BAFICI: Ida y vuelta interminable

Perdón por la tardanza, están llegando semanas difíciles..Pero espero que realmente disfruten de este especial Sospechosos!


El Atlas de Santa Fe y el Hoyts del Abasto. Por varias razones, esas eran las dos sedes del festival 11 de Cine Independiente de la ciudad que me quedaban más cómodos y a las que ciertos días visitaba más de una vez. No sé que es lo más divertido de un evento como el BAFICI, se pelean posiciones ciertas cosas: ese ida y vuelta desafiante para llegar puntual a ver un film; la gente que uno conoce; la gente que, con reservas, decide acompañarte (gracias Ro!); la gente que uno se encuentra o, directamente, las películas.

De éstas vi muchas; 15 para ser exactos y, un poco como lo que hice el año pasado, trataré de reseñar brevemente cada una de ellas. Fue difícil comenzar a escribir: se está dando todo el ‘backlash’ (es decir, los comentarios que vienen apenas termina) del festival, con algunas polémicas interesantes que estuve tratando de seguir. Pero creo que lo importante es remontarme a todas esas imágenes que me tuvieron en una sala de cine a horarios impensados y decirles que el BAFICI sigue siendo algo que vale la pena, ya sean “espectadores artesanales” (en definición de Xavier Vidal) o no.

Para hacerlo más entretenido, las piezas van a estar divididas en grupos, que tienen que ver un poco con mi impresión sobre las mismas.

LA PRIMERA

-Wendy and Lucy, de Kelly Reichardt (2008, 80'), EE.UU
Sin antes haber visto nada de la directora, nos sumergimos en este film después del mediodía. Tierno como pocos, con un susurro musical en el fondo, la historia de una mujer que decide darle un vuelco a su vida y que involucra a su adorada perra en la travesía, fue una encantadora sorpresa. De esas películas en las que “no pasa nada” -como tanto me gusta decir- pero una intensa protagonista (Michelle Williams) y las acciones de la gente ordinaria que se encuentra en el camino, elevan al film algunos escaloncitos.

REFLEXIONES

-Les Plages d' Agnès, de Agnès Varda (2008, 110'), Francia
Aunque me sentí un poco afuera por no haber visto ninguno de sus films, esta suerte de documental biográfico de la directora francesa me encegueció, para bien. Tomando la playa como punto de partida, nunca tiene miedo de mostrarnos con total transparencia su trabajo. Con una voz muy cariñosa, nos muestra las razones de las escenas de ciertos films (y las escenas mismas), se pasea de un encuadre a otro y hasta nos lleva a la casa donde se crió en la actualidad (habitada por un ser particular), confesando que al hacer esa visita hizo un trabajo de filmación pésimo. Repito, no es un tema que domine -la Nouvelle Vague y todo lo que generó- pero Varda nos da tanta libertad y nos hace sentir una parte tan fundamental de su vida que es imposible no enamorarse de esa viejita.

-Achilles and the Tortoise, de Takeshi Kitano (2008, 119'), Japón
Otro viejito, Kitano. Pero el no quiere encariñarse tanto, sino que quiere reírse de él mismo y que nos riamos de (y con) él. Con la excusa de un niño que sueña ser pintor, la película no cobra vida verdadera hasta que el mismo Kitano aparece en pantalla en el rol principal y vemos sus continuas frustraciones por hacer conocido su arte. Créanme cuando les digo que este viejito lo intenta todo, y pone en riesgo su vida y la de su familia. No es saludable tal sacrificio, sobretodo cuando hay personajes de mierda (no ‘malos’, sino de mierda) que jamás le darán una oportunidad. Mientras tanto, y quizá excediéndose, el viejo reflexiona; sobre el arte (dónde y cómo pararse para pintar algo), la vida (qué es y por qué la damos), el amor (cuánto puede soportar) y el cine (que es todo, ¿no?). La música de Yuki Kajiura es fantástica.

-Aquele querido mes de agosto, de Miguel Gomes (2008, 147'), Portugal.
No sé si se permite colocar a un cineasta tan joven en una posición de reflexión, pero Miguel Gomes, desde el comienzo del film que ganó el premio a mejor película, se para desde afuera. Al hacer una película sobre tipos que hacen una película, cuyos participantes a la vez están viviendo otra ‘especie de’ película (con historia de amor joven incluida), es innegable que su ambición es enorme. Cualquier film de este tipo atrapa a un amante del cine: planos largos y cuidados del paisaje; repetición de momentos desde diferentes perspectivas; personajes entrañables; risa, lágrimas, decepción en algún momento. No es un film perfecto, pero nos mantiene todo el tiempo reflexionando sobre ‘qué’ exactamente está pasando por nuestros ojos. Hay, y me dan ganas de contar, una o dos partes verdaderamente grandiosas, que incluyen a una viejita simpática, a dos jovencitos y un desfile y un final para el recuerdo. Pero consíganla, porque es un desafío y una prueba para cualquier persona que dice “amar el cine” en su naturaleza más pura. Si esto no les mueve un pelo, no vuelvan a hacer esa afirmación. También es un film musical; no porque la gente canta (que sí sucede), sino porque se vale de la música para dejar que se expliquen varios momentos cruciales; o que se sobre expliquen, pero de forma válida. Me quedé corto.

OPERAS PRIMAS

-Sita Sings the Blues, de Nina Paley (2008, 82'), EE.UU
El film de Nina Paley es animado y arriesgado. Que sea animado hoy no es algo nuevo; la revolución nos supera. Hay que darle el mérito a Paley por haberlo hecho completamente por su cuenta (se ríe de esto en los créditos) y por mezclar algo tan actual como la animación con algo tan mítico y épico como la historia de Sita (más precisamente el relato indio de “Ramayana”) y con algo un poquito más moderno como las canciones de jazz de Annette Hanshaw. Es algo que en ciertos momentos y por algunas secuencias musicales que suenan a relleno, flaquea; pero jamás había visto algo igual.

-Hunger, de Steve McQueen (2008, 96'), Reino Unido.
La primer película de McQueen me produjo sensaciones mixtas. ¿Qué quiere lograr el director con el film? Ilustrándonos algo que ya pasó y que los británicos conocen, logra inspirados momentos de tensión, giros impredecibles dentro de una linealidad imposible de escapar y una intensidad general que asfixia. ¿Pero para qué? ¿Para que podamos entender el sacrificio de un hombre? ¿Para que realmente lo tomemos como el mártir en el que, en tono de burla, un amigo de la iglesia le dice que se quiere convertir? Hay una charla entre el protagonista Bobby Sands (Michael Fassbender) y un cura (Liam Cunningham); es un plano fijo de casi media hora y da la impresión de que todo lo que McQueen quiere decir, lo dice ahí. Después hablan las imágenes (sin repetir, sino sólo creando atmósfera), poéticas y dolorosas. Pero el film como declaración (si es que algo de eso intenta recuperar el director) se terminó antes.

L’ AMOUR FOU

-Everyone Else, de Maren Ade (2009, 119'), Alemania.
Tenemos la sensación de haber visto la película de Maren Ade alguna otra vez. Una pareja joven que se escapa de viaje e intenta lidiar con sus problemas, que se presentan una y otra vez en diferentes maneras y que se acrecienta al máximo al encontrarse con otra pareja… La cámara sabe dónde pararse, los actores son los mejores que vi en el festival y hay una incómoda tensión que se traspasa hacia la audiencia. El problema es que todo está ahí, claro, imponente, a la vista. Si hay cosas que el film no dice las tenemos que inventar o imaginar, pero no parece que hiciera falta.

-La Frontière de l'aube, de Philippe Garrel (2008, 106'), Francia.
Una pareja un poquito más joven es la que protagoniza esta loca historia de amor y el primer film que veo de Garrel. Una señora que conocí me dijo que acá había dos películas, que era acerca del abandono el tema: un doble abandono. La explicación me superó, sobretodo cuando ella me comentó que supo inferir una delirante y momentánea referencia al mayo francés. Desde mi joven percepción, yo destaco una romántica investigación del amor, en la que dos personas se desafían (no tanto como los de “Everyone else”) mientras intentan averiguar qué es lo que están sintiendo y si realmente merece el nombre que se le suele dar. Garrel logra que defendamos a Francois, el personaje que interpreta su hijo, ya que la protagonista femenina tiene complejos importantes y en un momento me hizo pensar que el propósito del film era plantear si “alguien merece ser querido o no”. Pero después llega otra mujer, y la cosa cambia un poquito. Aún más cuando aparecen fantasmas…

-Nunca es tarde para amar/Cloud 9, de Andreas Dresen (2008, 98'), Alemania
Aquí también se vive el amor a flor de piel. La diferencia es que los enamorados tienen más de setenta años. Hay un problema con el film que, si bien es arriesgado y emotivo por momentos (nadie quita el mérito de los increíbles actores que improvisaron todos los diálogos), tiene contrastes muy marcados. Inge, nuestra vieja traviesa, engaña a su marido comportándose como una niña. Nadie le impide que se vuelva a enamorar, pero el film hace muy evidente la diferencia entre la vida aburrida que lleva con su esposo y la aventura (lo máximo que se puede sacar de la palabra a la edad mencionada) que le proporciona el nuevo amante. Eso no huele bien, y hay un golpe bajo e innecesario al final que lo hace peor. El film se acaba de estrenar comercialmente en algunas salas.

-Four Nights with Anna, de Jerzy Skolimowski (2008, 87'), Polonia
Otra de amor, pero de uno no correspondido; o que quizá si las cosas hubieran sido distintas podría haberlo sido. El elemento que juega a favor en el film polaco es algo de suspenso y de resolución policial. Algo que ocurre al comienzo del film marca un antecedente que le hace ruido en la cabeza al espectador sin nunca aclararse del todo. Además, el protagonista es uno de esos tipos bien raros, que actúa de la forma en que lo hace porque se le puede presentir un pasado oculto. ¿Qué es lo raro del tipo? Bueno, que se mete en la pieza de una mujer cuatro noches seguidas, inventándose un romance inexistente. La película llega hasta a niveles cómicos, cuando le preguntan por qué lo hizo, y responde: “Por amor”.

-Les Amours d'Astrée et de Céladon, de Eric Rohmer (2007, 109'), Francia
Rohmer da pie al último de los romances. La primer película que veo del célebre director muestra a dos pasionales amantes (Astrée y Céladon) que están separados la mayor parte del relato. Esta vez el amor es algo discursivo, algo que se analiza y se trata desde todos los ángulos posibles mientras estos personajes se anhelan en la distancia. Para algunos el amor es la unión de dos personas en una, para otros eso es una completa ridiculez; para Céladon es hacerle caso a lo que su amada le pide, aunque esto implique no poder tenerla cerca. La película parece desarrollarse en una época muy antigua, pero en estas divagaciones (quizá algunas están de más) sobre el amor y otros asuntos, Rohmer le hace un guiño al espectador actual, permitiendo que éste se ría gustoso de algunas idioteces. El final del film hace creer que todo ha sido un gran chiste.

MI TOP 3

-Delta, de Kornél Mundruczó (2008, 92'), Hungría
La mejor película que vi en el festival. En algún lugar de Hungría, un hombre aparece de repente, y pregunta por su madre. No sabemos qué hace allí ni por qué llegó justo en ese momento, pero al film no le importa, y nosotros entendemos que tampoco nos debe importar. El hombre se llama Mihail (Félix Laijkó), tiene dinero y se escapa a una cabaña para construirse una casa. Su hermana Fauna (Orsolya Tóth, la mujer más hermosa que vi en el festival y una gran actriz) decide ayudarlo, lo que luego implica escapar de su casa y de algunos personajes que no he mencionado por no revelar grandes y dolorosos momentos. La forma en que Mundruczó construye una tensión entre los dos hermanos es maravillosa: cómo se miran, cómo se hablan y se sonríen (al comienzo a lo lejos, después estando más cerca). Es más que una tensión meramente sexual, ya que el relato tiene muchas capas… Es como que cada uno ve una parte suya en el otro, como ‘eso’ que falta. Hay una importante cantidad de silencios y una belleza en las imágenes (en varios momentos acompañada por una excepcional partitura) que no es para nada pretenciosa. Pasan muchas cosas para lo poco que dura el film. El momento clave se da cuando todo se oscurece y ya no podemos saber lo que está pasando, aunque el final nos da una devastadora idea: la de algo que pudo haber sido grandioso. Es también una de las mejores películas que vi en mi vida, sin duda.

-Encarnação do Demônio, de José Mojica Marins (2008, 90'), Brasil
Casi a la medianoche, y con la sala del Atlas 1 llena, este film es para mí el equivalente de este año a “Sukiyaki Western Dyango”. Un film de género, con respeto a ese género pero también con la capacidad de burlarse del mismo. Con un protagonista único interpretado por el director, que es un hombre de mucho virtuosismo para crear escenas terroríficas que terminan en lluvias de sangre, la película no sólo recibió una ovación al final, sino al finalizar ciertas secuencias. Un despliegue visual para el goce del espectador; testimonio viviente de una leyenda y de algunas de las mujeres más calientes de las pantallas festivaleras.

-Excursiones, de Ezequiel Acuña (2009, 80'), Argentina.
No se puede decir tanto del tercer film de Acuña. Comparte elementos con “Nadar Solo” (su segundo largo no lo vi) y mantiene la línea que tan querido lo hizo por muchos. Acuña todavía es joven pero tiene una capacidad innata para llegar a un público mayor. Con este film, que tiene toques magistrales de comedia, lo demuestra. Y no es sólo eso en una película que realmente no se puede explicar. Es también la confianza total en los actores como creadores de una realidad que es tan real como la realidad misma, y que también es desprejuiciada o, mejor aún, como decía una chica que conocí y que luego me encontré en la fila para ver la de Rohmer, “honesta”.

LA ULTIMA

-El cant dels ocells, de Albert Serra (2008, 98'), España.
No puedo hablar mucho de Serra. No vi su primer film, no entendí del todo este porque era el último del festival para mí y honestamente me dormí durante la mayor parte del metraje. Sé que hay algo más de lo que se ve, una confianza y una concepción que está un poco más lejos. Pero me falta entenderlo mejor y tomarme el tiempo.

BONUS TRACK

-Second Sight, de Alison McAlpine
En la película de Gomes me encontré con una directora canadiense, me contó de su film “Second Sight” y decidí ir a echarle un vistazo aunque no estuviera en mis planes iniciales. La película es muy corta, dura cincuenta minutos y en algunos momentos se parece a esos programas de fantasmas de Discovery Channel. El lado positivo es que la película funciona como testimonio de los últimos sobrevivientes de una generación que creció sin televisión ni Internet, y que vivía para y por contar historias (de fantasmas). En ese aspecto, y gracias a un simpatiquísimo protagonista, el film sale victorioso.

Saludos Sospechosos!