAS, y como ni la mitad estaban abiertos, yo se los pedía prestados para verlos. Tenía de todo la colección; desde películas de Woody Allen, pasando por Johnny Depp, Robin Williams, el gran Cameron Crowe y hasta Jean Claude Van Damme. No las vi todas, pero agarraba cualquiera…Y un día agarré “Paris, Texas”(vean acá una especie de trailer) .

Me mató: su historia de silencios y emociones encerradas me impactó muchísimo, pero no me la acordaba bien hasta que la vimos con mi prima Irina hace unas semanas. La película cuenta la historia de Travis (Harry Dean Stanton, derecha), un hombre del que no se puede decir mucho al principio, porque lo conocemos en el medio del desierto; caminando sin rumbo (o quizá con alguno, pero no lo sabemos).

Acto seguido, su hermano Walt (Dean Stockwell) sale a buscarlo por el desierto. Y es que Travis había estado desaparecido por cuatro años, sin dar señales de vida. Por esta razón, Walt se encargó de su hijo Hunter (Hunter Henderson), a quien crió como suyo. Ahora la familia vive con el misterio de no saber qué estuvo haciendo Travis durante todo ese tiempo, y quizá nunca lo sepan; en un aspecto de la película increíblemente manejado por Wenders, que pone a los dos hermanos a hablar, pero Travis parece estar en un estado de shock y le hace a Walt un ‘tratamiento de silencio’…No dice ni una palabra.

Este es el primero de los matices que el film aborda en cuanto a las relaciones humanas; porque además de tratar con la relación entre hermanos, explora a fondo la relación padre e hijo, e incluso marido y mujer en dos aspectos. Un aspecto resaltante de “Paris, Texas” es lo mucho que descubrimos sin escuchar tanto; todos los susurros entre los silencios que mencioné, por ponerlo de una manera poética. Pero en realidad es el lenguaje cinematográfico el que se encarga de esta poesía; en un viaje por el desierto que Wenders deja en manos de dos personas: Robby Müller, con su fotografía de cámaras quietas y de intensa observación al cielo y al paisaje; y Ry Cooder, con una música que capta los estados de ánimo de los personajes a la perfección. Es música country mayoritariamente, bien de Texas y del desierto.

Al finalizar el primer viaje largo de los dos hermanos, la película pone en marcha lo que yo denominaría ‘segunda etapa’; la etapa del redescubrimiento, en la que el padre (Travis, que empieza hablar nuevamente) vuelve a hacer contacto con su hijo, en un intento de recuperarlo de alguna manera (allí también hay un viaje, en el mejor estilo ‘road movie’). En una escena magistral, Travis (que tiene un aspecto de vaquero) le pide a la mucama de la casa que lo haga verse como un hombre rico, ya que va a ir a buscar a su hijo al colegio. Ya vestido con ropas extravagantes, termina obteniendo una apariencia un poco ridícula que no le va. Al llegar al colegio, saluda a Hunter desde la calle de en frente, pero el niño lo mira de modo extraño; y luego se voltea para susurrarle a un amiguito en el oído: “Me puedo ir con vos?”. Esto hace, y Travis lo mira irse mientras se lamenta. Esta situación se repite más tarde en otra escena aún mejor.

Porque como explica el título, la película habla de Paris en Texas, no de la capital francesa. Travis cuenta en varias ocasiones que su madre era de Paris, en Texas; pero que su padre contaba una historia graciosa en la que la presentaba como si fuera francesa: “Hasta que un día realmente él empezó a creer que era así”, le confiesa Travis a su hijo en una escena en la que, como bien observó mi prima Irina, la cámara muestra a Hunter como el propio psicólogo que está examinando a su paciente (su padre) desde un sillón.

Conversaciones como esa; poderosas, hay muchas. El guión del film, escrito por Sam Shepard, presenta seres totalmente palpables, erráticos y para nada perfectos, pero muy enigmáticos en todo momento por cualquier lado que se los mire. Decir cuál es el más misterioso de los personajes es difícil, pero conocemos muy tarde a quien probablemente merezca el título; lo que da lugar al desarrollo de la última y la mejor de las conversaciones del guión, en una escena que hoy es un clásico del cine.

Lo que eleva a “Paris, Texas” por sobre otras ‘road movies’ es el estado de ánimo que la marca. Fíjense que Sam Shepard, el guionista, es estadounidense, pero la película no tiene el aire de una ‘road movie’ americana, sino el detenimiento y la calma reflexiva del cine europeo; eso es lo que Wenders trae al plato y lo que hace del film una experiencia única e irrepetible.

No sé si descubrirán algo más de la vida viendo ésta película, aunque lo dudo. Estoy seguro que les quedarán muchas dudas acerca de los personajes, pero despreocúpense y traten de dejarse llevar y así formar parte de un viaje a dos desiertos; el geográfico y el humano...Es una de mil maneras de analizarla y disfrutarla.

---Gracias a Panchito por permitirme hacer unas mínimas 'cursivas---