Monday 30 April 2007

Un señor francés

Ahora que se inauguró la sección de ‘rareza de la semana’ y que anduvimos viendo una película francesa, se me ocurrió darle un poquito de continuidad al asunto. Por lo tanto, voy a presentarles a un señor francés.

Su nombre es Luc Besson. Puede sonarles conocido o no, pero es un gran representante de la industria cinematográfica en todos los aspectos; pero los que no lo consideran un artista en sí, jamás podrán negar el imperio que ha construido en su país, la buena intuición que tiene y, finalmente, el hecho de que puede convertir cualquier cosa en un éxito.


Besson ha trabajado en cualquier cosa existente dentro del mundo del cine, lo que incluye: la dirección de películas extremadamente hermosas, la producción de films masivos e interesantes y la escritura de algunas de las más originales e inspiradoras películas que Francia ha dado a conocer.

Vamos a verlo en sus diferentes facetas ésta semana, comenzando por su escrita y dirigida “Le Grand Bleu”; un relato de mucho más que las competencias de buceo. La crítica, a continuación.

“Le Grand Bleu”

Yo he visto mucho cine; amo el cine. Pero con los años, no me he encerrado en mi propio mundo, con mis propios tipos de películas y actores…Eso no funciona. He tratado de escuchar a gente mayor, y aprender de ellos. Saben tanto más y siempre quieren mostrarlo. Yo ni siquiera había llegado al mundo cuando algunos de ellos probablemente vieron “Le Grand Bleu”, la tercera película dirigida y escrita por Luc Besson. Ellos son los que en algún momento me dijeron: “El cine europeo es el mejor”.

“Le Grand Bleu” me hizo querer ver más películas Europeas. He visto varias, pero no las suficientes; en este mundo lleno de películas de Hollywood (que es la industria más distribuida), no recibimos mucho más. Recibimos algunas películas francesas habladas en inglés. Éstas tratan de mostrar ‘que es’ el cine Europeo de una manera de que todos podamos entender, pero fallan la mayoría de las veces. “Le Grand Bleu” está hablada en tres lenguajes; inglés, francés e italiano. Pero esa es otra historia, por los personajes en el guión. El film fue realizado por gente francesa; es un film francés.

Ahora, los personajes son increíblemente complejos y llegamos a conocerlos con sus propias culturas y pensamientos. La película se las arregla para sorprendernos con el intercambio de lenguaje, para que podamos oír cada acento sin perdernos la trama. Así están escritos los personajes. Enzo (Jean Reno) está comiendo pasta en un restaurante. Él es italiano; un minuto después su madre llega y él le da su plato a Johana (Rosanna Arquette); su madre no lo deja comer pasa a no ser que ella la cocine. Jacques (Jean-Marc Barr) es una persona única. Perdió a su padre cuando era pequeño: se murió buceando. Enzo estuvo ahí, sin embargo, Jacques bucea cada día de su vida. Tal vez está en su naturaleza llegar a niveles que los humanos no pueden. Johana ve lo especial que es y se enamora, sin saber que el que sea único podría traicionar sus sentimientos más tarde.

Luego de muchos años, Enzo y Jacques se vuelven a encontrar en un evento increíble. “Tráiganme al pequeño francés”, dice Enzo. Hay una competencia de buceo y Enzo, el campeón mundial, invita a Jacques porque sabe que podría perder contra él. No se han visto por años, pero es como si supieran todo acerca de ambos; se darán cuenta. Enzo es arrogante y egoísta, sabe acerca de mujeres y del amor. Jacques es lo opuesto: honesto, humilde y directo: “Te voy a ganar”, le dice a Enzo. Por supuesto que sí; él lo sabe más que nadie. Las situaciones que se ven en este film no las verán en otra parte. Como trataba de explicar, la película de Besson escapa el mundo de los ‘clichés’ y simplicidad, creando un mundo diferente para cada escena.

Fantásticas escenas, debo decir. Mientras Besson cuenta la historia, nos lleva a todo tipo de lugares y lo hace magistralmente. Comenzando por Grecia, luego Italia, Estados Unidos, Perú...Y el mar. Bueno, la película es acerca de eso, pero no quiero arruinarla mucho. Sólo diré: Si el mar pudiera ser un país, porque Besson hace que se vea como uno; yendo por el agua como si fuera suya. También va debajo del agua, presentándonos a los delfines en el mundo de Jacques. Son su familia y él lo admite. “Ningún humano tiene este tipo de familia”, le explica a Johana. Él pertenece a ellos, de alguna manera; pertenece al mar. Las últimas escenas de la pieza son regalos de la cinematografía.

La música es otro mundo en sí mismo. Que clase de hombre debe ser Eric Serra! Yo hago música y esta es una composición soñada para un film. Simplemente encaja perfectamente en cada toma, con su pacífico sonido. Por un momento pensé que me iría al mar y escucharía esas melodías; porque no me molestaría para nada.

Muchas cosas me quedan por decir que no terminaría hoy. El final tiene un poder emocional que no había visto en mucho tiempo. Se entiende si han mirado la película. Está ahí mismo para ustedes; y no hace falta adivinar porque el film no está intentando conseguir la metáfora. Pero mucho antes, Jacques está mirando el agua. Unos delfines llegan; él los mira, ellos lo miran y el habla: “Gracias”. Es feliz.

---8/10

Sunday 29 April 2007

Saludo


Buenas: Pase a chequear el mail rapidito y decidi postear algo cortito para dejarles un saludo. Disculpen los horrores ortograficos, estos teclados no tienen nada! Simplemente queria decir que los extranio mucho a todos y que los quiero mucho! Nada mas, jeej

"Arte es vivir...Musica es vida"
El Chapa

Friday 27 April 2007

Rareza de la semana


Debido a que no quiero someterlos al sufrimiento que debe ser para algunos el recomendar varias películas de Jennifer Lopez, inauguramos una nueva sección que nos acompañará de vez en cuando. Se titula “Rareza de la semana” e incluirá, mayoritariamente, títulos poco conocidos y difíciles de conseguir.

Generalmente buenos, recomiendo que si pueden encontrar estos films, estarán muy agradecidos de lo excelente que puede ser el cine en el formato independiente y fuera del circuito comercial. Para comenzar, “El Hombre del Tren”, una película Francesa llena de misterios.

Si han escuchado que el cine Europeo (sí, con mayúsculas) es una experiencia totalmente diferente; escucharon bien. Y no es para mal, ya que la diferencia se nota instantáneamente, y se aprecia.

La crítica a continuación.

“L’Homme du Train”


El cine Europeo: originalidad, cosas tan únicas que probablemente jamás se encuentre algo similar. Aquí, la historia de dos personas, y esas dos nada más, y no es fácil mantener noventa minutos desarrollando sus experiencias. Se necesita un buen ojo, timing y respeto por los personajes. El director Patrice Leconte lo tiene.

Estos personajes son Milan (Johnny Hallyday), un ladrón; y Monsieur Manesquier (Jean Rochefort), un retirado profesor de literatura. Sus diferencias hacen de sus encuentros algo aterrador. Uno, un hombre viejo que disfruta de hablar y está fascinado por este misterioso y oscuro individuo en ropajes extraños; Manesquier entra al cuarto de Milan e imagina estar en un mundo fantástico en el que no podría habitar.

Milan es silencioso y habla suavemente, pero induce al viejo en la bebida nuevamente, en la excitación y las aventuras; y luego de encontrarse con sus compañeros, incluso duda acerca de hacer la única cosa que vino a hacer a ese pueblo: robar un banco. Llega hasta el límite de darle una lección de literatura a uno de los pupilos de Manesquier.

La cámara está enamorada de los dos, y presenta a cada uno en una manera original cuando están en pantalla. Diferentes colores, posturas, seguimientos. Cada uno podría esconder algo; hay un pasado, pero de eso no se trata esta historia que divaga por las coincidencias y casualidades de la vida.

Una simple aspirina, un vaso de agua; a lo que eso puede conllevar. La ansiedad de un hombre de formar parte de algo que nunca vivió, por un lado. Por el otro, el silencio y la intriga de la poca conversación. Los vasos de vino, los almuerzos que parecen decir mucho pero dicen casi nada de los personajes.

La música, de Pasacal Esteve, es muy importante para el film; dándole un toque de estilo de Western, sonando para representar el pensamiento y el humor de los personajes cuando los vemos, o simplemente, no sonando para nada; lo que es muy bueno a veces. El diseño de producción de Ivan Maussion es también un buen elemento, en ese caso, con sus calles desiertas y lugares solitarios.

El guión resulta ser culto y muy inteligente. El frecuente colaborador de escritura de Patrice Leconte deja todo en las manos de sus personajes; porque las palabras son suyas. También frecuentemente reclutado por Leconte, la entrega de Jean Rochefort es impresionante en su medido rol, que requiere poco pero bien hecho. Es Johnny Hallyday, sin embargo, quien se roba el show, o brilla en su soledad. Con todas esas miradas y su cara, llena de cosas escondidas.

Las metáforas nos acompañan en la película, para que las interpretemos. Yo lo intenté, y ustedes también lo harán, pero digo: gracias a Europa por estas películas; vale la pena y es una suerte de placer verlas.

---7/10

Lopez Desapercibida

La película sobre la que comentaré pasó desapercibida, tanto en Estados Unidos como en Latinoamérica, bajo el título de “Un Amor, Dos Destinos”. Voy a aprovechar para comentar que, de hecho, las mejores actuaciones de Jennifer Lopez pueden encontrarse en películas que pasaron desapercibidas pero ahora son clásicos de culto, como las mencionadas hace unos días “U-Turn” y “Out of Sight”.

Asimismo, sus películas más conocidas no fueron de tanta calidad y por lo tanto la audiencia no pudo apreciar sus interpretaciones; recordaran “Mirada de ángel”, dónde Lopez hacía de policía; o quizá “Nunca Más”, dónde se escapa de su abusivo esposo junto a su hijo y luego se entrenaba para enfrentarlo.

Lo bueno de “An Unfinished Life” (Un Amor, Dos Destinos) es que viene de la mano de un buen director y con un reparto excelente, en el que Lopez no es la figura principal y se deja ver muy medida. La crítica a continuación.

“An unfinished Life”


Einar Gilkyson (Robert Redford) vive en un rancho; totalmente sólo con la compañía de Mitch Bradley (Morgan Freeman), su más viejo amigo, que en realidad no le hace compañía porque un ataque lo dejó incapaz de trabajar como solía hacerlo. Sin
embargo, Einar controla la medicina de Mitch, lo cuida, juega con él a las cartas de vez en cuando y hasta se ríe un poco de las consecuencias de la edad.

Vemos su lugar mediante la cámara, y presentimos paz; musica country (por Deborah Lurie). “Huele a lluvia hoy”, dice Einar. “No le has pegado al clima desde 1972”, Mitch le responde. Un café caliente en la mañana o un vaso de leche parecen ser los elementos perfectos para dos hombres que no tienen nada más que sus vacas, caballos, gatos y puertas para preocuparse.

Durante unos minutos no nos preguntamos, si Einar tiene un pasado o un asunto no terminado o algo que pudiera ponerse en el medio de esa tranquilidad. Hasta que vemos la oscura cara de una mujer, y la oscura escena que le sigue. Ella es Jean (una decente pero no resaltante Jennifer Lopez) y está siendo golpeada por su novio (Damian Lewis) que se va de la casa rápidamente y enojado. “Me lo prometiste”, una voz suave dice.

Luego Jean y su hija Griff (Becca Gardner, en su primera y perfecta actuación) están en la ruta. A dónde van? El camino termina en frente de una cerca, donde Einar está parado. “Einar”, Jean grita, y una nueva parte de estas vidas comienza a desarrollarse. Por supuesto que Einar no quiere a la esposa de su hijo Griffin muerto ahí, y aparentemente ella no quiere estar allí tampoco.
Aprendemos mucho acerca de todos ellos, lenta e inesperadamente.

Principalmente que Einar culpa a Jean por la muerte de su hijo. Con sensibilidad y determinación, el guión de Mark Spragg y Virginia Korus Spragg (probablemente una pareja casada) cubre los usuales problemas familiares con emotividad que dignifica el contenido del film.

Escribieron acerca de cosas intensas que nuca se olvidan, como la muerte de un hijo que nunca debería ser superada por un padre; pues no todos pueden seguir viviendo después de perder a alguien que aman. Escribieron acerca de la única familia que nos queda y la importancia que las cosas que dicen tienen en la última línea de nuestra vida, y escribieron una inscripción en la tunba del hijo de Einar que explica mucho de toda la experiencia.

También lidiaron con asuntos más oscuros, escribiendo partes siniestras para algunos personajes. Si tendría que haber villanos, serían dos; pero no creo que sean exactamente villanos porque mantienen una forma humana cercana a la realidad. Está bien crear villanos en una película, y si realmente lo son en ésta, Sheriff Curtis (el parecido a Mathew McConaughey y talentoso Josh Lucas) se encargará de ellos.

En cuanto a la familia por ejemplo, esta el Mitch de Morgan Freeman, que da consejos y observa, de alguna manera, la situación desde afuera; lo que hace que Einar llegue a pensar que es un predicador o algo por el estilo. Freeman ha interpretado personajes calmados durante ésta década, y aquí está en una postura que recuerda a su ganador del Oscar Scrap (de “Million Dollar Baby”), pero creando esa diferencia que un gran actor sólo puede, entregando un show fantástico.

La química con Redford es manejada impecablemente, y Redford está indudablemente soberbio en el rol del viejo y tirado ‘cowboy’ Gilkyson, con miradas y expresiones llenas de alegría y agradecimiento de un regreso que son incluso dignas de reconocimiento (aunque claramente no sucedió como era de esperarse). Él también ha estado interpretando los mismos personajes durante ésta década; todo tipo de héroes raros con moral y consideración, como el de “El último castillo”, o su hombre de la casa en “Secretos de un secuestro”, pero ninguna de esas entregas es tan buena como ésta.

Dirigida por Lasse Hallstrom, el film vuelve a asegurar lo que al director sueco le gusta hacer y sabe; concentrarse en pequeños grupos de personajes en lugares determinados, como con su gran éxito “The Cider House Rules”, con cortes en negro como la emotiva “Atando Cabos”, cámaras observadoras en ocasiones como la placentera “Chocolate” o silencio extremo como la centrada en personajes “Quien ama a Gilbert Grape”.

Extrañamente, este fue un lanzamiento de Miramax, producido por los Weinstein y con una campaña para los grandes premios, por todos sus elementos (incluyendo una potente canción de Shania Twain durante los créditos finales) y porque se ve mucho como la película ganadora del director que mencioné arriba. Sin embargo, si la compañía esperaba esa postura, no ocurrió, pero por suerte sacaron algo de crédito con “El Luchador”.

---8/10

Thursday 26 April 2007

Sorpresa Inesperada

Como ya adelanté, el resto de la semana consistirá en ver algunas de las películas que Jennifer Lopez ha protagonizado durante ésta década. Aunque tampoco fue la mejor decisión (casi nunca lo es con Lopez), “Monster-in-law” no fue un paso en falso. A la película le fue bien en la taquilla y marcó el regreso a la pantalla grande de la legendaria Jane Fonda. También es la mejor comedia romántica que Lopez protagonizó desde “Maid In Manhattan”.

La crítica de “Monster-in-law”, a continuación.

“Monster in-law”

Fui al cine a ver “La Guerra de Los Mundos” y todos las funciones estaban agotadas; hicieron mucha plata con eso. Todas las otras películas ya las había visto y otra que quería ver no tenía más funciones. “Monster-in-law” era lo único que quedaba; una película que consideraba ‘rechazada’ pues no sabía de que se trataba y había oído muy malas críticas.

No debería haber juzgado, porque cuando vi el nombre de una de mis actrices favoritas, Jennifer Lopez, y la gran Jane Fonda junto al de unos directores y escritores que no conocía, percibí que no me aburriría. Con una premisa un poco conocida, la escritora Anya Kochoff pudo darle un toque especial a la historia que, últimamente, me gustó.

Con algunas cosas desfavorables se desarrolló la pieza, como un título que prácticamente revela el final indirectamente, y otras cosas que no impidieron conseguir unas risas en el camina, con algunas secuencias interesantes de la mano de Robert Luketic (director de “Legalmente Rubia”), pero nada extravagante o capaz de dejarme sin aliento.

Quizá capaz de dejarme sin aliento fue el regreso de Jane Fonda sin ningún error y muy correcta en sus partes exageradas. Hollywood la ama, y estuvo ausente la década pasada, pero ellos estaban esperando porque la actriz ha sido premiada por casi todo lo que ha hecho. Las otras partes exageradas estuvieron a cargo de Wanda Sykes en el papel de Ruby, con muchas escenas sobreactuadas, pero otras muy graciosas.

Fue una sorpresa para mí el ver el actor dentro de Michael Vartan, en una buena aparición cómica como Kevin. Es necesario repetir (se entenderá), en mi opinión, lo increíble que es ver el crecimiento de una de las bellas y talentosas mujeres del mundo (hay muchas), Jennifer Lopez, quien con su brillante presencia hace tolerable la más mediocre de las cintas.

En términos de resultados, quizá fue algo bueno; bastante bueno (ya comenté lo de la taquilla) para los productores y realizadores; trajo crecimiento para algunos actores, regreso para otros…

Sí, existieron muchas malas opiniones; pero no dejen que la gente diga que vinieron de mí.

---7/10

Wednesday 25 April 2007

La historia de Jennifer Lopez


Primero que todo, quiero decir que siempre genero controversia al hacer esta afirmación; y podrían no estar de acuerdo pero: soy una de las cinco personas del mundo que piensan que Jennifer Lopez es una buena actriz...Muy buena, de hecho. Olvídense de sus matrimonios fallidos, su vida pública y otras cosas.

Cabe destacar que ya llevaba bastante tiempo actuando antes de conseguir el papel que la lanzó a la fama en la piel de Selena. Mucha gente dice que Lopez no es ni una buena cantante ni una buena actriz; sino simplemente una excelente bailarina. Baila muy bien, sí, pero sus cualidades actorales no son nada limitadas.

En lo que queda de la semana analizaré tres de las películas que ha hecho Lopez durante esta década y que, de alguna manera, la están encaminando nuevamente por una ruta correcta. Ha tomado muchas malas decisiones que le han jugado en su contra, lamentablemente; pero quizá las cosas vayan a cambiar.

Antes de “Gigli”, Lopez hizo unas muy buenas películas independientes que deberían chequear: “Out of Sight”, de Steven Soderbergh; “U-Turn”, de Oliver Stone y por supuesto “Selena”, que le consiguió una nominación al Globo de Oro. “Gigli” fue destrozada por la crítica…No es mala, pero tampoco un desastre. Mi crítica de “Gigli” a continuación.

“Gigli”


Cuando empieza, “Gigli” parece una comedia vieja; parece algo de los ochenta. Hay una pantalla en negro y un tipo está diciendo unas cosas; pareciera que se preparara para divertirse. Estoy seguro que todos los actores de la película se divirtieron, pero no estoy seguro si ustedes lo haran cuando lo vean.

Yo no me divertí mucho per el film genera algunas risas. Me matarán cuando lean esto, pero es algo así como una experiencia única. Odiada por todos, siempre será considerada como una de las peores películas jamás hecha; cuando no es tan mala. Vamos, se sabe que hay otros factores que hicieron que la gente rechazara esta película. Siempre se dice que “las parejas en la vida real no tienen química en las películas”. El set de este film hizo que Affleck y Lopez se enamoraran. Entonces, cuando comenzó todo lo de “Bennifer” y salió está película…No tenía chances.

Hollywood es sumamente severo con algunas películas. En realidad, cuando “Gigli” no tiene el sentido del humor más adecuado; y no lo domina correctamente (porque el guión repite las mismas bromas, y se vuelve loco con las malas palabras como “fuck” y “shit”), el film tiene las mejores intenciones. Tienen que haber habido una razón (si no fue verle el culo a Jennifer) para que Wlaken y Pacino eligieran estos papeles. Sus actuaciones se vuelven estereotipos y cada uno de ellos sólo aparece una vez en toda la película. Walken y Pacino no son lo mismo que solían ser, y el dinero hace grandes cosas.

Ben Affleck es la estrella como Larry Giggli, una especie de gangster que trabaja haciendo laburos que incluyen matar gente, robar plata y demás. Affleck le da una increíble personalidad al papel. Lo domina por completa al final del día; con su pelo, su tono de voz (a veces un poco italiano)…Me gusta recordar a Affleck como el chico de Kevin Smith o como el hombre que co-escribió junto a Matt Damon el excelente guión de “En Busca del Destino”.

Gigli alguna vez termina un trabajo? Nunca lo vemos haciéndolo; pero el clama ser el ‘gangster de los gangsters’, cuando da un discurso absurdo tratando de impresionar a Ricki. Ella está interpretada por Jennifer Lopez y ese no es el verdadero nombre del personaje. Lopez como siempre pone sus encantadoras aptitudes para la comedia por encima de su belleza. Esta no fue exactamente la elección más conveniente para su carrera, pero lo diré de nuevo: Lopez es una muy buena actriz. Sólo me he perdido dos de sus películas y me encanta como lo hace. Dejá de cantar amiga! El principiante Justin Bartha se roba la película fácilmente como Brian. No sé si los retardados son los que resaltan en películas donde casi nadie más lo hace, pero él da una actuación medida, sin excederse en algo que hemos visto muchas veces antes.

Y por favor…Por favor no tiremos abajo al hombre que llevó a Al Pacino a su mejor nivel en “Perfume de Mujer”, llevó a Eddie Murphy al éxito en “Beberly Hills Cop” y estuvo detrás de una de las mejores interpretaciones de Brad Pitt en “Conoces a Joe Black”. Sí, estoy hablando de Martin Brest, quién hizo este film con las mejores intenciones. Su trabajo es flojo acá, filmando el brazo de un personaje y la cara de otro cuando dos hablan; y haciendo que los actores caminen a un lugar determinado cuando van a hablar para que la cámara los centre…El guión tiene una historia original y situaciones diferentes que no hemos visto en algún tiempo. Al final, con la música y la estúpida intensidad dramática, nos damos cuenta: la película es obvia, manipuladora; pero de algún modo, estamos esperando que Brian dé el salto.

---6/10

Friday 20 April 2007

Recomendaciones

Como habrán visto, el ‘nuevo cine argentino’ es un genero muy bueno y constantemente creciente en el país. Para este fin de semana, por suerte las recomendaciones son infinitas. Traten de ir al video y alquilar aunque sea alguna de estas películas; no todas son increíbles pero con ninguna se van a arrepentir.

Nueve Reinas: Aunque dicta desde hace menos de una década, la ópera prima de Fabián Bielinsky es ya, no sólo un clásico popular, sino de culto del cine argentino. Con una actuación impagable por parte de Ricardo Darín, este relato no conoce límites.

Historias Mínimas: Tal como lo anuncia su título, de eso nada más trata esta humilde genialidad de Carlos Sorín. Simple y emotiva, la cámara encuentra una Patagonia bellísima y un número de personajes inolvidables como la película misma.

El Perro: También de Sorín, es difícil decidir si mejor o peor que su predecesora. La historia esta vez es aún más trivial y aún menos arriesgada, pero comunica con la misma cantidad y con la misma calidad que “Historias Mínimas”, en el mejor lenguaje del director.

El Bonaerense: Trapero y su muestra impactante de la realidad bonaerense. Un observador y lento film de serias situaciones y de esa verdad que Trapero conoce de memoria. Muy argentina también, incluso cuando trata de un tema común cinematográfico: la policía.

El fondo del mar: Quizá la mejor actuación del uruguayo Daniel Hendler, y quizá gracias a Damián Szifrón. En su primer intento cinematográfico, el creador de “Los Simuladores” nos lleva a un mundo totalmente centrado en los personajes. Un mundo tenso que a ratos se vuelve divertido y sino dramático.

Viajo a Venecia este fin de semana. Recién vuelvo el martes así que no va a haber mucha actividad hasta ese entonces. Que tengan buen fin de semana, ojalá que puedan ver alguna buena película…Saludos sospechosos!

Pasión Szifrón

El creador de, probablemente, el mejor show de televisión que Argentina jamás presenció (“Los Simuladores”) es un hombre que no conoce fronteras. Luego de su éxito televisivo logró, con su primer film “El Fondo del mar”, una pieza con muchos elementos que algunos directores contemporáneos todavía no han conseguido.

Con esa y con su segunda obra, despertó mi interés por nuestro cine de todos los días. La crítica de “Tiempo de Valientes”, a continuación.

"Tiempo de Valientes"

Me siento a ver films como “Tiempo de valientes” y quiero hablar de cine por horas. La admiración que me causó esta película está más allá de mis límites de explicación, porque miro las escenas y busco maneras de hacer cine dentro de mis pensamientos, e innovaciones de dialogo que podrían surgir de algo más grande que la mente de Damián Szifrón.

Viendo el ambiente, tan poco comprometido, tan simple, pienso; este hombre es un genio. Comenzando desde la vida real y diaria de las personas, Szifrón llega a donde Trapero no pudo expandir en “El Bonaerense”: la ‘vida’ del departamendo de Policía.

El film de Trapero era un viaje dentro de la mente de un hombre y sus experiencias, no de los lugares que veía. Sí, había situaciones detalladas de entrenamiento y de crímenes, pero Szifrón está ahí adentro, su historia es más de detectives, como las que conocemos y amamos, con misterios y la música que eriza la piel.

Pero hay mucho humanismo en su escritura y nos muestra su investigación mediante la visión de sus personajes principales, Alfredo Díaz y Mariano Silverstein. Hay muchos actores de gran calibre en la película, pero sin estos dos no funciona. El primero (Luis Luque) es un detective que acaba de descubrir que su mujer lo engana; y tiene que trabajar en un caso.

El segundo (Diego Peretti) es un psiquiatra que es asignado a tratar al detective. Quiere tratar con él en sesiones regulares pero el sheriff toma ventaja de la disposición de tiempo y sugiere que se una a Díaz en sus rutinas: “No es nada, lo de siempre; ningún problema”. Pero es más que eso, y va a develar una parte de su personalidad que el doctor no conocía.

La relación que se desarrolla entre los dos actores principales no se puede explicar a no ser que se vea, porque abala tanta complejida que demuestra lo talentosos que son hombres como Szifrón que están hoy intentando dejar una firma en nuestra historia. Llegando a puntos de increíble espontaneidad, durante una situación muy tensa, Díaz le dice a Silverstein: “Cómo seguimos con el tratamiento?”, y Silverstein le contesta: “No, yo no soy tu doctor. Me llamás para cenar; yo soy tu amigo”. Nos reímos porque no podemos evitarlo.

Y no podemos evitar reirnos cuando Díaz choca un auto en la calle y no le importa, o cuando pasa un semáforo en rojo, o cuando fuma ‘marihuana’ en su auto policual y Silverstein no lo puede creer; o cuando Silverstein trata de ser amigable con los amigos ladrones de Díaz. Magia de Diego Peretti es lo que recibimos allí. Él, un psiquiatra de verdad, da una actuación en plan “Locas de amor”, pero impresiona con sus habilidades. Luis Luque, por el otro lado, está de vuelta en el camina con una soberbia interpretación que nos recuerda el actor que es.

Hay una pasión que yo tengo para esto, y como dije, podría escribir por horas, pero desafortunadamente así no funciona y tengo que ser preciso y resumir. Aunque tengo ver mucho de los films viejos y estudiarlos, puedo asegurar que “Tiempo de valientes” es la comedia que Argentina estuvo esperando y nunca obtuvo...Hasta ahora.

--9/10

Thursday 19 April 2007

La realidad de Trapero


Pablo Trapero, otro de los celebrados directores del nuevo cine argentino, ha hecho tres películas: “Mundo Grúa”, que yo no he visto y al parecer es la mejor; “El Bonaerense”, la historia de un hombre que se vuelve policía; y “Familia Rodante”, que no es nada más que lo que propone.

Entre esta simplicidad con una complejidad escondida difícil de perseguir, Trapero ha dejado su huella en el cine nacional. La crítica de “Familia Rodante”, a continuación.

"Familia Rodante"

La segunda película de Pablo Trapero (“El Bonaerense”) se caracterizaba por concentrarse completamente en la realidad de Buenos Aires y de las personas que tratan de sobrevivir allí. Esto se repite en “Familia Rodante”, pero con una familia, que viaja. Es un viaje a Misiones; y es un viaje por una boda. No quisiera pensar en hacer un viaje de dos días para volver luego de algunas horas y viajar por dos días más…Y hay muchos miembros de la familia.

Con la abuela Emilia (Graciana Chironi), sus hijas Marta (Liliana Capurro) y Claudia (Ruth Dobel) viajan con sus maridos Oscar (Bernardo Forteza) y Ernesto (Carlos Resta), más los hijos de los primeros; Matías (Nicolás López), Gustavo (Raúl Viñona) y Sol (Sol Ocampo), y la hija de los segundos; Yanina (Marianela Ocampo) con su amiga Nadia (Leila Gomez).

Así como podría pasar con Carlos Sorín (otro maestro de nuestro nuevo cine), no se dejen engañar por los nombres de los actores. Trapero utiliza actores no profesionales en sus películas, por lo tanto algunos han hecho cosas antes y otros, como Graciana Chironi (relacionada directamente con el director), sólo han actuado en los films de Trapero.

La magia de Trapero recae en su cámara; en cuanto se preocupa por su historia. Una historia, en este caso, llena de situaciones que no me gustaría contar debido a que ocupan toda la película. Y son maravillosas como la vida misma; y locas y enrededadas e incluso a veces increíbles.

Mientras veía la película, me vino pensar acerca de la vida: nos enamoramos como los personajes lo hacen porque sentimos igual, nos reímos a más no poder porque hemos experimentado las mismas situaciones que ellos, o las hemos visto. Peleamos como ellos: algo más realista es imposible.

Yo hasta llego a creer que Trapero dirige tan cerca de la realidad, que podríamos estar viendo un documental.

---7/10

Wednesday 18 April 2007

El Aura en Estados Unidos

Buenas...Antes de postear la próxima crítica de esta semana, quería hacerles saber que "El Aura" acaba de ser lanzada en DVD en los Estados Unidos. Sólo quería que vieran la muy buena portada que se les ocurrió por allá mediante una imagen de la película. Nada más.

Poderoso Caetano

Durante esos comienzos del nuevo cine argentino, un director llamado Israel Adrián Caetano creó una poderosa pieza cinematográfica que pisó fuerte en la industria. Quizá no todos la ubiquen por su bajo presupuesto, pero “Pizza, Birra, Faso” es una creación total de Caetano, quien sin restricción alguna nos mostró una realidad poco atractiva.



Lo siguió haciendo y hasta el día de hoy lo hace con suma experticia. En el 2002, después de filmar algunas series de televisión, tuvo la idea de “Un Oso rojo”, donde el oso va bien con mayúsculas. La volví a disfrutar con algunos de los vergas en el “Cine Urdinez” (díganle a Langa que no hinche más con el osito de peluche ese). La crítica a continuación.

"Un oso rojo"



Esta es una de las películas más realistas que he visto en años. Personas como los personajes en el film realmente viven así; y la razón por la que el personaje principal, Oso, tiene que hacer las cosas que hace por su familia, es porque esa es la única manera de la que él puede arreglárselas para ayudarlos. No puede limpiar su nombre, no puede conseguir un buen trabajo. Acaba de salir de la cárcel y está tratando de corregir las cosas. Está perdidamente enamorado de su hija, Alicia. En una escena, la cámara muestra un tatuaje que el Oso tiene y que dice “Alicia” dentro de un corazón. Su hija le pregunta: “Pueden sacarte eso?”. “No”, dice Oso. “Dura para siempre?”, insiste la hija. “Para siempre”, le responde su padre.

Los otros personajes principales son Natalia, la ex-esposa del Oso; Sergio, el marido actual de Natalia; y El Turco (“Salud!”), un señor mayor que le debe 4000 pesos al Oso. Luego vemos a los personajes navegar en medio de su realidad, y sorprende. Sorprende ver a un padre con su hija en la plaza y que una mujer piense que el padre es un extraño. Alicia parece querer a su padre también, aunque él le sigue mintiendo para ocultar una realidad que ella podría conocer.

Cuando el Oso consigue un trabajo como taxista, está llevando y ella le pregunta: “Este auto es tuyo o lo robaste?”. No es estúpida, y Agostina Lage lo muestra en una muy convincente actuación para una chica de 9 años. Natalia estuvo enamorada del Oso una vez; no ahora. Soledad Villamil interpreta el papel con mucha naturalidad y habla como su personaje debería hablar, mientras la ‘cumbia villera’ suena de fondo. Luego hay un actor de televisión y cine que siempre parece hacer lo mismo, o eso creo yo. Es Luis Machín, quién aquí tiene suerte haciendo de Sergio, en el papel de un hombre moralmente destruido.

De todos modos, la mejor interpretación es la de Julio Chávez. Tan fuerte y poderosa, y real; como toda la película. Honestamente, la película es acerca de él; con sus sentimientos profundos, con el amor por su familia. Haría cualquier cosa por ellos y lo demuestra. No importa cuando, pero arriesgaría todo. La actuación de Chávez fue reconocida con los más prestigiosos premios; los mereció todos, porque lo hizo soberbiamente. Es en sus ojos donde se puede descubrir una interpretación verdaderamente estudiada.

El guión es real y corto. Quiero decir, la gente no habla mucho y el guión no necesita ser muy profundo; lo entendemos como es ya que las personas en la película no pueden hablar con palabras profundas: así de real es. El film tiene algunas fallas en cuanto a edición, pero no se notan mucho. Junto con “Historias Mínimas”, “Un Oso rojo” fue la mejor película de Argentina en el año 2002.

Hay cosas que la gente debería saber. En una escena, cuando el Oso está tratando de resolver como lidiar con su hija, su jefe le habla acerca de un tipo que trabaja con ellos y que perdió a su hija: “A veces, si querés lo mejor para tu familia, tenés que alejarte”.

---9/10

Tuesday 17 April 2007

El nuevo cine argentino

En algún momento de la década pasada, la industria cinematográfica nacional dio a conocer una ola de ‘nuevo cine argentino’. Mientras los directores clásicos y taquilleros como Marcelo Piñeyro (“Kamchatka”) y Eduardo Mignona (“Cleopatra”) continuaron haciendo películas correctas pero tal vez no tan buenas, otros nombres se abalanzaron dispuestos a tomar grandes riesgos.

A algunos de ellos, cuyos nombres irán conociendo, los estudiaremos esta semana, analizando uno de sus títulos. Quizá no haya una verdadera definición para el término ‘nuevo cine argentino’; yo diría que es un cine que utiliza la muestra de la realidad nacional como sus tópicos principales y que no apela al falso sentimentalismo sino a la honestidad para exaltar los sentimientos del espectador.

La primera de estas críticas es “El Aura”, de Fabián Bielinsky; a continuación. Dato curioso: El crítico de cine oficial del diario New York Times hizo una lista de los actores y películas que el creía debían ser nominados al Oscar antes de la entrega de los premios este año. En la categoría de Mejor Actor Principal, nombró a Ricardo Darín por su papel en “El Aura”.

"El Aura"

Hace unos meses, una verdadera tragedia ocurrió; y voy a decir lo mismo que mucha gente dijo. El año pasado, Fabián Bielinsky murió de un paro cardíaco a la edad de 46 años en Brasil, mientras promocionaba su segundo largometraje. Un paro cardíaco fue la mala fortuna de uno de los grandes directores Argentinos que nos deja dos legados de cómo hacer cine fabulosamente: “Nueve Reinas” y “El Aura”.

“Nueve Reinas era una fábula acerca de la realidad de Buenos Aires; una fábula de ladrones y policías, de personas honestas y de estafadores, de personas a las que les pueden hacer la cama de la mejor manera. Si Estados Unidos no vio la versión original, seguro vieron “Criminal”; y chequeen los créditos porque él está ahí y si yo viera “Nueve Reinas” hoy, estoy seguro que sentiría lo mismo: Wow!

Le llevó cinco años sacar su segunda película. No sé cuando empezó a escribirla, cuando la terminó ni en cuanto tiempo la filmó, pero sé que hizo un trabajo perfecto. Una película como “El Aura”, en cualquier otro país, es una muy buena película de Argentina, pero para nosotros es algo que nunca vimos antes; algo que nos hace sentir y pensar.

El cine argentino es nacionalista; muestra nuestras costumbres, la vida familiar…Y eso es genial, porque los nuevos directores tienen la posibilidad de contar historias reales y de llegarle al espectador. Pero con Bielinsky la línea es indiferente; el personaje principal en “El Aura”, un taxidermista, podría ser una persona de cualquier parte del mundo; pero es argentino y va a la Patagonia en un viaje de caza.

Lo que pasa durante ese viaje no lo puedo decir, pero dar pistas; es acerca de un robo que el personaje principal de Bielinsky siempre soñó, acerca de un perro que representa mucho más que un animal, acerca de secretos contados y secretos sabido, acerca de la epilepsia. El taxidermista tiene ataques epilépticos y la película apenas se ha levantado luego de tener uno.

En una ocasión, le preguntan: “Te duelen?”. “No”, él dice. “Sé cuando van a venir, porque unos segundos antes siento algo…Los doctores lo llaman ‘aura’…” La explicación que sigue esa declaración es una pura demostración del lenguaje cinematográfico. Porque Bielinsky entiende el lenguaje, juega libremente con él.

Su película está llena de silencio, pero no sería tan buena sin las tomas que consigue mientras el silencio dura y las expresiones faciales del taxidermista; pero ese es el trabajo de un actor. Ricardo Darín es el actor más popular del país, pero lo vemos actuar cada vez, y los que amamos el cine sabemos; que hoy él también es el mejor actor que tenemos. Solamente mírenlo aquí en el silencio, presten atención a su lenguaje corporal: carga con la película en sus hombros.

Sin embargo, el resto del elenco es de primera línea. Dolores Fonzi, Alejandro Awada, Jorge D’Elía, Pablo Cedrón, un talento creciente llamado Nahuel Pérez Biscayart (René en “Amas de casa desesperadas”) y una totalmente inesperada y reveladora interpretación de Walter Reyno. La película ha sido discutida de muchas maneras, porque podría significar más de lo que parece significar. Ni se preocupen por eso, sólo admiren este trabajo único y siéntanse felices por ello.

Fabián Bielinsky: que descanses en paz.

---8/10

Friday 13 April 2007

Recomendaciones

Si vieron alguno de estos films y lo encontraron por lo menos bueno, les propongo algunos otros interesantes para chequear el fin de semana si hay tiempo:


"The Talented Mr. Ripley": La historia del hombre que mencioné en una detallada película con Matt Damon en una de sus mejores interpretaciones. Philip Seymour Hoffman también participa.
Por el otro lado, "La mirada de los otros", una de las recientes y divertidas comedias de Woody Allen; y finalmente "El Gran Truco", sorprende film del director de "Memento" para ver a Hugh Jackman y a Scarlett Johansson en buena forma una vez mas.

Allen Mágico

Como no expliqué todavía, “Match Point” fue la primera de las películas de Allen realizadas en Londres y se estrenó previamente alrededor del mundo.

Como sí expliqué, puede que se encuentren similitudes entre esta y la crítica anterior por obvias razones, aunque creo que la mayoría están expresadas en “Scoop”. A continuación, la crítica de “Match Point”. Con esto doy por concluida nuestra primer semana de contenido y, por supuesto, acepto cualquier comentario o petición que se les ocurra.


"Match Point"





“Match Point” no se mueve lentamente. Todo pasa tan rápido que te lo perdés si te das vuelta por un instante. Aún así, la duración de la película sobrepasa las dos horas, y cuando pensás que ha pasado una hora, sólo han sido treinta minutos. Mi abuela dijo: “Dicen que ésta peli no es como las de Woody Allen pero tiene el ojo del genio”. Tenía razón; Allen ha creado la trama más común con los menos comunes resultados.



Basándola ligeramente en algo acerca de una cuestión de suerte, el maestro desarrolla su juego en Inglaterra, particularmente en Londres, precisamente en la clase alta de la sociedad. Un instructor de tenis irlandés, antiguo profesional llamado Chris Wilton (el talento creciente Jonathan Rhys Meyers) pide dar clases en un club de tenis. Pronto compra un departamento y conoce a Tom Hewett (un sorprendente Matthew Goode) y va a una ópera con sus padres porque comparten la misma pasión.

Aquí es cuando uno se pregunta si Chris pudo haber estudiado a Tom y sabido lo que le gustaba, si sólo lo presintió o si simplemente tuvo suerte. Chris dice al comienzo de la película: “Hay un momento en un partido de tenis donde la pelota pega en la parte superior de la red y se mantiene en medio del aire por un segundo. Con un poco de suerte, la pelota pasa y ganás; o no, y perdés”. Esa declaración es presentada más tarde en la película con muchas situaciones pero específicamente en un momento crucial.

Pronto, de vuelta, Chris conoce a la hermana de Tom, Chloe (Emily Mortimer), empieza a salir con ellas y va a la casa de verano de sus padres (sin fallas pero limitados Brian Cox y Penelope Wilton), generando una buena relación con ellos. Llegamos a conocer al personaje principal (a todos ellos) y predecimos sus ambiciones y el lugar al que quiere llegar. Sin embargo, está rodeado de gente que juega el juego, sabe las reglas y conoce las consecuencias.

Pero siempre hay una debilidad; en este casi, es el bastante creíble afeccto de Chris por Chloe. Cuando los padres de Chloe se dan cuenta de que ambos se están enseriando, quieren ayudarlo, incluso cuando él (muy inteligentemente) no lo pidió. Luego Nola Rice, (Scarlett Johansson) la prometida de Tom aparece, y conoce a Chris en medio de un partido de ping-pong cuando él trata de ayudarla de modo provocativo. “Nadie te dijo que tu juego es agresivo?”, ella le pregunta. “Nadie te dijo que tus labios son hermosos?”, él le responde.

Ahora Chris ha hecho mucho para llegar dónde está y sabe que la única manera de arruinarlo es intentando algo con ella; o por lo menos eso es lo que ella le dice. El vocabulario y la forma de hablar utilizada en cada escena es admirable. En la línea de lo que Patrick Marber hizo en “Closer” hace poco, pero de una mejor manera. Allen hace la seducción del personaje creíble con sus palabras. Lo creemos aquí, por qué nos permite entrar en sus mentes.

Entonces nos sentamos y miramos, pacientemente, y cuando pensamos que conocemos a los personajes, acciones ocurren y no podemos creer lo que estábamos pensando. Es por eso que el guión de Woody Allen resalta más que su dirección: sorprende por completo. Su dirección, por el otro lado, muestra su siempre increíble control de actores y una cámara que hace un largo movimiento observando cada escena que filma.

La música está constituida simplemente por cortas o largas partes de óperas famosas, que es tan trágico como el tono de la historia; la editora Alisa Lepselter presta mucha atención por los cortes bruscos que definitivamente prueban que Allen no está haciendo una comedia más. El personaje centrar hace muchas cosas para causar efecto en las personas y ganárselas; pero Chris Wilton no es ningún Tom Ripley.

Ripley era un verdadero genio, desinteresado en lo que sus decisiones causarían en cualquier persona; Wilton se acuesta con un manual acerca de “como leer a Dostoievski”, para así poder impresionar a un hombre mayor. Ripley no sentía; Wilton es vulnerable, y no posee una mente maestra: por consecuencia depende de la suerte. Podría bastarle, o no.

---9/10

Monday 9 April 2007

Woody Allen y Londres


Como algunas personas saben, en este momento yo me encuentro en la ciudad de Londres estudiando inglés, por lo que para inaugurar la sección de críticas interactivas decidí empezar con el señor Woody Allen y algunas de sus películas más recientes.

Dos de éstas, “Match Point” y “Scoop” tienen una característica particular que me lleva a explicar mi punto: ambas fueron filmadas en Londres. En un cambio radical, Allen, más que acostumbrado a filmar en los Estados Unidos (Manhattan, particularmente), tomo la decisión de hacer una película en Inglaterra, y luego otra. Eligió Londres para desarrollarlas y no creo que le haya ido tan mal.

Por esta razón, es probable que ambas críticas destaquen similitudes entre las dos cintas. La crítica de “Scoop”, recientemente estrenada en nuestro país, a continuación.

“Scoop”


He descubierto dos cosas. La primera es bastante interesante y evidente y es que Woody Allen se está enamorando de la ciudad de Londres, porque ha hecho dos inspiradas películas allí; la segunda es obvia y entendible: Woody Allen se enamoró de Scarlett Johansson…Y quién no? Estos dos hechos nos llevan a “Scoop”, la segunda película del inspirado trabajo de Allen en Londres, que tiene a Scarlett Johansson como la mujer principal.

“Scoop” pasó claramente desapercibida en los Estados Unidos, seguramente porque Allen la estrenó muy pronto después de la brillante “Match Point” y el público no fue capaz de digerirla. No estoy diciendo que “Scoop” sea otra obra maestra, pero si la gente hubiese prestado más atención, los resultados hubieran sido apreciados. Después de todo, es el mejor trabajo de crimen/comedia de Allen en años; su mejor comedia desde “Hollywood Ending” (“Anything Else” no fue buena) y la mejor mezcla desde “The Curse of the Jade Scorpion (La maldición del escorpión de Jade)”.

Es también una bendición tener al hombre mismo de vuelta en el elenco, después de haberle dado la oportunidad de interpretar los papeles que escribe para si mismo a actores jóvenes como Jason Biggs. Si Woody Allen escribe una película, el mejor actor para interpretar el tipo de roles masculinos que él crea es Woody Allen. Esos exageradamente maníacos, hiperactivos y demostrativos hombres que conocemos de memoria. Esta vez ha elegido a un mago llamado Sidney quien, cada vez que llama a un miembro de la audiencia para hacer un truco, le da el mismo discurso: “Quiero que sepas que, con todo respeto, creo que sos una persona hermosa y te amo…Lo digo desde el fondo de mi corazón y lo digo en serio”.

La afortunada señorita que un día sube al escenario es Sandra (Johansson), una aspirante a periodista que, en el medio del truco de magia, conoce a un reconocido reportero muerto que le cuenta el rumor: “Peter Liman es el asesino de las cartas de Tarot que la policía está buscando”. Pronto, el mago y la chica están en el medio de una estrategia para conocer a Liman, el hijo de un Lord Inglés. Hugh Jackman interpreta a este personaje con todos los manierismos y el vocabulario de un respetado caballero inglés que, por supuesto, no parece para nada un asesino.

Los eventos ocurren con el usual estilo de Allen y una línea similar de trabajo técnico a la que vimos en “Match Point”. Nuevamente, el director busca tomas que exploren los sitios que los personajes conocen, moviendo la cámara de un lado a otro; y Londres no se ve tan distinto al mundo que presentó en su anterior película, cortesía del mismo director de fotografía, Remi Adefarasin.

Sin embargo, ha hecho un pequeño cambio en la selección musical. Dejando la ópera de lado, ha elegido música clásica que fue correctamente editada para generar el impacto dramático necesario en las escenas más intensas. Por suerte, su trabajo con los actores está intacto y si se ha enamorado de Scarlett Johansson ha sido para bien; porque saca lo mejor de ella. Pero ver al viejo Allen haciendo lo suyo a esta edad y haciéndolo con estilo, no tiene precio.

---7/10

Introducción

Que es “Los sospechosos de siempre”?

Para empezar, es una excelente película de suspenso y acción, listo. Quiénes son “Los sospechosos de siempre”? Son entonces los actores que interpretan a los personajes principales de la película recién mencionada; pero como dije, eso es para empezar.

Hoy “Los sospechosos de siempre” toma otro significado, singular si se quiere, convirtiéndose en un espacio para los aficionados u amantes de ese arte tan hermoso que es el cine. En esta nueva interpretación, “Los sospechosos de siempre” no son más que aquellos momentos cinematográficos que quizá marcaron nuestras vidas; aquellas actuaciones tan perfectas que nos inspiraron; aquellos guiones tan inteligentes que nos hicieron pensar, aquellas tomas que instantáneamente nos llevaron a querer agarrar una cámara.

Quiero invitarlos personalmente a compartir esta pasión que muchos tenemos y, si no existe, quisiera arriesgarme e intentar despertarla en ustedes. Quiero que se acerquen a leer y a opinar sobre las diferentes críticas y opiniones de diversas películas que serán presentadas de manera interactiva; sin importar que estén de acuerdo o no.

Aquí podrán encontrar, además de las críticas cinematográficas, secciones especiales sobre temas relacionados con el cine; como informaciones relevantes de la industria, recomendaciones de programas especiales que puedan llegar a transmitirse así como de películas y cualquier otra variante que realmente valga la pena hacerles llegar.

Asi como escribo, espero recibir cualquier tipo de pregunta y con suerte poder ser de ayuda para cualquier cosa que quienes comparten esta pasion quieran averiguar o, bueno...Ustedes saben a que me refiero.

Sin más preámbulos…Bienvenidos!

A partir de este momento, somos todos sospechosos ;)