Peticiones

Estamos posteando hoy nuestra segunda edición de la sección “Peticiones”, aquella en la que me dedico a cubrir películas que mucha o poca gente me ha pedido varias veces y que por eso mismo siento la necesidad de ver.

Caí con el film de hoy (que tiene que ver con todo lo que vimos en la semana) el otro día. No soy Joaquín Urdinez con su don para la controversia, pero espero que esta crítica no genere mucho debate (que igualmente nunca viene mal) porque creo que las cosas están muy claras. Sé que me arriesgo al descontento de uno de los grandes lectores de este blog, el Grillo; pero esta es su petición y esto es para él.

La crítica de “Footloose”, a continuación.

"Footloose"

Los créditos iniciales de "Footloose" son una fiesta. La cámara enfoca los pies de varias personas haciendo diferentes pasos de baile mientras una música pegajosa suena en el fondo. Hay una chance de que se pierdan los créditos porque el movimiento de los pies podría distraerlos; creo que eso es efectivo. Creo que los primeros diez minutos del film también son efectivos: con la cámara mostrando diferentes tomas de lo que claramente es un pequeño pueblo y llevándonos a la iglesia, donde el Reverendo Moore (John Lithgow) da un discurso acerca de como bailar corrompe el espíritu de los jóvenes.

Cuando la misa termina, vemos a Ariel (Lori Singer), la hermosa hija del Reverendo, y a sus amigos en un auto corriendo una carrera contra la camioneta del chico rudo Chuck (Jim Youngs), cuando inesperadamente Ariel sale por la ventana del auto y se para en el medio de los dos vehículos, sabiendo que un camión viene del otro lado. No se muere, pero entendemos que la película hace una declaración: una chica está enojada con su padre porque está prohibiendo la libertad entre los adolescentes, la controla todo el tiempo y no la deja vivir su vida.

Esta no es una premisa que no conocemos, y aunque es interesante, la película nos provee algo más interesante aún: Ren McCormack. Interpretado por Kevin Bacon con la suficiente cantidad de arrogancia y la humanidad necesaria, Ren es el chico nuevo en este pueblito y está a punto de traer problemas porque baila bien y quiere que todo el mundo baile. Sin embargo, ese es el punto máximo de 'interesante', en lo que respecta a la trama.

No les contaré nada más porquue creo que cada uno debe experimentar un film por cuenta propia y sacar sus propias conclusiones, pero tengo que decirles que mi experiencia de "Footloose" fue una decepcionante. Sí, hay buena música y coreografías (y sé Yaye lo que podés llegar a decir de los '80), y el trabajo de Kevin Bacon es riesgoso y digno de admiración (también lo es el de Chris Penn como su mejor amigo Willard), pero no hay absolutamente nada más.

Mientras que esperamos que un nuevo tema empiece a sonar, el director Herbert Ross lucha para mantener nuestra atención y cubrir los grandes hoyos en el guión de Dean Pitchford (hay momentos en los que esto es imposible y nos estancamos en excesivos minutos de música de fondo). Tomen como ejemplo cualquier conversación o situación; sólo una basta para ver lo cerrada y poco creativa que es la escritura de Pitchford. Y no es así porque los personajes habitan un pueblo con convicciones cerradas: es así en su naturaleza, y hace imposible que nos conectemos con cualquiera de los personajes e incluso que recordemos sus nombres (traten de recordar el nombre de la mamá de Ren para cuando termine el film). Matsan me preguntó una vez por el nombre de un tipo que aparece mucho en el film, pero parece más un accesorio que un personaje.

Luego de un día de escuela, Ren va en el auto por las calles junto a una cantidad de pibes (por decirlo así) que no nos interesan. Okey, tal vez no nos deberían interesar, pero la mayor falta del guión es fallar en el desarrollo del único personaje con el que nos deberíamos relacionar. Si piensan en una razón instantánea para que Ren y su madre estén en un nuevo pueblo, no la encontrarán. Y la película da razones para esta situación y muchas otras, pero lo hace durante los momentos incorrectos. Cada vez que una confesión honesta sale de la boca de uno de los personajes, no estamos preparados para oírla y no logramos digerirla por completo.

Sentí que hubo un problema de conexión entre cada escena; que todo se movía o muy rápido o de manera inesperada, como la confesión. A veces lo inesperado es bueno: no aquí.

Verán...Satine tenía sentimientos, estaba atrapada en una situación y lo sentíamos por ella (esto es "Moulin Rouge!"); Roxie Hart tenía aspiraciones, sueños (esto es "Chicago"). Ren McCormack aparentemente tiene todas estas cosas también, pero cuando el film le da la posibilidad de defenderlas, dos veces; en la primera no es lo suficientemente convincente y la segunda la película saltea la escena.

Por supuesto que me pueden decir que es un musical y que la historia es menos importante y no debe ser tomada en serio y muchas otras cosas, y es por eso que puse los ejemplos arriba; pero esto es sólo en parte. El hecho es, y esto no puede negarse porque es algo patente a lo largo del film, que la historia de "Footloose" y las emociones de los personajes están llenas de seriedad: es la intención de los realizadores que nosotros la tomemos en serio.

Y si no es así, entonces vi otra película.

---5/10

“¿Cuándo seré normal?"

Esa es la pregunta que Walter, el personaje principal de “El hombre del bosque” (creo que así se estrenó en el país), se hace en algún momento de la película. Este film podría clasificar tranquilamente como una “Rareza de la semana” aquí en el blog: no fue una película para nada taquillera y mucha gente no la tiene registrada.

Se da a veces, con varios actores, que realizan un film independiente que no es visto por mucha gente, y sin embargo sus actuaciones son reconocidas y llegan a las primeras filas de las carreras para el premio de la Academia al final del año. Ocurre tanto con actores respetados y populares como con actores poco conocidos: dos casos recientes son el de Julie Christie con “Lejos de ella” (la veremos aquí pronto) y el de Ryan Gosling con “Half Nelson”.

Uno hubiera pensado, luego de ver el film que trataremos a continuación, que a Kevin Bacon finalmente se le daría esa oportunidad. No, para mí no es en “Footloose” que consigue su mejor interpretación sino en esta turbia película que merece ser vista. Después me dirán que piensan.

La crítica de “The Woodsman”, a continuación.

“The Woodsman”

No sabía lo importante que era este proyecto para Kevin Bacon, porque lo produjo, influenció en su desarrollo y hasta invitó a su mujer a trabajar a su lado. No sé si fue Walter, el pedófilo al que interpreta en el film lo que lo atrajo. Debe haber sido eso, y como el tema está tratado en el brillante guión de la directora Nicole Kassell; un personaje tan complejo y atrapante que podría derivar en la mejor actuación de su carrera (fíjense lo que le paso al Gran Philip Seymour Hoffman con su Truman Capote; eso tampoco lo hemos visto).

Esta es una de las películas más fuertes que he visto en mi vida. Fuerte por el tema, por sus personajes, por lo que les pasa y cómo lo manejan. El amor a mayor edad se vuelve más complicado. Cuando Walter conoce a Vicki (la mujer de Bacon, Kyra Sedgwick) en el trabajo, ella sabe que esconde un secreto, y en uno de sus encuentros románticos él está a punto de revelarlo, preguntándole: “Qué es lo peor que has hecho?”. “Tuve relaciones con el marido de mi mejor amiga, qué es lo peor que tú has hecho?”, pregunta ella ahora. “Acosaba a niñitas pequeñas”. Cuando Vicki empieza a reírse, Walter se enseria: “Doce años en prisión no es ningún chiste”.

Vicki es una de las tantas personas que Walter conoce en su nueva vida. En el trabajo está el honesto jefe Bob (sólido David Alan Grier), la entrometida Mary Kay (lo mejor que se vio de Eve) y el resto de los compañeros. En la ciudad también está su cuñado Carlos (sorprendente Benjamin Bratt), marido de su hermana Anette y padre de su sobrina Carla. El Sargento Lucas (Mos Def, genial en su mejor actuación) visita a Walter constantemente para preguntarle cosas y asustarlo. Es en estos momentos en los que nos damos cuenta como el film combina sus elementos a la perfección. Los movimientos: el moverse o quedarse quieto; el sonido: el poner música, escuchar los alrededores o quedarse en silencio.

Consideren una escena en la que Walter habla con Carlos en un bar, acerca de mujeres, hasta llegar a Carla, nieta del primero e hija del segundo. La música que escuchábamos en el bar comienza a diluirse mientras que Carlos cuenta lo mucho que ama a su hija y Walter pregunta: “Tienes a veces sentimientos Carla? Sentimientos como…”. Ahora una música perturbadora (como salida de una partitura de Jon Brion) cubre todo el sonido mientras Carlos grita: “Yo no tengo tu enfermedad!”.

Luego en otra escena, Walter persigue a una nena en un shopping y en un momento se frena. Hay un silencio total por y por dos segundos, parece que estuviéramos dentro de su mente. Luego se lo contará a su psicólogo (competente Michael Shannon), con quien Walter comparte preguntas y sensaciones profundas; y también escribe en un diario donde revela sus sentimientos más íntimos, y parece estar volviéndose loco. El modo en que Bacon lidia con todas estas situaciones es admirable. Crea un personaje que, al caminar por la calle con la cabeza gacha y las manos en los bolsillos, realmente asusta. Esto es lo mejor que yo lo he visto hacer, pero como suele pasar, el merecido reconocimiento siempre lleva tiempo.

Acerca de Nicole Kassell (cuyo primer largo fue este y no ha vuelto a dirigir), el ambiente es…Fuerte. También lo es su equipo y su forma de trabajo. Kassell toca algunas referencias con el título del film, como en una escena en la que el Sargento Lucas le cuenta a Walter acerca del “hombre del bosque”. Uno escucha la fábula, con atención, y trata de descifrar si Walter podría o no ser ese hombre del bosque; porque cuando conoce a Robin (increíble Hannah Pilkes) y le habla en la mejor escena del film, algo además de sus lágrimas resalta en su expresión. Sabemos que es malo, y queremos lo mejor para él aunque no deberíamos. Entonces Robin, que ama a los pájaros, dice: “Los pájaros son mis amigos; saben que los estoy viendo y que no les haré daño”. Deseamos que ocurra lo mismo con el problema de Walter.

---8/10

El actor sin nominación

El otro día el Matsan se acercó a preguntarme si Patrick Swayze había estado nominado al Oscar. Yo le dije que no, pero el creía que sí. Swayze nunca estuvo nominado, pero es cierto que son tantos actores y tantas películas que a veces hasta nos convencemos de cosas que no son tales. Otras veces, queremos, por ejemplo, que un actor tenga una nominación o un premio porque se lo merecen.

Este es el caso del actor que veremos esta semana: Kevin Bacon. Como lo indica el título, y como mucha gente lo sigue encontrando sorprendente, Bacon jamás ha sido nominado al premio de la Academia. Sin embargo, poca gente podrá dudar en que ha tomado riesgos y en que debe habérselo merecido en un par de ocasiones. Su mejor actuación la tendremos la próxima.


Hoy vamos a ver “Ecos Mortales”. Yo debería estar durmiendo; es semana de parciales y con los chicos de la facultad estamos estudiando mucho. Espero no decepcionar a nadie, y menos a ellos en este momento, con cualquier referencia despectiva (por más mínima) hacia “La ventana secreta”, film que algunos consideran muy bueno.

La crítica de “Ecos Mortales”, a continuación.

“Ecos Mortales”

Nunca sabré si fue porque a la tarde había visto una obra de terror, o porque el clima era fresco, pero “Ecos Mortales” me dio muchos escalofríos. De hecho, me asustó muchísimo. Basado en la novela “A stir of echoes” de Richard Matheson, el guión de David Koepp es algo que sólo un escritor dotado puede lograr.

Pero Koepp fue en reversa, por decirlo de una manera. Con su talento como escritor intacto, falló en generar la tensión necesario en el ambiente cerrado de “La ventana secreta” (aquí mi crítica), años después de esta película. Pero con esta película podemos ver al verdadero director en Koepp; un hombre fresco lleno de ideas interesantes que no solo lidian con el misterio, pero también con el aspecto psicológico de los personajes.

Eso es algo que se pierde, sin embargo; y no es tan importante como la atrapante e imparable tensión bien manejada por el director. Luego de que Tom Witzky (Kevin Bacon) es hipnotizado por Lisa (Illeana Douglas), se aleja de todo y comienza a ver cosas…En un estado de sueño constante, siente que ha llegado el momento para hacer algo en su vida ordinaria; y deja a su hijo Jake (un joven y sorprendente Zachary David Cope) y a su mujer Maggie (Kathryn Erbe) de lado.

De pronto, Tom se llena de ‘flashbacks’ que no puede identificar y experimenta apariciones que se vuelven los aterradores momentos del paseo. Hay un misterio que resolver, claro; pero lo bueno de “Ecos Mortales” es que nos ofrece ayuda para que adivinemos lo que está pasando y también deja las cosas claras una vez que el film comienza. No van a creerlo, pero esa ayuda no es suficiente; y la película es increíblemente impredecible.

Creo que esto es por dos razones: primero; el film no recurre al típico ‘twist’ para conseguir un efecto (como en “La ventana secreta”) y lo hace con éxito. La segunda razón es la actuación de Kevin Bacon. El actor rara vez pierde su foco y su poco entendimiento de los hechos se convierte instantáneamente en el poco entendimiento de los mismos por parte del espectador; porque Bacon lo transmite con un alto nivel de credibilidad. Hablemos de actores sin nominaciones…

Junto con la precisa partitura de James Newton Howard, Bacon es el mejor elemento del film luego del guión, aunque Douglas es muy convincente como la extraña Lisa y Kevin Dunn no falla en el papel del amigo preocupado. Me pregunto si David Koepp nos sorprenderá con una película tan buena como esta nuevamente: una película donde no hay mucha necesidad para la sangre (a diferencia de la muy buena “The Descent”; ya la veremos) para asustar, y una en donde encuentra el balance entre su espectacular escritura y su fresca dirección.

Me acuerdo de “Los Otros”; no tenía mucha sangre tampoco pero era completamente tenebrosa. Podría decir con honestidad, de “Ecos Mortales”, que no había estado tan asustado desde “Los Otros”…Y “Ecos Mortales” es más vieja que “Los Otros”.

---8/10

PD: No hace falta mencionar la sobrenatural pero merecida victoria de Jim Carrey. Seguimos aceptando propuestas para las encuestas, Sospechosos…

El Rincón de Alejo

Cuentan por ahí que uno de nuestros links, el sitio de YouTube de Alejo, anda completamente rejuvenecido y renovado. Yo lo visité, y debo recomendarlo.

En otro tono, Joaquín me informó de unos cambios en las reglas de los Oscars. Son leves, pero si les interesa echar un vistazo, el artículo está aquí. Gracias Urdinez!

Sin mucho más que decir, los dejo con Alejo y una película muy buena

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Kill Bill (2003-04)

Quería encarar mi próxima crítica en referencia a un personaje del cine que, como para mucha gente, siempre estuvo ahí, pero nunca significó nada. Mi admiración hacia el Sr. Tarantino crece día a día, no solo al digerir y analizar sus trabajos sino en la comparación con el mercado cinematográfico. Más allá de sus facetas como director, productor y hasta gran actor, quería destacar su trazo como guionista. Muchos conocerán sus obras y podrán coincidir en esto conmigo; una de ellas ya la ha reseñado Joaquín en este blog. Yo quería comentarles acerca de otro trabajo, un film que ha sido víctima de cualquier infinidad de prejuicios y que no vale reseñar ni el más estúpido. Una historia nació durante la grabación de “Pulp Fiction” a partir de la sola idea de “una novia salpicada de sangre” (The blood-splattered bride) concebida entre Uma Thurman y el director. Diez años después seríamos testigos de la inigualable imaginación de Tarantino para generar tramas; siempre con sus sellos personales, como los diálogos cultos y las situaciones sadomasoquistas. Kill Bill –en sus dos volúmenes- es la película más sangrienta que ha creado Tarantino, desde los tiempos de “Reservoir Dogs”. En esta última, junto con “Pulp Fiction” veríamos algunos de los personajes predilectos del director, como Michael Madsen, Uma Thurman, Tim Roth, y hasta las mínimas apariciones del mismo Tarantino, co-protagonizando esas historias que se entrelazaban de manera ingeniosa y que se dividían en varios capítulos. Observaríamos una maduración en el resultado, que no es nada más ni nada menos que el cuarto de su carrera. En “Kill Bill” como en cualquier otra película de Tarantino, apreciamos esa sensación de inseguridad sobre las situaciones, experimentamos esa incertidumbre sabiendo que cualquier cosa puede pasar, y la historia nunca volverá a ser la misma. Hay un sentimiento que mueve la trama, que conecta las partes y nos regala ese estado de perplejidad. El filme esta atiborrado de escenas de este calibre. Los movimientos de cámara, la musicalización (que ya tiene su marca registrada) y la fluidez en los diálogos son prueba firme de la capacidad de este señor para crear Cine. Las estéticas, como las fantasías visuales, la exageración en las hemorragias y en la perdida de extremidades, entre otras, fueron el principal punto de objeción de los prejuicios. En muchos casos es difícil comprender una película sin comprender un director. Tarantino es un director independiente que ha creado un “género”, ha revolucionado el cine gángster de manera inigualable. “Kill Bill”, está pensada desde una imagen, una imagen tan terrible como la película misma. Es la crónica de la venganza más sádica y letal por manos de una mujer en el cine. Es tan siniestra como el doble sentido de su título. Pero por sobre todo, es una película que mucha gente no logra entender, porque todavía no ha logrado entender a su creador.

Escena imperdible: En el vol. 1, cuando asesinan a la madre de O-Ren, la música se eleva y las gotas comienzan a caer sobre la cara de la pequeña.

Película movilizante: ‘Turning points’

Como siempre, el post especial que nos regaló Joaquín dio de que hablar. Le agradezco mucho y, como hice luego de su última colaboración con mi crítica de “Encantada”, quiero hoy entregarles una película que cumple con esas características que tan bien supo definir Joaquín. Es un tipo de cine que no pongo por acá hace bastante: el cine contemplativo y paciente proveniente en gran parte de Europa; en este caso específicamente de Italia.

Una de las mejores películas que vi el año pasado, y que incluí en mi lista, “Recuérdame” es una pieza que se mete con esa expresión en inglés que habrán leído en el título. ‘Turning point’ (y así la van a leer a lo largo de la crítica) se refiere a esos puntos en la vida de las personas que marcan un antes y un después; esos momentos cruciales de la existencia de un individuo.

Espero honestamente que se animen y que la alquilen para ver algo diferente; que-hecho meritorio que olvidé mencionar-es enteramente ficticio y les aseguro que valdrá la pena. Después me cuentan.

Hablando de lo ficticio (las películas basadas en hechos reales que nos movilizan son espectaculares, pero repito que para mí el mérito es mayor cuando la creación es completamente original), no puedo dejar de recomendarles algunos de los films que me han movilizado este año y de los que no he dejado de hablar. Seguro algunos ya leyeron las críticas, pero se las dejo: “Atonement”, “Juno”. No ficticias del todo? “La conspiración”.

La crítica de “Ricordati di me” (dedicada a Agus, que se queja de la ‘poca actualización del blog; aparentemente…anda a alquilarla), a continuación.

"Ricordati di me"

Leí en algún lado que “Ricordati di me” no tiene éxito en conseguir todo lo que busca; esto es flaso. Esta película consigue todo lo que es con un gran nivel de profesionalismo y experticia. Qué es esto que consigue? El mostrarnos el ‘turning point’ de las vidas de varios personajes, y hacernos entender que un ‘turning point’ puede llegar en cualquier momento de nuestras vidas. Los personajes en el film tienen 17, 19 y más de 40 años. Claro, son una familia, pero eso no cambia las inusuales edades en las que su ‘turning point’ llega.

Primero nos presentan a Carlo (Fabrizio Bentivoglio) y Giulia (Laura Morante), la pareja casada, por una narración que suena tan precisa y encantadora que me hizo olvidar la horrible narración usada en “Perfume”. Esta narración conoce su tiempo, y aparece solamente en los ‘turning points’ del film, que no son lo mismo que el ‘turning point’ que mencioné arriba, y que funcionan más como ‘twists’…La película tiene muchos de éstos, y la narración se refiere a ellos de la manera que lo haría Meredith Grey en la gran serie “Grey’s Anatomy”; pero de alguna manera suenan bien. En “Perfume” la narración estaba llena de comentarios innecesarios en momentos innecesarios.

Valentina (Nicoletta Romanoff) y Paolo (Silvio Muccino) también son describidos por la suave voz narrada, y sus descripciones son el trabajo de un escritor dotado; Gabriele Muccino. A diferencia de su guión para “El último beso”, Muccino colaboró aquí con Heidrum Schleef, y ambos muestran un sentido de la realidad que es muy difícil de conseguir estos días. Todos los cambios que introducen en el guión, de principio a fin; los aceptamos, porque creemos sus personajes apenas los vemos (y no es que creemos en ellos-eso es relativo-sino que creemos en la posibilidad de que existan como personas reales).

Muccino es también un director dotado, y a través de sus palabras presenta una historia tan hermosa y compleja que probablemente extraiga lágrimas de sus ojos. Pero “Ricordati di me” no es ningún sermón; es una verdadera lección de vida y amor, y Muccino la cuenta en un mundo de constante decepción y frustración, de cosas perdidas y olvidadas, pero un mundo que también ofrece nuevas oportunidades y que conserva la fe. Hubo veces que me sentí viendo “El hijo de la novia” otra vez; donde uno es llevado del llanto a la alegría…Sin parar.

La película llegó a Argentina el año pasado, luego de cuatro años de haberse estrenado en su país y creo yo que verla una sola vez podría no ser suficiente. Creo que deberían verla cinco veces y seguir de cerca el desarrollo de un personaje diferente durante cada experiencia. Porque hay un personaje que también experimenta un gran cambio, y está brillantemente interpretado por Monica Bellucci, pero eso es todo lo que diré al respecto. Entonces quizá luego de verla cinco veces, puedan apreciarla completamente (confieso, yo no la vi más que una).

Hay detalles en cada personaje; detalles en cada actuación que vale la pena volver a ver. El personaje de Laura Morante se encuentra en un punto medio entre la locura y la sensatez, y su actuación (que me hizo acordarme de una gran amiga, Lola Kiss, y la posibilidad de verla actuar algún día) es fabulosa porque nunca es mucho de ninguno de los extremos; entonces no deja lugar para exageraciones y se mantiene como un ser palpable. El trabajo de Bentivoglio es un modo de ver como un hombre puede deshacerse de toda la rabia que tiene dentro haciendo lo que realmente siente…La clásica manera de escaparle a la rutina, que Silvio Muccino captura tiernamente en un enfoque levemente diferente. Y el personaje de Nicoletta Romanoff requiere de la valentía para hacer el ridículo…Su interpretación tiene coraje de sobra.

Piezas como esta llevan el romance, la comedia y el drama a un nivel completamente diferente. Quizá “Ricordati di me” es el film que necesitamos ver, para que genere un ‘turning point’ en nuestra vida y no entremos más al cine a ver algo como “Sin reservas”. Sí, ese es un film regular; pero al lado de esto no es nada.

---9/10

PD: No es que no hay fotos, es que pasó lo que suele pasar y no me deja ponerla pronto...pero pronto vendrán

Colaboración Especial: Películas que nos movilizan

Creo que fue hoy de 8 a 9 de la noche (sí, tenía que ser; lo recuerdo porque Matsan estaba viendo "Friends") que las cacerolas no dejaron de sonar. Yo debería leer algún diario uno de estos días, pero más allá de eso, el ver a la gente en el edificio de en frente golpeando sus cacerolas a más no poder tiene que decirme algo.

A veces no entendemos del todo por qué, o quizá no debería pasar con ciertos hechos, pero las cosas nos movilizan. Hoy Joaquín Urdinez en otra de sus especialísimas colaboraciones, va a ponerlo en evidencia con las películas. Va a decir en un momento que me deja las críticas a mí...No hice las críticas de todos los films que menciona, pero aquellos que tengan las letras de color verde los dirigirán a las críticas que si están. Al resto, les pondré un simple puntaje de referencia al final del comentario de Joaquín, con quien generalmente estoy de acuerdo.

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En una de esas clásicas tardes productivas que experimento en el gran Buenos Aires- donde gran mayoría de las veces el programa más atractivo de la tarde es el picado de fútbol de Deportivo Puerto Madryn Vs Deportivo de Pehuajó - me puse a invocar en mi memoria aquellas películas que realmente sacian las expectativas de quienes las ven. Inconscientemente se me vino a la cabeza “La espada en la piedra”, pero seguramente unos pocos de ustedes recuerden que recientemente escribí algo acerca de Disney y, nostálgico, me di cuenta que si sigo afanando con eso van a desenmascarar al verdadero ladrón que soy en esto de los blogs.

Volviendo a lo que realmente nos importa, es increíble lo bien que esta jugando Deportivo Pehuajó! (Solo una mentira para romper el hielo).

Sin querer ser demasiado meloso, me parece que hay ciertas películas que despiertan una sensación especial en quienes la ven. Algunas resultan ser esperanzadoras, otras nos devuelven las ganas de estar bien, están las que conscientizan y las que nos ponen la piel de gallina…¡Esas películas merecen ser vistas!.
Pensando un poco más, me di cuenta que muchas de las películas que reúnen dichas condiciones se basan en historias reales, verídicas. Y creo yo, que aquí esta la verdad de la milanesa (Alejandro Torrigino copywrights ®) ya que nos pone en un mismo plano de circunstancias…el clásico “si lo hizo el por que no puedo hacerlo yo” (¡que manga de ingenuos!).
Las críticas se las encargo a las chapa, que se luce en ese rubro (se comenta también que es buen cocinero y bailarín) y yo me dispongo como de costumbre a nombrar las películas más efectivas en lo que respecta a “movilizar sensaciones”. Nuevamente, los invito a aportar con ideas y sugerir más películas:

Las películas con asterisco (*) están basadas en historias reales.

*Una mente brillante: sencillamente espectacular, no esperaba menos de Russell Crowe. (9/10)

*Patch Adams: el efecto de querer ser médico después de verla dura cerca de 5 minutos. Después te acordás de la residencia y se va todo al carajo. Gran film. (10/10)

*El pianista: para mi gusto la mejor película bélica. (8/10)

*Hombres de honor: oh la la! Magnifique!. (10/10)

*Ciudad de Dios: la historia de un joven camarógrafo atrapado en la favela más peligrosa de Brasil. Altamente recomendable. (9/10)

The Truman Show: le voy a dedicar algunas líneas más a ésta verdadera obra de arte. Es íntegramente perfecta: la historia, el elenco, la escenografía y la música (Philip Glass). Arrodíllense ante ella.
No hace falta aclarar que no es una historia real, pero un participante de Gran Hermano dijo que “se siente muy copado, no se por qué le molestaban las cámaras”. (10/10)

The notebook: solo dos palabras: Rachel McAdams.

*El Luchador: ¡Lo que lloré!, te amamos Russell (snif, snif).

The Shawshank Redemption: película muy nombrada en éste blog. Merece ser vista. (10/10)

El efecto mariposa: que buena película! ¿Quién iba a esperar algo así de un bobo como Ashton?

Rareza de la semana

Voy a introducir brevemente la película que cierra esta semana, y que también está de alguna manera relacionada con las claves de la temática que estuvimos tratando: diversión y riesgo. Diversión, porque es divertida (que no es lo mismo que graciosa); riesgo porque es también en cierto modo un riesgo para su director.

En español esta película independiente americana se conoce como “Sólo 10 razones” o “Dame 10 razones” y no creo que se haya estrenado comercialmente en el país, porque si lo hizo su paso por las carteleras fue muy breve…Una lástima.

La crítica de “10 Items or Less” (dedicada a Tote, que comparte la afición por el film), a continuación.

“10 Items or Less”

Es una película difícil de clasificar “10 Items or Less”. Generalmente, no me preocupo por definir géneros, pero hay algo de esta película que te hace querer ponerla en una categoría específica, para poder transmitir, aunque sea en una palabra, lo que sentís o cómo te sentís sobre o acerca de ella. Recomiendo completamente este film a cualquier persona y, si verdaderamente disfrutan del cine y de la vida, van a querer hacer lo mismo apenas terminen de verla.

Recomiendo esta película y la describo como hermosa y encantadora admitiendo que no es perfecta pero que no hace nada mal. No quiero sonar como si me contradijera, pero creo que el director/escritor Brad Silberling sabía exactamente en qué se estaba metiendo cuando terminó de escribir este inspirador guión. Estoy seguro que quería lograr un producto que no tuviera nada que ver con la perfección: un producto que fuera tan simple, atractivo y falto de compromiso como su título. Bueno, lo ha conseguido.

Silberling, director de largas, complejas y dramáticas películas como “Un ángel enamorado” (compárenla con “Ghost” todo lo que quieran, pero no me discutan su complejidad) y “La vida continúa”, prueba con “10 Items or Less” (que dura sólo 70 minutos) la pasión que tiene por su trabajo y también la fe que le tiene al mismo. El poner a un actor (Morgan Freeman) en frente de una mujer (Paz Vega) en un supermercado y llevarlos exactamente a los lugares a los que la vida cotidiana los llevaría es lo que Silberling propone aquí.

No les puedo contar más porque en medio de la aparente simpleza yace un trasfondo que hace pensar y no debería subestimarse. Porque aquí todos están expuestos: la cámara se centra directamente en los dos personajes principales, que comparten una eterna conversación en un viaje en auto con algunas paradas que no es eterna sólo porque la vida no lo es. Déjenme alabar lo bien que Silberling maneja la situación diciendo que consigue, en menos tiempo (no sólo en lo que a duración se refiere, sino en cuanto al tiempo-un día-en el que se desarrolla la película) y en un espacio más pequeño, el tipo de conexión entre dos personajes que Sofia Coppola generó en “Lost in Translation”.

En esa película, desarrollada en Tokio, también se encontraban un actor y una mujer, y también tenían conversaciones acerca de los momentos que estaban viviendo en sus vidas. Es en sus conversaciones donde sentimos el trasfondo pensativo de “10 Items or Less” y, al igual que en la película de Coppola, la naturalidad de cada situación nunca se pierde y las imágenes con música (únicamente) en el fondo, no parecen forzadas o incluidas en el film para ‘ganar tiempo’.

En este aspecto, la colaboración de Silberling y su director de fotografía Phedon Papamichael es fundamental. El hombre que filmó los hermosos paisajes de “Sideways” (mi crítica aquí) y se centró en cada emoción en “Patch Adams”, nos cautiva aquí con pasajes visuales de verdadera belleza natural.

Pero la belleza esencial de “10 Items or Less” puede encontrarse en su elenco (por Avy Kaufman); en sus dos protagonistas. Ellos son quienes transmiten el sentimiento que les mencioné al principio y que no puedo especificar; sentimos su conexión y nos damos cuenta de que se están divirtiendo. El ganador del Oscar Morgan Freeman, también productor ejecutivo del film, simplemente se para ahí y confirma el status que tiene hoy día en la industria cinematográfica, y uno que es bien merecido: un hombre tranquilo, lleno de sabiduría que puede hacernos reír tan fácilmente como puede hacernos llorar. Y la hermosa Paz Vega (bueno, dije que estuvo genial en “Spanglish”-mi crítica aquí)…Aquí demuestra que lo suyo es en serio, y que Hollywood no le queda chico.

---7/10

Se va la segunda...

De vez en cuando nos llegan cosas buenas, y a veces pasa seguido.

Me han vuelto a honrar con un premio (de más está decir que varios de los blogs a los que les pasé el último no lo anunciaron en sus páginas, y es una lástima), que me ha sido entregado nuevamente por Alan, de "Humor por horas", y que es más o menos así:


Yo voy a entregárselo, por unas palabras que reconocí y que se identifican con sus blogs, y por una cuestión de antigüedad en los links de Los Sospechosos, a dos espacios: "De sol a sol", del Grillo; y mi querido "Telégrafo Mercantil", que se lo recomiendo a todo el mundo y que tengo la esperanza de que publiquen este premio en su blog, ya que cierto exagerador no puso nada del último en el suyo (te quiero pa, lo sabés), y encima que dijo que lo haría en tono de parodia.

Gracias Alan, y el fin de semana les traigo una Rareza interesante!

Saludos Sospechosos...

Diversión y riesgo: ¿Y qué?

Ayer a la vuelta de la facultad, noté un aire general de tristeza y preocupación en la cara de todas las personas que viajaban en el subte. No es algo que me pasa siempre. Será una señal? Terminará bien esta primera mitad del año? Dios quiera que sí.

Para aquellos que anden con tristeza y preocupación, a veces no hay nada mejor que una buena película que levante el ánimo. Pero hoy haré una rápida mención a otra cosa; una serie que culminó su primera temporada la semana pasada y que me parece espectacular y ya recomendé varias veces en el blog: “Pushing Daisies”. La dan hoy a las 21hs por Warner (20hs para quien esté leyendo de Venezuela), y no sé si repetirán el capítulo final o darán el primero otra vez; si la opción es la primera, les sirve para prepararse para lo que viene, y si es la segunda mejor para ustedes. Esta es una serie que vale la pena.


En fin, hablando de la facultad, el otro día mientras pretendíamos que hacíamos un trabajo práctico, se generó con mis compañeros una clásica discusión cinematográfica, y entre muchas cosas mencionadas en un momento brevísimo caímos en la muy buena “Un gran chico”. El director del film que veremos hoy (Chris Weitz, hermano de Paul) es el director, no sólo de “Un gran chico”, sino también de “American Pie” (aunque no salga en los créditos).

A qué viene esto? Pues a la consigna semanal de “diversión y riesgo”; ya que entenderán que la película de hoy es riesgosa para un director como Weitz y, creo yo, es divertida para cualquier espectador. Se está preparando su segunda parte, y a nosotros nos llegó como “La brújula dorada”.

La crítica de “The Golden Compass”, a continuación.

“The Golden Compass”

Que reto para Chris Weitz, dirigir algo como “La brújula dorada”. Luego de haber hecho dos films que no son similares a éste en nada, el director se dirige a otro nivel, adaptando la famosa novela de Phillip Pullman (el Matsan la está leyendo de momento) en una superproducción. La buena noticia es que su decisión está lejos de ser errónea, porque esta es una película muy buena y un éxito para Weitz.

No es para todo el mundo, sin embargo. Yo la vi con un chico de diez años y no le gustó. Creo que la encontró un poquito aterradora, creo que le dio un poquito de miedo; es una historia con muchos, muchos personajes (y probablemente muchos más que esperan para aparecer en la continuación) y algunos son bastante siniestros y no sólo lo sentimos nosotros sino que los personajes en la película lo explican también. Marissa Coulter (Nicole Kidman) lidera la lista; sus acciones y las de otros deben ser detenidas por Lyra (el nuevo talento Dakota Blue Richards), el personaje principal del film y la dueña de una brújula especial.

La brújula tiene otro nombre especial dentro de la película, y hay muchas cosas con referencias especiales e interesantes, pero eso debe ser descubierto mientras se ve el film. Si no han leído la novela, les diré que no es difícil, porque yo no la leí y entendí todo.

No había leído “Las Crónicas de Narnia” tampoco cuando la vi, y recuerdo haberme visto atrapado en su mundo. Sin embargo, con toda la nieve y las criaturas mágicas y la similitud de un gran elenco, “La brújula dorada” no sólo es diferente, sino que también es mejor que ‘Narnia’. Los personajes están mejor construidos y sus personalidades se ven establecidas con más claridad.

Hay un oso polar que es viejo en edad y actúa como un adulto maduro. Un animal tan lleno de bondad y honor que le queda perfecto a la frase “un oso que queremos abrazar”. Algunas de las cosas que dice podrían no ser fáciles de comprender para un chico de diez años.

Los chicos en el film se comportan completamente como chicos. Qué otra cosa deberían hacer? Incluso cuando la heroína quiere hacer algo arriesgado, pide permiso y lidia con ello sólo como lo haría un niño, y no como alguien que pretende ser mayor. En un mundo lleno de fantasía, un mundo que sorprende al espectador mientras pasa cada minuto, eso es lo más real que se puede conseguir (o que se puede pedir, si vamos al caso).

Si algo parece más cercano a lo caricaturesco y arruina (sólo levemente) las cosas que acabo de mencionar, es la misteriosa organización gubernamental “El Magisterium” y sus ridículos miembros.

Sí, la película hace referencias a la religión y a la política y no son tan positivas. ¿Y qué? “La brújula dorada” es muy buen cine; verdadera calidad que hace que valga la pena gastar millones de dólares. Espero que los hayan podido recuperar. Ah, la música de Alexandre Desplat…Brillante como siempre! Se merecía una nominación al Oscar que no tuvo, al igual que la mezcla de sonido y el vestuario.

Acotación: Yo vi la película doblada al español, por eso no hay ningún comentario acerca de las actuaciones. Si la pueden ver en inglés, supongo que la disfrutarán mucho más; y si la pueden ver con un muy buen sonido, mejor todavía.

---8/10

PD: Al parecer la canción ganadora de la última encuesta resultó ser la célebre "Hakuna Matata", con dos fuertes competidores como "Un mundo ideal" y "El ciclo sin fin" pisándole los talones. Supongo que todos quisieramos vivir al estilo Hakuna Matata. El hecho de que la encuesta haya tenido 36 votos me lleva a sacar dos conclusiones: que hay 36 personas diferentes leyendo este blog o que muchas personas deciden votar más de una vez para respaldar su opción...Cualquiera de las dos me hace feliz, y es por eso que a partir de hoy invito a todos los Sospechosos a hacer sugerencias para futuras encuestas cinematográficas. Pongan su sugerencia en los comentarios y yo las iré anotando. Si pueden también poner las opciones que crean convenientes, mejor!

Diversión y riesgo: Bienvenidos a los sesenta!

Dos películas son las que tendremos esta semana. Dos películas que comparten la misma característica y que no puede estar más clara que lo que expresa el título: son divertidas y riesgosas ambas. ¿Por qué riesgosas? Tiene que ver con el hecho de que sus realizadores, aunque con conocimiento relacionado a algún aspecto del film que les jugaba a favor, asumen con cada una de éstas un reto: toman la batuta de un proyecto para nada semejante a lo que habían hecho antes. ¿Por qué son divertidas? Y bueno, yo creo que simplemente porque lo son; pero ustedes pueden verlas y averiguarlo por su propia cuenta.

La segunda parte del título ya se refiere más específicamente al primer film de la semana: “Hairspray”, un musical de Adam Shankman.

La crítica de “Hairspray”, a continuación.

“Hairspray”

Hubo una película, hubo un musical; todavía tengo que experimentar las dos cosas. Luego vino esta película, que también es un musical, que experimentado y que me ha, en el mejor sentido de la palabra, infectado. “Hairspray” es como “Grease”, donde en un pequeño pueblo la secundaria se divide en dos grupos: los populares y los no populares o rechazados. Además es una de esas películas en las que la música, simple y llena de ‘soul’ (esa palabra no puede fallar), al final del día los une a todos.

Pero la historia en sí es diferente. “Hairspray” es acerca de Tracy (Nikki Blonski), una chica cuyo único sueño es aparecer en el “Corny Collins Show”, un popular programa de baile y canto que es transmitido en su pueblo natal Baltimore. Cuando la película abre, ella se está despertando y luego la encontramos caminando las calles pueblerinas en su camino al colegio, mientras felizmente canta la hermosa “Good Morning Baltimore”. Tracy no es fea, pero es gordita y poco popular, y tiene todo en su contra; pero no le importa.

Esta es la primera cosa que notamos, no sólo acerca del personaje principal del film, sino acerca del film mismo. “Hairspray” es el alegre viaje que es porque no le importa ser tomada en serio: los personajes miran a la cámara con inocencia; son todos, incluso en su naturaleza enternecedora, ridículos estereotipos (presten atención a la maravillosa composición que James Marsden hace de Corny Collins); John Travolta interpreta a una madre gigante y gorda que ama comer y bailar y Christopher Walken es su marido…Cualquier película que filma a Travolta y a Walken bailando y cantando, juntos, románticamente, no debe ser tomada en serio.

Desde este punto de vista también se podría asumir que “Hairspray” tiene todo en su contra. Sin embargo, es sorprendente como hace casi todo bien: el diseño de producción de cada escena, los trajes del vestuario, los colores; ni hablar de las canciones y los cantantes (Zac Efron canta, y esta vez es en serio); y los bailes y coreografías, hechos por el director Adam Shankman.

Shankman…es un tipo interesante que te hace pensar acerca de sus decisiones como director. Ha dirigido comedias regulares (“The Wedding Planner”), comedias espantosas (“Bringing down the house”); grandes películas románticas (“A walk to remember”, pueden ver la crítica un par de posteos atrás) y hasta a Vin Diesel (“The Pacifier). Él tiene que saber porque ha hecho todo esto; pero la verdad es que siempre emerge triunfante y, al momento de llevar su talento como coreógrafo al máximo, eligió tomar su mayor riesgo y elegir esta película. Tipo inteligente.

Dije recientemente que “puede que no encuentres canciones, bailes y actuaciones tan perfectamente combinados en un film estos días” como lo que se encuentra en “Across the Universe”. Déjenme decir que “Hairspray” casi está a la altura; con un trabajo cinematográfico y de edición que no debería ser pasado por alto. Hay un sentimiento de que en cada escena Shankman trató de capturar no sólo sus espectaculares coreografías sino también las relaciones de los personajes y sus reacciones frente a cada canción. Es por eso que la acción no siempre está concentrada en los bailes durante los números musicales; traten de fijarse en que se fija en cambio.

Escuché que la pieza original de John Waters lidia con uno de los temas del film pero de manera más seria. Es algo que no he mencionado y que tiene que ver con el racismo y la integración y Queen Latifah y un cantante increíble llamado Seaweed (Elijah Kelley). No daré detalles porque creo que es un aspecto del film que van a disfrutar si no saben mucho al respecto. Sin embargo, debo decir que no creo que esté tratado tan ligeramente; es sólo que la película es tan buena y está tan llena de vida que nos perdemos en el ritmo y los comentarios agudos nos entran por un oído y nos salen por el otro. Algunos de éstos son graciosos y otros no.

Lamentablemente, “Hairspray” sufre del mismo problema que “Across the Universe” y otros films concebidos originalmente como musicales o adaptados del escenario a la pantalla: no puede mantener la velocidad con la que comienza y está tan seguro de poseer. Inevitablemente, cada vez que “Hairspray” pierde su ritmo, la caída es más notoria de lo que quisiéramos que fuera. En consecuencia, hay momentos en los que no sentimos simplemente aburridos…pero estos son pocos y no deberían tomarse en cuenta.

“Hairspray”, con Travolta, Walken, Latifah, Efron, Michelle Pfeiffer, la adorable Amanda Bynes, Jerry Stiller y un reparto que no deja de brillar, es el perfecto modelo a seguir para cualquiera que quiera filmar un musical en lo que queda de esta década.

---8/10

El Rincón de Alejo

Antes que nada, quería agradecer rápidamente a los Sospechosos que me felicitaron por el premio y a los comentarios respecto a lo de Latin American Idol...OJalá sea como dice Puli, y lo gane el año que viene, porque soñar no cuesta nada...Gracias de nuevo y muchos saludos! Con ustedes, Alejo...

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The Full Monty (1997)

Como el Chapa ha estado muy romántico en estos últimos posteos (y no quisiera seguir yo porque haría destrozos jeje) voy a seguir en la línea de mi última entrada y comentarles sobre otra comedia británica, una de mis películas preferidas de siempre. ¿Alguna vez se preguntaron de donde sale que el tema “You can leave your hat on” de Tom Jones se lo asocie con el strip-tease y la seducción? Esta película, allá por el `97 consagró este tema y otros más ganando el Oscar a la Mejor Banda de Sonido. ¿Y qué carloncho significa “the full monty”? Bueno, vendría a ser algo como “quedar en bolas” o “en tarlipes”. A diferencia de muchas películas de este origen, “The Full Monty” no se sitúa en Londres sino en un pequeño pueblo metalúrgico llamado Sheffield. Y la historia gira en torno a un grupo de tipos que sacuden el pueblo con un show de strip. Es así: Cuando cierra una fábrica de metales, Gaz (Robert Carlyle) y sus compañeros quedan desempleados; resignándose a un “club de trabajo” en el que juegan a las cartas todo el día. Mas aún, Gaz ha estado en prisión y esta separado de su mujer, por lo que lucha la custodia de su hijo Nathan. Cuando ésta amenaza a Gaz con la custodia exclusiva del niño -a menos que pague su parte-, Gaz tiene la idea de formar un grupo de strippers y montar un show que según el, los hará “ricos”. Las diferentes situaciones por las que van pasando oscilan entre lo hilarante y lo dramático. Porque “The Full Monty” no es una comedia simplona. Mas allá de la sutileza de su humor, en el filme se esconde un trasfondo lleno de drama, que muestra problemas cotidianos como la desocupación, la discriminación, los embrollos matrimoniales, la homosexualidad y hasta el suicidio. Perfectamente amalgamado, obviamente: es eso sobretodo lo que la hace una buena película. En el mismo perfil podría citar la fantástica “Billy Elliot” (otra de mis predilectas), la cual es otro ejemplo de la realidad que atravesaba Gran Bretaña a fines de los noventa, por las olas de desempleo generalizadas y las luchas de las clases proletarias.

Como aspecto aparte, quiero destacar las actuaciones de Carlyle (el loco de "Trainspotting"), quien junto a Mark Addy (ahora en la serie “Still Standing”) se llevan los mejores aplausos interpretando las facetas de los hombres desolados, pero dejando rasgos de guerreros al mismo tiempo. Robert Carlyle, principalmente, que logra arrastrar a todos sus colegas a “quitarse todo” solo para poder seguir viendo a su hijo. No podría decir menos de Tom Wilkinson, otro de mis actores favoritos: éste le da movimiento a la historia, nos hace largar las mejores carcajadas y luego nos preocupamos por su vida, y hasta sentimos lástima por él.

Por último, hay referencias interesantes a películas musicales como “Flashdance” o “Singing in the rain” y un score delicioso, que resalta en escenas que ya son clásicas, por su picardía y su comicidad. A esta película me refería, entre otras, en el post pasado: una comedia británica de buena calidad, que ha hecho historia en el mundo del cine y que vale la pena ver.

Escena imperdible: la mundialmente conocida escena de la cola de espera.

El primer premio...

No, no es una historia de algún actor que se llevó un Oscar sorprendentemente (Anna Paquin lo hizo de muy chiquitita, pero esa es otra historia), ni un premio que le vamos a dar a alguien por su carrera ni otra cosa parecida. Se trata, y lo hago simple y corto, del primer premio que le entregan a mi blog.

He venido viendo que en la "blogósfera" se entregan premios, por diversas razones. Hay blogs que arman su red específica de blogs que valen la pena; hay blogs que entregan premios a los blogs que no les molestan; se entregan premios a los blogs serios o divertidos y con humor. De esta última categoría viene el premio para mí: viene de Alan de "Humor Por Horas", alguien que me ha ayudado a mejorar constantemente la imagen de mi blog y a poner un feed y demás cosas técnicas. También comenta siempre y, por suerte, tenemos varias cosas en común cinematográficamente hablando.

En fin, tengo el privilegio de recibir este premio que, como se acostumbra en los blogs, hay que pasarlo a otros blos, no Alan? Pues entonces me parece apropiapdo, por el título del mismo, entregar el premio a esos blogs que tienen poco tiempo rondando igual que yo (un año parece que es poco, y sí) o menos, y que están haciendo su camino andando: a "Lo importante es el concepto", de Martín, que por suerte volvió a escribir hace poquito; a "Alta Fidelidad", de Juan Pablo, que nos informa de la cultura cinematográfica, musical y literaria y lo hace con mucho conocimiento; a "De sol a sol", de Grillito, que tiene una propuesta interesante de todo tipo de textos que últimamente generan bastante revuelo; a "La viruta producciones", por su compromiso con la cultura patagónica y su completa cobertura de eventos; a "El Libre Debate", de Fran y Santiago, un lugar para el análisis y la reflexión política y social; al "Exagerador Nacional", de Lucas Giayetto, el blog de un maestro (con colaboraciones de otro) que me hace cagar de risa.


Espero les guste...Ah, lo de Latin America Idol no se dio al final...quizá el año que viene ;)

Rareza de la semana + Despedida semanal

La semana que viene no voy a estar para ustedes. Me voy a dedicar (mis compañeros universitarios reprocharán a la vez que apoyan :S) a algo que estoy seguro que es mi verdadera vocación...Vamos a ver como nos va! Por esto, de acá hasta el fin de semana próximo, en el que verán una nueva crítica en el Rincón de Alejo, el posteo de hoy será el único que podrán venir a ver varias veces y, si quieren, a comentar y discutir como a veces se presta. Hablando de Alejo, quería comentar que hoy vi “Muerte en el funeral”; que es muy buena y que si el fenómeno del boca en boca sigue así no se va a ir más de cartelera. Mi crítica? No la tendrán, porque no podría expresar la calidad del film mejor que Alejo en su más reciente reseña.

Bien…Navegando por el espacio de uno de mis críticos favoritos, Leonardo D’Esposito, en Terra, me encontré con este post acerca de la situación actual del cine nacional y del año que el mismo está viviendo. Entonces me acordé de uno de los posts más discutidos el mes pasado aquí en el blog, y como el post dio frutos (al menos eso creo; el otro día Alejo comentó que había bajado unas películas nacionales y que le habían gustado); quería recomendarles el artículo de D’Esposito (alias El Bigote), ya que menciona varios films nacionales actuales que también recomienda y plantea un panorama general y una conclusión que no debería pasarse por alto.

Por otro lado, el film que merece la crítica de hoy día no es necesariamente una rareza para los conocedores del drama romántico, pero quizá sí para el espectador que suele desechar títulos por razones que, le doy la razón (y valga la redundancia), parecen a primera vista obvias. Transmitida muy seguido por canales de cable y con un título-además de mal traducido-poco atractivo, “Un amor para recordar” es un film que cuenta una historia de amor adolescente con dos protagonistas jóvenes: un ‘carilindo’ y una ‘cantante que se la tira de actriz’.

Porque a veces el cine es hermoso, el espectador debe creerme cuando le digo que el protagonista masculino de este film es más que un ‘carilindo’ y que la cantante protagonista de este film es una muy buena actriz.

La crítica de “A Walk to Remember”, dedicada precisamente al tan mencionado Alejo (y escrita luego de ver el film por segunda vez), a continuación.

“A walk to remember”

La primera vez que vi este film, me voló la cabeza, pero esta segunda experiencia me ayudo a analizar cada elemento de la película por separado. No estoy hablando de un análisis profundo, sino de un análisis que esta película merece, porque parece un ‘drama romántico adolescente’ pero es verdaderamente una gran película; y se merece el análisis de una gran película.

La historia de “A walk to remember” es la de Landon, un chico popular de la secundaria que se junta con el grupo de los populares; y Jamie, una chica auto-exiliada (por decirlo de algún modo) que se junta con los telescopios y las estrellas, la Biblia (su padre es un reverendo interpretado por Peter Coyote) y la religión y los estudiantes con retraso mental a los que les hace de tutora por diversión. Están interpretados por Shane West y Mandy Moore, y el resumen del film dice que “caen juntos”, así que adivinen. Les suena familiar? Bueno, no lo es; es diferente, como cada otra cosa en la película.

Cuando Landon se mete en problemas y recibe como castigo la obligación de participar en la obra de teatro del secundario, termina pidiéndole a Jamie ayuda con los diálogos. “Está bien”, dice ella. “Pero con una condición: prometeme que no te vas a enamorar de mí”. “Eso no será un problema”, responde Landon. Lo que sucede después de la advertencia de Jamie es nada más y nada menos que una historia de amor verdadero, cortesía de Nicholas Sparks; autor del libro en el que está basada la película y autor de otra historia de amor real: “The Notebook” (mi crítica aquí).

Era el trabajo de Karen Janzsen el de transcribir ese amor a un guión, e hizo su trabajo muy bien, considerando el pequeño número de guiones que había escrito anteriormente. Es el guión de Janzsen (con la ayuda importantísima de la novela de Sparks) lo que hace a esta película tan diferente; porque las reacciones de los personajes en los momentos cruciales, que deberían ser predecibles, no lo son. Las simples palabras que estamos esperando que digan son cambiadas por otras palabras que, por ser igual de simples, se vuelven sorpresivas.

Este hecho es respaldado por la labor del elenco…Una labor de grandeza. Shane West, un actor ahora crecidito que admiro mucho y que ha dividido su carrera entre la serie “Once and Again”, el papel de malvado en la gran comedia romántica “Get Over It” (con Kirsten Dunst) y una actuación superior a la de Sean Connery en “La liga extraordinaria”; consigue aquí lo que todavía es la mejor actuación de su vida. Sus comentarios sarcásticos, su enojo y su felicidad no tienen fallas ni desperdicio.

El trabajo de Mandy Moore es simplemente impresionante, y mucho más inspirador considerando la situación del mismo (su primer y en mi opinión el mejor protagónico de su carrera). Transmite tanta dulzura y ternura con su voz que incluso que cante promocionando uno de sus temas no parece un hecho fuera de lugar. Los papeles de Al Thompson y Clayne Crawford como los mejores amigos de Landon son muy sólidos y más creíbles que muchos estereotipos similares en otros films.

Pero lo que no había apreciado había sido la interpretación de Peter Coyote. Su personaje parecía tan típico y obvio la primera vez que vi el film que no le presté atención. Esta vez, miré cuidadosamente sus manierismos. Sus líneas están tan cuidadosamente dichas, tan bien apreciadas; y sus miradas…Sus miradas son tan honestas que nos preocupamos por lo que a él le preocupa.

Adam Shankman, coreógrafo y quizá no la mejor opción para dirigir el film, sorprende con su medida representación de los eventos fuertes en la historia que cuenta y deja atrás la regular “The Wedding Planner”. En una escena, durante la obra teatral, la cámara observa lentamente a cada uno de los personajes principales en la audiencia para contrastar lo que está ocurriendo en el escenario….Daryl Hannah está ahí, y hasta se hace reconocible la corta aparición de David Lee Smith.

Sus expresiones dicen mucho para un ‘drama romántico adolescente’; dicen cosas dignas de una gran película.

---9/10

ALLA VOY!