Peticiones

Si hay personajes que no necesitan preámbulos, probablemente Ernesto "El Che" Guevara sea uno de ellos. La historia de su vida es algo que no conozco del todo, pero tengo una idea de quien fue y lo que significó. Pero hoy no hablaremos del Che, o si? Habrá que ver...

Sin nada que ver con España (usamos la excusa de que fue de las películas más vistas en el año), hoy en "Peticiones" se presenta una crítica de un film reciente, que todavía se encuentra en varias salas. La crítica en cuestión está dedicada a Facundo, porque la pidió varias veces de forma implícita y se la merece por estar siempre.

La crítica de "Che, El Argentino", a cotinuación.

"Che, el Argentino"

Esto es lo que sé. Uno puede confiar en un director si le gusta su trabajo, y esta confianza puede aún aumentarse si el director produce su propio trabajo, como el caso de Steven Soderbergh con "Che". Me gusta este Soderbergh porque tiene control sobre su trabajo, pero no es la única razón. Antes, en "Traffic", mostró con su cámara en mano que sabía exactamente lo que hacía; y que podía hacerlo de diferentes maneras (el blanco y negro en "The Good German", para poner un ejemplo) y con diferentes géneros.

Me gusta Soderbergh porque tiene estilo, un estilo definido; y porque filma como pocos directores. En esta primera parte de su "Che", combina todas las formas y estilos que ha probado al filmar y el resultado es indudablemente su proyecto más ambicioso, pero es su mejor? Esa es una pregunta muy difícil que puede tratarse desde diferentes ángulos y a la que voy a responder con un 'no'.

La película es el proyecto más ambicioso de Soderbergh desde el minuto uno, poniendo muchas fechas y lugares y diferentes y fotos de diarios que intentan una rápida reconstrucción histórica. Vemos al Che hablando, en blanco y negro, con gente que no podemos distinguir instantáneamente y la cámara de Soderbergh pasea por su rodilla hasta que en encuentra un ícono: el cigarro del Che. Pronto, Guevara está respondiendo preguntas que no tienen ninguna naturaleza en particular pero empiezan a volverse más precisas para definir la estructura del film; un confuso paseo adelante y atrás en el tiempo que gira alrededor del Che pero incluye a mucha gente y muchos lugares.

El guión, escrito por Peter Buchman y basado en algunas memorias del mismo Che, claramente parece estar siguiendo una fiel recosntrucción del tiempo pasado por el Che junto a la Guerrilla y los pueblos que él y el ejército conquistaron, su relación con Fidel, la filosofía de vida y trabajo que tenía, su idea de la revolución...Sí, es mucha gente, muchos lugares, muchas cosas; les dije que era ambicioso y no es el paseo más entretenido para un espectador.

"Che, El Argentino" es una buena película porque tiene éxito en aparentemente todo lo que intenta hacer, y es obvio que esto no era poco. Sin embargo, la razón de la palabra 'aparentemente' es que me costó bastante descubir qué estaba tratando de hacer exactamente Soderbergh. Sé y puedo adivinar algunas cosas: filmó en muchos lugares y en diferentes períodos de tiempo, por lo que su cinematografía tiene mérito y su editor Pablo Zumárraga tiene aún más; filmó más escenas de acción que en cualquiera de sus films previos y se las arregló para transmitir la crudeza y falta de 'espectacularidad' de las confrontaciones de ese tiempo, apoyado por una precisa partitura de Alberto Iglesias; exploró (y explotó), visualmente, a su personaje principal desde cualquier ángulo que cualquiera pudiera inventar y esto denota una firme colaboración con el actor que lo interpreta. De hecho, las escenas en blanco y negro, donde podemos ver fácilmente que Del Toro y Soderbergh eran los únicos trabajando, son las mejores.

Tiene que decirse: la actuación del Benicio Del Toro es brillante, pero no sólo por lo que se ve en pantalla. Incluso cuando sus movimientos y posturas expresan el trabajo de alguien que ha estudiado intensamente a una figura histórica y viajado para su propósito y Dios sabe que más, su colaboración con Soderbergh es también crucial. Las respuestas que da a lo largo de la película y definen la estructura de la misma, por ejemplo, están claramente grabadas en post-producción; y aún cuando ayudan al entendimiento del espectador, pierden naturalidad. La edición debe haber ayudado mucho a su trabajo; una labor que gana en esos momentos en los que su Che está silencioso, pacífico, tranquilo. Allí le entendemos mejor y le creemos, pero luego hay momentos en los que irradia rabia pura y es tan natural y convincente que nos preguntamos dónde había guardado esas emociones todo el tiempo.

Entonces como ven, es un trabajo brillante, de contradicción. Uno podría fácilmente juzgar la interpretación como mala, porque no suena como Argentino o porque no suena igual en cada escena; pero eso no sería justo, mucho más aún si saben el tremendo actor que Del Toro es.

Tolo lo que he escrito me lleva de vuelta a una pregunta, o a un grupo de preguntas liderado por: "cuál fue el objetivo de Soderbergh?". Hacer una película acerca del Che Guevara, un emblemático ícono (como la película lo menciona en un punto) que todos llevan puesto en mochilas y collares y a veces no pueden responder porqué cargan sus fotografías. Quería Soderbergh mostrarnos quién era el Che? El verdadero Che? Es suficiente un libro escrito por el mismo Che para entender su mensaje? Y cómo debería Soderbergh ponerlo en pantalla? Es esto una biopic? Una película Histórica?

Como lo veo yo, es todo muy general. Soderbergh se aseguró de mostrar la historia y ambos lados del Che, aquel que todos conocen como 'bueno' y aquel al que siempre se refieren como 'malo'. Es una buena decisión, como si Soderbergh no quisiera disctutir este aspecto de su film; como si no quisiera pelearse con nadie. Entonces para qué hacer el film? Quizá mis conclusiones están erradas y la segunda parte me dirá algo diferente, pero esa última pregunta no merece ser hecha porque "Che" es una buena pelícua; y con eso basta.

---7/10

Un ejercicio de perspectiva

La buena? Terminé el CBC. La mala? No tengo más ganas de estudiar y la escuela de música lamentablemente consumirá un mes más de mi vida de estudiante. Entre otras cosas, esta es una de las semanas que más escribí en el blog en meses, y recibí muy pocos comentarios; y los días de verano hermosos y calurosos que no llegué a disfrutar acaban de ser reemplazados por una lluvia ‘espantadora’ que hizo pedazos las cervezas del balcón y quien sabe que más.

Es trágica mi situación? Quizá no tanto, pero se me hace realmente intolerable. Por suerte tengo tiempo para ver más películas, y debería escaparme al cine ya que la abuela me recomendó “Aniceto” (que todavía está y aunque no vi nada de Favio, debería ir) y que “Red de mentiras” no debe ser un completo bodrio. Tal vez también ver en casa por tercera vez “Crónica de una fuga”, el mejor film que vi en el año y al que todavía no pude hacerle una crónica (valga la redundancia).

Pero esto era cine Español, y hoy nos toca un film que quizá fue bastante conocido por la tierra de donde vino: “La noche de los girasoles”. Yo lo vi en alguna sala de cine en Londres, y me gustó.

La crítica de “La noche de los girasoles”, a continuación.

“La noche de los girasoles”

Siempre me sorprende el número de directores españoles que hacen películas fuera del país y, también, tienen películas estrenadas en muchos países. Jaume Collet-Serra con “La casa de cera” (aquí mi crítica); Jaume Balagueró y “Darkness” (aquí mi crítica); Alejandro Amenábar con “Los otros” y “Mar Adentro”; un director hace poco con la secuela de “Exterminio” y, por supuesto, Almodóvar.

El hecho es que, si uno se pone a ver, son soprendemente buenos logrando terror (o al menos suspenso); si consideran los films mencionados arriba. Bueno, hay un hombre llamado Jorge Sánchez-Cabezudo, y su film “La noche de los girasoles” definitivamente tiene algo de suspenso, entre otras cosas.

Para comenzar, el guión (escrito por el director mismo) tiene una sinceridad increíble en su modo de describir personas que no tienen nada que ver las unas con las otras pero, por lo pequeño que es el mundo, terminan completamente conectados. Cómo no aburrirme de películas que conectan cosas diferentes que al final se vuelven una sola? Está comenzando a aparecer como una técnica utilizada en exceso con los guiones, pero el sentido de realidad de Sánchez-Cabezudo nos deja olvidarnos de este pequeño detalle.

Su ingenio viene del hecho de que presenta cada una de las situaciones, con una oración muy sarcástica escrita en la pantalla negra. Luego, posiciona a los personajes en un área completamente remota del país español donde nunca nada interesante ocurre…Hasta ahora, y es mejor si no revelo más de la trama, porque los eventos que acontecen representan la necesidad de excitación de esta gente.

Traten de pensar que la película es el típico ‘slasher’ americano en el que adolescentes en la ruta terminan en un pueblo desierto y alguien (o algo) trata de perseguirlos hasta la muerte. Ahora cambien a los adolescentes por adultos, y ese ‘algo’ por nada. No hay razón por la que algo debería estar esperando por uno en el lugar más aburrido; pero así piensan los ‘slashers’.

En esta atmósfera poco emocionante, cuando un personaje llega del trabajo su mujer le pregunta como estuvo todo y él no tiene mejor respuesta que: “Lo mismo de siempre”. En realidad, esta es una frase que el guión ni siquiera necesitaba incluir, porque el espectador entiende de inmediato la monotonía en la que viven los personajes.

Los actores retratan todos estos sentimientos con exactitud; especialmente Celso Bugallo como un policía viejo y cerca del retiro, y Vicente Romero como uno más joven que, en un punto, tiene que lidiar con un caso estando borracho. El resto del elenco no podría parecer más normal que ustedes y yo; la clase personas que podemos imaginar vivas, con la pequeña diferencia de la música tenebrosa que nunca sonaría en un auto de la otra gente ‘normal’.

“La noche de los girasoles” captura nuestra atención mientras el director captura la atención de sus personajes con un simple pero original estilo; porque la película es, si es que es algo, un ejercicio de perspectiva; y uno que no lamentarán haber visto.

---7/10

Pedrito, Pedrito

Porque el director no necesita introducción, nos vamos algunos añitos atrás, con "La mala educación" de Almodóvar, que siempre la andan pasando por algún lado (creo que este finde por I-sat, para el que quiera anotar), y que yo tengo original en algún lado y por alguna razón que desconozco.

Al punto... Que es una película buena y hasta ahí, pero hay que verla, y que entra en nuestras semanas de cine español.

La crítica de "La mala educación", a continuación.

"La Mala Educación"

Cuando la película comienza, con esos créditos tan únicos y esa música tan característica, a veces por sí sola y a veces con letras que reflejan los momentos del relato, sabemos que Pedro Almodóvar no se ha olvidado de mostrar que es su película la que estamos viendo; como les contaba el post pasado, cuando los créditos terminan no dicen "escrita y dirigida por...", sino "guión y dirección...".

Filma sus películas como pocos (lo mismo puede decirse de Soderbergh, ya que todavía estamos en etapa "Che"), creo yo, por dos razones: su sentido de la realidad y la importancia que le da al espectador. Siempre rodea los mismos tópicos/temas, pero se las arregla para aclararnos desde el primer plano que es algo diferente. Aquí, Enrique Goded (Fele Martínez), un director de cine, es visitado por un viejo amigo, Ignacio (Gael García Bernal), un actor que está buscando trabajo y tiene un guión.

El guión se titula "La Visita" y será el centro de la historia, porque en él se encuentra escondido el pasado de los personajes principales de la película. Estos personajes son peculiares y cuando Almodóvar suavemente reduce el encuadre de la cámara para ir al pasado, encontramos el mundo de homosexualidad, abuso sexual e imágenes explícitas que el director alaba tanto.

Es el guión una excusa para tocar estos temas que Almodóvar quiere recordarnos? No; es todo en favor de la historia, aunque quizá es la historia en sí la que está mal. Por primera vez, Almodóvar no va a ningún lado, o al menos no lo pretende. Una vez que comienza a construir algo interesante, lo deteriora y se pierde en ello...Hasta llega a mostrarnos una revelación que termina siendo el elemento menos sorpresivo del film. Luego perdí mi interés por los personajes antes interesantes y por lo que podría pasarles; por lo que les había pasado.

Dejando esto de lado, debo decir que Almodóvar hace un gran esfuerzo para mantenernos concentrados; y todavía tienen un gran equipo que se preocupa por los detalles como él. Su mano está tan solida como siempre; sus tomas son hermosas y admirables; y nunca se olvida de sacar lo mejor de sus actores porque...Desde Gael García Bernal, que demuestra (y lo sigue haciendo) estar por encima de sus colegas actores (Diego Luna?) y tiene muchas facetas, pasando por Fele Martínez, muy natural y relajado; pudiendo decirse lo mismo de Lluís Homar y sin palabras acerca de Javier Camára: brillante.

Y eso es todo...había que esperar a lo que viniera después; y nos trajo algo mejor, que pueden leerlo en el post pasado.

---7/10

"Volver..."

Quise empezar esta nueva semana de manera simple, concisa. Sí, con algo Español pero más reciente y consagrado (se leerá la palabra en la crítica): "Volver", la última de Almodóvar. Aunque nos hayan ganado en la Davis, no podemos negar que las personas del país europeo, tal cual como lo expresé antes, tienen mucho arte. Este film es una acertada muestra de ello. Sin más preámbulos...

La crítica de "Volver", a continuación.

"Volver"

Hay una nueva emoción cada vez que veo una película de un director consagrado, porque no sé que me va a tocar. Pasa mucho que la gente espera algo de un gran cineasta y éste le da al espectador otra cosa; y hay muchos ejemplos detallados para explicar la situación, pero no haré eso ahora.

Afortunadamente, Pedro Almodóvar confía demasiado en sus espectadores como para decepcionarlos. Sus películas tienen un 'título' que todos conocen. "Un film de Almodóvar". Almodóvar, un escritor y director, un cuentacuentos por naturaleza, siempre llega con una idea nueva en su cabeza. El momento en el que un guión de sus propias manas no suene bien o inspirado en forma alguna, es el momento en que debemos preocuparnos.

Pero ese momento todavía no está por llegar; o al menos no es eso lo que "Volver" declara: visualmente, en términos de colores y de actuaciones, y por supuesto en términos de escritura. El guión que se le ocurrió al director para esta película es un trabajo maravilloso. Dejando de lado algunas de las complicadas aristas de la trama, el genio nos lleva a la vida diaria de Raimunda (Penélope Cruz), una española común y corriente; con un poquito de esfuerzo extra, nos enteraremos después.

Raimunda tiene una hija, Paula; y una hermana, Sole. Todas están visitando la tumba de su madre para limpiarla. Allí se encuentran con Agustina, una vieja amiga y luego hacen una pequeña parada en la casa de la Tia Julia. Julia está muy vieja y sola para seguir viviendo en una casa tan grande, o al menos eso piensa Raimundo. Pronto Julia muere, y alguien corre la voz; esas cosas que sólo pueden decirse en un pequeño pueblo: "Tu mamá cuidó a tu tía antes de morirse; estaba con ella", la gente le dice a Raimunda y a Sole. Pero su madre está muerta, y para Raimunda más que eso.

Si pensamos en la anterior película de Almodóvar, "La mala educación"; el desorden dentro de esa historia (el cambio temporal, del presente al pasado y viceversa) que involucraba a muchos hombres es reemplazado por un relato lineal, con muchas mujeres, como en el pasado, cuando el director disfrutaba la compañía de sus elencos femenimos y era reconocido por ello. Sin embargo, los temas usuales todavía están ahí, con la misma franqueza: sexo, prostitución y hasta incesto.

Personalmente yo creo que "Volver" también es una referencia, una referencia personal que el director eligió hacer porque probablemente admite que ha pasado mucho desde que hizo una película como ésta. Y es simplemente hermosa en cada aspecto. La música de Alberto Iglesias está más sentida que nunca, con pequeños momentos brillantes durante las duras conversaciones que los personajes comparten. La edición de José Salcedo toma un paso difícil de los cambios de "La mala educación" a la austeridad imperante en este film. Las tomas de la camara todavía son sorpresivas y el diseño de vestuario es perfecto.

En un elenco donde casi todo lo que vemos son mujeres, obtenemos diferentes perspectivas. La conservadora y monótona vida de Sole en un rol que Lola Dueñas captura a la perfección. El temor y la superstición de una vieja Agustina, que Blanca Portillo lleva al límite con sumo cuidado. Carmen Maura, la "Mujer al borde de un ataque de nervios" de Almodóvar, está más que fabulosa como alguien que regresa de la muerte y que quiere hacer de todo menos asustar a la gente.

Y finalmente encontramos a Penélope Cruz...Su interpretación es espectacular, lo mejor que ha hecho en años. Hollywood no le estaba dando mucho beneficio a sus capacidades actorales y algo mínimamente bueno se comenzaba a ver en "Head in the clouds". Pero necesitaba volver a sus raíces para brillar.

Los créditos todavía se leen 'guión y dirección'...No 'escrita y dirigida por...' La identidad de Almodóvar está intacta, y lo pueden notar en dos de las escenas más emotivas de "Volver": una mágica conversación entre Maura y Cruz, llena de clase y experticia; y una canción que Penélope Cruz ni siquiera canta y que nos conmueve, con el horrible 'playback' y todo.

---8/10

"España camisa blanca de mi esperanza"

Así decía una canción que mi madre escuchaba mucho durante mi infancia y llegué a aprenderme de memoria y hasta a apreciar. De hecho, no es que tendría que haberla apreciado porque era mala o algo similar; es una gran canción. Y España, artísticamente hablando, es grande. Por alguna razón, yo siempre hablo de España como “tierra de artistas” y cada vez que conozco a alguien que es de allí, se lo digo en persona.

En la música, ahora que vamos al caso, Ana Belén, Serrat, Sabina, Alejandro Sanz como gusto mío personal; de la literatura y del teatro Miguel de Cervantes y Federico García Lorca; de la pintura ni hablar. Y el cine? Bueno, Almodóvar. Pero no quiero parecer muy simplista pero a los hechos me remito y Pedrito es el referente más importante del cine español. De ahí a que algunos le guste o no, es otro tema.

Uno, como buen cinéfago (si se le puede decir así), intenta descubrir el cine existente en el mundo que vivimos: su historia, su pasado, su presente, su posible e inmediato futuro. Y así va descubriendo. En fin, con suma honestidad ante todas las cosas (como siempre se trata de hacer en este espacio) quiero contarles que mi relación con el cine de España ha sido y sigue siendo de descubrimiento. En un par de semanas veremos películas españolas varias (lo debo hace tiempo), pero sin tomar ningún concepto particular de unificación entre las mismas. Habrá Almodóvar, sí, que me gusta y mucho; pero también habrá otras cosas.

Hasta el día de hoy, he visto más películas españolas de las que he criticado, y tomando en cuenta a aquellos actores que la han pegado en el mercado estadounidense, puedo asegurar varias cosas: Penélope Cruz se merece respeto, Javier Bardem es un gran actor; Paz Vega es un talento único y si no lo he dejado claro aquí y aquí no sé que otra vuelta darle. Por otro lado, Banderas no logra redimirse por completo (aunque sólo lo vi en un film español). Y finalmente, para las cosas menos internacionales: Guillermo Toledo es un genio, Natalia Verbeke es impresionante, y de Carmen Maura ni hablar.

Espero que a los lectores españoles les gusten estas semanas de honestidad, que tienen de todo un poco, y que tal vez les despierte la atención en cuanto a algo que no han visto; o mejor aún para mí, que me recomienden qué ver.

No me acuerdo como ni cuando, pero un día terminé viendo una joya que se llama “El otro lado de la cama”.

“El otro lado de la cama”

Bienvenidos al mundo del amor en su manera perfecta, en una película perfecta. Cuando digo amor en su manera perfecta, lo digo irónicamente porque el amor no es perfecto en el film, pero al menos es de la forma debería ser. Emilio Mártinez Lázaro los invita a la cama y David Serrano pone las palabras en las bocas de todos; es un equipo perfecto.

Para hacer que una película funcione, la gente involucrada debe estar segura y tener la confianza suficiente para decir: "Quiero hacer esto". Aquí, presenciamos una pieza armoniosa de cine, con todas sus partes encajando correctamente para el producto final. Me estoy metiendo con la 'armonía' porque hay música aquí; y mezclar dos cosas increíbles como el amor y la música en otra cosa increíble como el cine, de este modo tan especial, requiere coraje.

El equipo triunfa en cada objetivo planeado. Las canciones elegidas para cada momento, cantadas por el elenco original, con coreografías espectaculares en cualquier parte de la ciudad, que nos muestran chicas bailando junto al personaje que esté cantando las canciones. Estas canciones van de la felicidad a la tristeza, y a veces son increíblemente deprimentes.

El film no es excelente porque no está exento de fallas; tiene algunas fallas obvias, compensadas por las otras maravillas que la película ofrece. Estaba tomando té cuando la película empezó, así que prendí la luz, planeando apagarla una vez terminado el té, pero no pude sacar mis ojos de la pantalla.

Las maravillas del film vienen con sus personajes y su manera de ser y hablarse los unos a los otros. Hablando es como esconden la verdad; porque incluso los mejores amigos se traicionan. Grupos de amigos se juntan para comentar acerca de las mujeres, pero todos tienen algo escondido. De todos modos, dicen cosas como: "La gente en este país no es feliz porque no tiene sexo"; y : "Hay estudios que dicen que somos todos bisexuales".

Volviendo a lo de la manera perfecta del amor...Como siempre digo, yo prefiero la realidad, aunque me gustan las situaciones irreales porque me hacen sentir que las cosas imposibles realmente pueden ocurrir. Ahora olvídense de "Notting Hill", "Maid in Manhattan", "Realmente Amor" (aquí mi crítica) y todas esas hermosas comedias románticas llenas de clichés que estuvimos viendo; cuando miren "El otro lado de la cama" enfrentarán la verdad acerca de las relaciones románticas. El film también tieme un ritmo cómico acertadísimo, y como el amor, el humor viene de la realidad. No está fingido, forzado; me reí más que con todas las películas que mencioné recién juntas.

El elenco es otra de las maravillas que tiene la película; lleno de actores españoles naturalmente dotados y reconocidos que crean personajes lo suficientemente humanos. Probablemente hubiera sido lo mismo con cualquier otro reparto, pero éste parece un sueño. Ernesto Alterio (que hace de Javier), hijo del increíble Héctor, Argentino como él pero viviendo en España, me parecía al principio un poco forzado, pero finalmente se erigió como el actor más natural del elenco; con buenas aptitudes para la danza y toques cómicos, caras graciosas. El natural Guillermo Toledo (Pedro) es de otro mundo sólo con su manera de hablar, pero luego tiene muchos detalles más en su actuación. Respetada y reconocida, también argentina, Natalia Verbeke (Paula) muestra su gran talento otra vez en otra gran actuación. Luego Paz Vega (Dios, que hermosa que es)...Una interpretación extremadamente medida y calculada, con sensualidad y carisma como la compleja Sonia. Alberto San Juan (Rafa) se roba cada escena con su visión simplista de la vida y, por sobre todas las cosas, el sexo. María Esteve (Pilar), Nathalie Poza (Lucía), Ramón Barrea (Antonio Sagaz, un detective)...Una gema única en el cine Español.

---9/10

PD: Quería compartir algunas cosas, variadas, de la tele y el cine...de la mejor peli que vi en el año (que no es de este año). Háganme acordar así lo pongo en el próximo post. Saludos Sospechosos!

Señal de vida

Como es obvio, no estuve posteando en toda la semana aunque traté de hacer papel de lector con presencia en los blogs que suelo leer. Los Sospechosos habituales de este espacio saben que hay semanas en las que se complica armar un buen contenido para el espacio, y no se justifica tanto poner cosas simplemente por ponerlas, por lo que en algunas ocasiones es mejor no poner nada.

Pero no quería terminar la semana sin saludarlos, sin hacer algún que otro comentario de la vida y, como debe ser, del cine. Tuve dos parciales en la semana...los pude sortear bastante bien, aunque no todo está dicho; mañana hay otro más y, como suelo declarar, vuelvo a jugarme la vida (es una frase común de las últimas semanas en el blog). En fin, podría preguntarme (y lo digo porque ayer estuvimos con unas amigas discutiendo la frase alrededor de una hora) "por qué es tan difícil vivir, sólo es eso, vivir, sólo es eso...porque es tan difícil", ahuyentando el pesimismo que lleva impreso la cita.


Esta terminando este primer año, mi primer año de facultad (y aprovecho como siempre para desearle suerte a todos aquellos que anden rindiendo exámenes por estos días, cualquiera sea la instancia estudiantil en la que se encuentren), y me encuentro cansado, vago, menos predispuesto que al principio para las actividades. Supongo que es lógico, pero después de un largo análisis entiendo que todo vale la pena, y todo es en función de algo mejor; entonces por eso la frase de arriba la analizo desde una perspectiva optimista, y digo: sí, vivir es hermoso/especial/increíble-elijan la que quieran, sé que me entienden-, pero no es fácil.

Sigue siendo fácil para mí, sin embargo, ponerme a ver una película, y me voy del mundo...Me voy por completo. Esa es mi respuesta, y quería agradecerles a todos por una de las encuestas más respondidas de este último tiempo; y también por haberla tomado con el entusiasmo que proponía. Siempre es lindo saber que significa para cada persona que visita este lugar eso que a mí me inspira tantas cosas.


Y no, no vi nada esta semana, pero de casualidad y porque estaba en la casa de Luciana, en un recreito del estudio nos sentamos a ver "El nuevo novio de mi mamá", cuyo poster ven acá arriba. Quedó justito, con lo que planteé de las comedias románticas hace poco tiempo por acá, y también porque se estrenó esa semana. La vapulearon tanto, pero tanto, y yo no sé por qué. Sí, fue directo a video en USA; sí, hay algo de las cirugías de Meg Ryan que no cierra y que la actriz no es lo que era-de la segunda no estoy tan seguro-, pero y el resto? Todavía no escribí la crítica, pero la película no es aburrida, no está mal actuada, no está mal filmada, no es predecible ni forzada...No es exagerada. Qué tanto hay de malo en eso?

No es un DEBEN verla, pero si no tienen nada mejor para hacer, yo no dudaría en ir al cine hoy a ver esta buena, ligera comedia romántica.

Saludos Sospechosos

Rareza de la semana

Otra rareza más, y otra historia con respecto al Matsan, que un día con el Tomilón se dirigió al Blockbuster y juntos alquilaron esta peli: “Buen elenco; estaba Alan Arkin”. La peli? “Un verano para recordar”, de Mike Binder (director de la película que vimos el post pasado). La vimos todos: al Matsan le pareció buena (en el fondo siempre creeré que lo dijo para justificar haber alquilado semejante porquería); Tomi y yo la detestamos. Este no es el mismo Binder de “The Upside of Anger”, y trataré de contarles por qué. La buena noticia? Esta peli es bastante vieja.

La crítica de “Indian Summer”, a continuación.

“Indian Summer”

Todavía no puedo descifrar por qué alguien creería que la premisa de esta película es suficientemente buena como para hacer una pieza de noventa minutos. Considerando que vino del escritor y director Mike Binder (ya quedó más que claro que me gusta mucho), y que era uno de sus primeros trabajos, me senté a verla.

Examinen el título, “Indian Summer”. No suena como una de esas películas que pasan en Fox Kids o Nickelodeon en una tarde de domingo? Y no hablo de las animadas; hablo de las que son en persona. Bueno, de hecho, “Indian Summer” se ve como uno de esos films y, incluso cuando es malo, se las arregla para no ser tan malo.

El tema es que con una película con un título como “Indian Summer”, uno asume, debería involucrar chicos pequeños pasando un verano pretendiendo que son miembros de una tribu india o algo por estilo. Adivinen…El film de Binder trata exactamente de eso, excepto por un pequeño detalle: involucra a adultos. Adultos que, cuando niños, pasaban sus veranos pretendiendo que eran miembros de una tribu india y hacían toda clase de actividades y jugaban todo tipo de juegos relacionados con eso.

La razón por la que estos adultos se juntan para este “verano indio” tiene que ver con el hecho de que el Tío Lou (Alan Arkin) está cerrando el campamento que tan felices los hizo de chicos y quiere que lo acompañen para una última reunión. No son muchos y están escritos como estereotipos: el chico malo, el tipo inocente, la chica atrevida, el bromista; hasta el asistente del Tío Lou, que no está en el grupo principal pero desarrolla el papel del estúpido que no puede completar ninguna tarea y se cae al agua en escenas que son todo menos graciosas. Como tiene que ser en un film de este tipo, algunos de los adultos comparten un pasado: un amor prohibido que nunca pudo ser, una vieja rivalidad…Algunos llegan con una carga de su presente.

Binder coloca a estos adultos juntos y hace que este verano funcione como ‘terapia’. Aquí es donde debo asumir que “Indian Summer” es altamente autobiográfica. ¿De qué otro modo podría un escritor original como Binder haber caído al nivel de previsibilidad y falta de emotividad y, más importante, diálogo interesante que esta película presenta? ¿De qué otra forma podrían habérsele ocurrido las palabras y definiciones que el Tío Lou usa para referirse a castigos y los diferentes juegos y los nombres de las tribus, si vamos al caso?

Si han visto el trabajo de Binder, cuestionarían esto y tratarían de defenderlo diciendo que podría perfectamente haber inventado todas estas cosas en un contexto original; pero hay otro hecho que respalda mi creencia. Durante todo el film, los personajes parecen inmersos en un mundo propio; dejando al espectador completamente afuera de su interacción.

Matsan no lo sintió así, pero puedo asegurarles algunas cosas: no se reirán ante los chistes que hacen cuando están juntos, menos lo harán con la repetición de algunos de ellos; no se conectarán con ningún personaje porque éstos no los dejarán. Binder se siente tan relacionado con las experiencias que los personajes están viviendo, que se olvida por completo de incluir al espectador en ellas. Si se llegan a reír, lo harán con imágenes y acciones pero no con las palabras; si se conectan, se van a conectar porque hay una pizca de nostalgia dentro de todos nosotros.

Ese sentimiento nostálgico que Binder quiere transmitir es el único mensaje que nos llega (y nos llega mediante la actuación de Alan Arkin) y convierte a “Indian Summer” en algo mejor que una película terrible. Aunque no quise admitirlo; hay algo acerca de la primera escena y la última que no se puede negar. Ese alce está diciendo algo, porque esta vez las imágenes y la contemplación le funcionaron mejor a Binder que las palabras. Igual sigue pareciéndose a una de esas películas de Fox Kids.

---5/10

PD: Hay una nueva encuesta interesante..va a dar para que pongan algunas cosas por algunos días que voy a estar medio desaparecido..por ahí sorprenda con algo ;)

Saludos Sospechosos!

Inesperado

Que tarde que es por Dios...No sé ni que estoy haciendo, pero quería postear algo porque estuve ausente un ratito y quizá lo esté la semana que viene (parciales); pero no desesperen que escuché por ahí que la nueva "Lista de Castelli" está casi lista (y que valga la redundancia).

En fin, algunas reflexiones nocturnas de antes de dormir:
1. Que hermosa e increíble actriz que es Zooey Deschanel, que bien que está en su participación especial en la magistral serie "Weeds"; la vi hoy y me maté de la risa..Deben ver "Winter Passing", apenas puedan.
2. Que lindas canciones tiene "Once" y que linda película es.
3. Fui a ver de vuelta "Historias Extraordinarias"...Lo valía.
4. Marc Forster no es un director mediocre. Hizo esto, esto, y otras cosas que no son malas.

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En fin...Matsan no quiso ver la impresionante “Black Book”, por más que se la dejé semanas y semanas en casa esperando que lo hiciera…no hubo caso. El otro día me pidió que le fuera a alquilar una peli y me acordé de una muy buena película de Mike Binder, “Enredos de familia” creo que se llamó por acá, que también me sorprendió y podemos relacionarlo mínimamente con esto de las expectativas. Es que hay tantas películas en un videoclub para alquilar que también hay que jugársela de vez en cuando.

Hoy ésta de Binder, muy buena; la próxima, en una amable comparación, la segunda de Binder (con el dolor en el alma-esto es para el Rama-de que todavía no vi “La esperanza vive en mí”), bastante mala. Muy pronto (voy a perder credibilidad, pero no miento) unas buenas semanas de cine español. Estoy con mucho, pero lo bueno se hace esperar.

La crítica de “The Upside of Anger”, a continuación.

“The Upside of Anger”

Esta es una película en la que no podía creer nada de lo que iba pasando; todo de ella era, es y será inesperado. Primero que nada, está dirigida por el “monstruo sexual” Mike Binder, quien yo consideraba que era un pedófilo o algo cercano al término (sin ofender) debido a los papeles que elige interpretar en las películas que él escribe. Aquí me lo comprobó nuevamente al escribir un personaje que se involucra sexualmente con una chica joven.

Dejando eso de lado, inesperado fue que disfruté muchísimo su relato de esta familia desmoronándose. Escribió y dirigió una película que es tan buena en todos sus aspectos que te olvidás del personaje que Binder interpreta en ella y todo lo que hizo antes (la próxima algo de ello, como se dijo). Aquí se mete con el amor adulto (pero realmente adulto), mostrándole al espectador como actúan los adultos cuando se enamoran; y a veces es infantil, otras veces gracioso y hasta triste.

Con un equipo poco común y junto a gente que no había trabajado exactamente con él anteriormente, Binder combinó los elementos a su conveniencia, demostrando su talento como director. Una hermosa partitura de Alexandre Desplat y una maravillosa cinematografía de Richard Greatrex muestran algunas tomas que se ven espectaculares y otras que son demasiado simples.

Sin embargo, Binder encontró el secreto en las actuaciones (no en la suya, claro está), o quizá en los ‘actuadores’. Para que interpretaran una historia tan peculiar como ésta (el esposo de una mujer se va y ella debe enfrentar las vidas de sus cuatro jóvenes hijas, además de lidiar con un hombre que está enamorado de ella; ni una palabra más), el director necesitaba jugadores convincentes: los encontró.

No sé si ahora, a medida que se van poniendo viejos, los actores deciden interpretar personajes borrachos para resaltar sus cualidades actorales, porque creen que es mejor; y no sé si cada uno de ellos está borracho en el set todo el tiempo…Pero está funcionando. Billy Bob Thornton lo hizo en “Bad Santa” (aquí mi crítica) y se mereció una nominación al Oscar que nunca llegó. Kevin Costner, como Denny Davies, lo ha hecho aquí.

Costner no se merece una nominación al Oscar y no es de mi incumbencia si estuvo borracho en el set todo el tiempo, porque si lo estuvo, ayudó mucho a su actuación. Denny es un ex jugador estrella de béisbol que no pudo relanzar su carrera, tiene un pedorro programa de radio y se la pasa tomando todo el tiempo, molestando a su (ahora) vecina soltera Terry Ann. A veces mira televisión, a veces se queda a cenar, a veces sobrepasa los límites (ya lo verán).

Terry Ann recién ha sido abandonada por su marido, y también toma…Mucho. Joan Allen la interpreta en un momento de su carrera en el que está obteniendo mucho reconocimiento. El mismo año de este film hizo otros dos que no vi, “Off the Map” y “Yes”; es una actriz que vale la pena ver en sus días de madurez y su creación de Terry Ann es un ‘tour-de-force’ que fue pasado por alto por los grandes premios, quizá porque esperaban algo aún más increíble; o eso espero.

“Mi madre solía ser la mujer más agradable”, dice la hija de Terry Ann, Popeye, que habla en una voz en off al comienzo del film. Hablé de actrices jóvenes inteligentes cuando escribí acerca de “The Perfec Score”, y Evan Rachel Wood (“Thirteen”), que hace de Popeye, es verdaderamente dotada y con un futuro brillante por delante.

El film también tiene a la excepcional Erika Christensen, interpretando a otra de las hijas; aquella que quiere grandes cosas y no quiere ir a la facultad. Discute con su madre, pero no tanto como Hadley (interpretada estudiosamente por Alicia Witt) y menos como Emily (una Keri Russel que sólo resalta cuando discute con Allen).

Inesperado…Al final, la película es mucho mejor que cualquier cosa que podrían imaginarse, mucho más diferente y compleja. El ‘twist’ es tan inesperado que te golpea…Muy fuerte.

---8/10

Rareza de la semana

Puse una encuesta, corta y simple; ya que como se habrán dado cuenta, hablando de expectativas esta semana lo único que hice fue criticar mi género predilecto: la comedia romántica. Es que es tan difícil encontrar cosas de este género tan reciclado que nos muevan un poco (y digo todo esto admitiendo que yo no soy muy exigente en este aspecto).

Iba a poner algo de la argentina "La cámara oscura", o alguna película de terror; pero mejor les cuento otra historia. Sentado en mi casa en las vacaciones, encontré un DVD que le habían prestado a mi mamá y que no sé ni siquiera si ella lo había visto. Se titulaba "Parejas" y es la película que hoy critico como Rareza de la semana, ya que no recuerdo que haya pasado con mucho éxito por nuestras salas.

Era una tarde gris, yo estaba con mi amigo Brunito y realmente no había mucho que hacer, por lo que me dije: "Bueno, vamos a verla". Sí, era una comedia romántica y eso nunca puede sonar tan mal en primer lugar. Este caso, sin embargo, era diferente a los dos anteriores que vimos en la semana, pues yo no podía esperar nada de esta película. No sabía nada de su director (que también es guionista) y no podía sacar conclusiones acerca de la interesante mezcla de actores que se presentaba en la tapa. Y si les digo que se las recomiendo?

La crítica de "Trust the man", a continuación.

"Trust the man"

Esta es la primer película que veo de Bart Freundlich. Aparentemente, todos sus films pasean alrededor de la familia y las relaciones, por lo que el hombre debe saber algo. Podría ser difícil estar casado con la excepcional Julianne Moore? Freundlich lo está, y su film "Trust the man" la tiene a Moore como protagonista en el papel de Rebecca, una actriz de cine famosa que está casada y tiene dos hijos; Moore interpreta el rol brillantemente y no parece estar haciendo de sí misma.

Los otros papeles protagónicos incluyen a Billy Crudup como Tobey; hermano de Rebecca cuyo mejor amigo es Tom (David Duchovny), el marido de Rebecca y que es novio de Elaine (Maggie Gyllenhaal); una muy buena amiga de Rebecca. No es que todo en el film tiene que ver con Rebecca, podría haber construido las relaciones partiendo de cualquier otro personaje, pero el interpretado por Moore parecía lógico para establecer una conexión con la realidad.

Sería bastante justo decir que nada realmente importante acontece en "Trust the man", lo que hace aún más difícil que pueda recomendársela como la buena película que es. El escritor y director Freundlich toma un riesgo al mostrarnos ese 'pedazo de vida' que me gusta tanto, y ese es el punto donde el film funciona indudablemente mejor. Freundlich tiene un muy buen oído para los problemas de pareja y también un buen ojo para ponerlos en pantalla.

Entre las muchas cosas que experimentamos en "Trust the man", algunas pequeñas pero interesantes conversaciones pueden destacarse: una visita que Tom y Rebecca hacen a un psicólogo (una pequeña aparición de Garry Shandling), una reunión que Elaine tiene con la directora de la editorial (una pequeña aparición de Ellen Barkin) que ella espera que publique su libro para niños, la pequeñna visita que Toby le hace a su psiquiatra (el infalible y no acreditado Bob Balaban), y una discusión que Elaine y Tobey tienen-o todas sus discusiones, si vamos al caso-que el resto de los invitados en la casa de Rebecca desafortunadamente escuchan sentados en la mesa.

Mi amigo Alejo (el del rincón, sí) es de leer guiones con frecuencia. Bueno, debería leer este, porque es brillante. Todas las partes que mencioné son mínimos momentos en los que la realidad nos sobrepasa y no podemos creer nuestros oídos mientras admiramos la increíble percepción de Freundlich. No me pasa tan seguido que me apasiona el guión de una comedia romántica, porque "Trust the man" pertenece a ese género de una forma poco común y también es, por suerte, graciosa.

La química entre los actores es también más importante que en cualquier comedia romántica pasatista. Están interpretando seres humanos involucrados en relaciones de mucho tiempo y es vital que sintamos la conexión que tienen luego de este largo período. Elaine y Tobey han estado juntos por siete años; y realmente nos creemos la inmadurez transmitida por la maravillosa actuación de Crudup y la inocencia y decepción que la increíble y hermosa Gyllenhaal nos hace sentir. Duchovny, un genio a la hora de la comedia, se encuentra más inspirado que nunca y nos muestra ese momento de la vida que no es un punto de quiebre sino más bien una crisis, y una complicada; y acerca de Moore ya les conté.

El problema (y no es para menos) en "Trust the man" llega cuando Freundlich quiere alejarse de lo ordinario y convertirse en extraordinario; en el film. En el género, esto significa hacer 'lo típico'; entonces luego de haber tenido un buen rato con 'twists' que no fueron ni importantes ni forzados, la resolución aparece como una gran decepción...Como si Freundlich se hubiera achicado y tomado la salida fácil-

Pero confíen en mí: esta resolución aún les sacará una sonrisa (hecho más probable aún si son fans del género como yo) y no hará del paseo algo mucho peor. "Trust the man" es para quedársela; una pieza rara en su género que con suerte logrará que sus reflexiones se queden con ustedes por un rato.

---7/10