Wednesday 30 April 2008

Remakes, remakes, remakes

Seguimos con nuestra semana de ‘aquellas películas viejas que volvieron a hacerse…nuevas”, o algo así. Antes de continuar, quería comentarles acerca de un blog que acabo de descubrir: “Alta fidelidad”. Tiene muy poco tiempo establecido y no trata solamente acerca del cine, sino que también toca temas relacionados con la literatura y con el jazz. Espero que puedan echarle un vistazo, y ahora más que nunca, porque estamos hablando de ‘terror’ y no hay charla del tema en el que el nombre Hitchcock no surja (aunque no sea ese el género que lo identifica); y en “Alta fidelidad” hay en este momento una suerte de homenaje al maestro. El espacio es también un buen lugar para conocer del cine clásico y los que aprecien el ‘blanco y negro’ se sentirán allí a gusto.

Volviendo a los remakes, se hizo hace unos años una nueva versión del clásico de horror del ’74, “La masacre de Texas”. Yo no la vi, y nadie la ha clasificado como una obra maestra, pero aquellos que la vieron como algo regular, detestaron completamente el film que vamos a ver hoy y que compararemos un poco con la película pasada, “La casa de cera”. Como se habrán dado cuenta, no hemos tocado el tema de las ‘precuelas’, y no lo haremos; ya que han sido muchas y en su mayoría vergonzosas, sobretodo en los últimos años. Quería que eso quedara claro, pero si quieren ver un ‘híbrido’ divertido y original dentro de aceptables parámetros, traten de alquilar “Freddy vs Jason”.

La crítica de “La masacre de Texas”, a continuación.

“La masacre de Texas”

Algo que descubrí durante este film es que sus creadores (los que hicieron la original) no se equivocaron al usar la palabra ‘masacre’. No sé acerca de la original, pero con la tecnología actual y para generar ‘gore’ (sangre excesiva, ‘masacre’ y valga la redundancia) que algunos fanáticos alaban, puedo asegurar que esto es literalmente una masacre. Aunque la película es mala, no va a decepcionar a los fans de los que hablo; es visualmente explícita, violenta y sanguinaria, y como yo esperaba (quizá no piensen lo mismo todos), completamente sin sentido.

Volviendo un poco a “House of Wax”, no me gusta mucho hacer comparaciones, pero se me hace imposible ya que esta pieza tiene la misma trama general y, en términos generales, el mismo resultado que la anterior. Encontramos dos parejas aquí, como en “House of Wax”, y los mismos personajes estereotipados con una excepción; ningún hermano rebelde. Esto deja lugar para el solitario y excéntrico amigo, interpretado en esta película (y gracias a Dios) brillantemente por Jonathan Tucker; probablemente lo único que valía la pena ver para mis ojos (dejando de lado, por supuesto, el cuerpo de Jessica Biel; ya se han dado cuenta de lo importante que son las mujeres lindas en estos films).
Otra cosa; cuando hablé de “House of Wax”, mencioné otra película del género: “Wrong Turn” (aquí y aquí están las actrices principales de ese film; para que no queden dudas). Por qué? Porque el guión no explicaba por qué los asesinos hicieron lo que hicieron. Dije que me gustaba el guión del otro film porque le daba a los asesinos un trasfondo, para que al menos pensemos por nuestra cuenta en sus motivos; pero no en “La masacre de Texas”. Aquí sólo tenemos que asumir que hay un hombre que está loco y le gusta bañar a la gente en sangre, de cualquier manera; y lo mismo le ocurre a su familia. Hay algo de caras deformadas también, pero no tomo eso en cuenta.

El nuevo guión del escritor ‘de terror’ Scott Kosar inspira resoluciones tempranas por parte del espectador, pero mejor no hablar de la trama; eso ya se explicó y se debería saber de memoria. El resto es ‘como sucedió’, pero si quieren dejar de verla siéntanse libres, no se van a perder nada; sólo quien muere primero, quien después, y así. Incluso el comienzo tiene sus fallas; al menos si están tratando de demostrar que el film está inspirado por una historia real.

El director Marcus Nispel tiene su primera oportunidad con una película de larga duración, como Collet-Serra la tuvo con “House of Wax”. Pero Collet-Serra tenía un gran ojo para el terror, y uno mejor para las preferencias de la audiencia. Quiero decir, mostro sutilmente a Elisha Cuthbert y a Paris Hilton (bueno, a Paris quizá no con tanta sutileza). Pero Nispel no tiene problema en poner los jeans de Jessica Biel (la parte de atrás o de adelante) en frende de nuestros ojos más de un par de veces (que de hecho valió la pena, pero fue vulgar y con falta de gusto, y tacto). Jessica Biel le da otra chance a “mojarse y volverse transparente”; su reconocida técnica actoral desde “Summer Catch”. La chica nunca pierde su oportunidad, y se agradece, pero todavía no es una actriz para mí (sí, estoy contando “El Ilusionista”-aquí mi crítica).

Las últimas palabras pronunciadas por el narrador son: “El caso todavía está abierto”. Es vergonzoso, de veras. No puede creer que todavía piensen que nos comemos esa porquería de “sucedió de verdad”.

---4/10

PD: Disculpen la cantidad de fotos, pero entiendan que sirven para justificar un aspecto de estos films ‘de terror’. Y disculpen la falta de foto..es uno de esos días que no me deja la cosa esta...Disculpen finalmente la contradicción, pero creo que se entiende.Saludos!

Tuesday 29 April 2008

Entretenimiento Imparable

Seguimos con el terror Sospechosos, y nos metemos un poquito con otra estrategia que está dando de que hablar hace algunos años ya: el negocio de los ‘remakes’. De la nada, van apareciendo cada vez más films que comparten premisas similares y que a veces anuncian que están basados en otro film más viejo del mismo nombre.

Da lo mismo: los verdaderos fans saben; y ellos juzgarán si haber hecho la película otra vez valió la pena. Por lo pronto, esta semana yo tomaré dos ejemplos y, aunque mencionaré que son ‘remakes’ (ya que es invevitable), me voy a limitar a contar que me pareción los films en sí. “La casa de cera”, por ejemplo, me gustó.

La crítica de “House of Wax”, a continuación.

“House of Wax”

Ya he explicado mi posición con respecto a las películas de terror; no las odio todas, he visto algunas que amo pero luego hay muchas de ellas que no me capturaron ni nada por el estilo. Mucho menos se da durante estos días, donde grupos de jóvenes se van a algún lado y por diferentes razones terminan muriéndose. Todos ellos excepto los que serán los sobrevivientes; los héroes o como prefieran llamarlos.

Estos films a veces son remakes o historias nuevas y originales. No las he visto todas pero sé: “La Masacre de Texas” (esa la próxima), “The Amityville Horror”, y para que no se haga más larga la lista, una que recuerdo haber visto llamada “Wrong Turn”. Algunos chicos y chicas tenían un problema en la carretera y eran perseguidos por monstruos humanos en el bosque. Creo que dos de ellos sobrevivieron.

Ahora ésta, “House of Wax”, el remake de una película vieja que no vi. Entonces no voy a hacer comparaciones, sólo voy a referirme a la película en cuestión; donde algunos chicos y chicas tienen un problema en la carretera y…No les estoy diciendo nada porque ustedes saben y lo saben mejor que yo, más si vieron la versión vieja. Cualquiera el caso, lo que siempre digo es que no me molesta el filnal en una película de terror porque es imposible de cambiar, pero me importa la manera en que los realizadores llegan al mismo.

La última vez que chequeé (“Wrong Turn”, tengo en mi cabeza lo mala que es), las personas casi ni se conocían entre ellas y fueron asesinadas sin ninguna razón. En otras palabras, no pude descifrar porque esos ‘monstruos humanos’ los mataron; no tenía sentido. Esto, desde luego, debe funcionar para aquellos locos fanáticos del horror, que adoran ver sangre por todos lados y cabezas siendo cortadas (perdón si soy muy gráfico) y demás. Es por eso que las películas de terror siempre sacan lo mejor de los directores, visualmente hablando.

Todo esto está incluido en “House of Wax”, pero con los ingredientes extra. Estos ingredientes son los que atraen a una persona como yo, que no participa de la experiencia sólo por las cosas que mencioné antes. La sangre, las muertes, todo ocurre, pero por una razón. Entonces, los asesinos son hermanos, Bo y Vincent (ambos interpretados convincentemente por Brian Van Holt), y su historia data de mucho tiempo atrás, y sus motivos derivan de esa historia…También hay confrontaciones entre los hermanos, y entre los jóvenes, que no son extremadamente unidos, pero en cierta forma comparten vínculos fuertes.

Me pregunto que hubiera sido de estos personajes en la piel de otros actores. Lo digo porque cualquiera sabe a esta altura lo buena que es Elisha Cuthbert como actriz. Está muy solida en su rol en este film y me hubiera gustado que el color de pelo que tiene aquí lo tuviera para siempre. Como Elisha, Chad Michael Murray es conocido por su belleza, pero posee los dotes y la personalidad para crear roles definidos. Si se lo estaban preguntando, Paris Hilton trabaja a la perfección, al menos para lo que tiene que hacer. El elenco se completa con el versátil Jon Abrahams, el monótono pero encantador Jared Padalecki y el rígido Robert Ri’chard. Los adolescentes van a ver este film porque creen que estas personas son lindas, pero se olvidan de que son profesionales.

Entonces en mis palabras el resultado es: entretenimiento imparable. Los hermanos Hayes, guionistas, dan un paso hacia otro lado, y obtienen crédito por hacer del paseo algo no tan testarudo como pudo haber sido. El “principiante” español Jaume Collet-Serra no parece para nada un principiante, porque su película se ve simplemente hermosa, y ésta debe ser una opinión unánime. Creó su propio y detallado mundo y, aunque fuera a llevarme a la muerte, me encantaría verlo.

---7/10

PD: Acá está Elisha con el pelo marrón, para mi le queda mejor que el rubio...Ustedes qué creen? Opinen en una corta encuesta arriba a la izquierda, y no se olviden de votar en la otra!

Sunday 27 April 2008

El Rincón de Alejo

Para calmar un poco tanto terror, para hacer un pequeño balance, llegó Alejo con la segunda emisión de su especial rincón (pueden ver la primera aquí). Y adivinen que...Está más romántico que nunca!

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Pretty Woman (1990)

Cada vez que veo un filme protagonizado por Richard Gere, me ocurre como si estuviera viendo una “gran película”; esto quizás porque ya es un dandy consagrado, o simplemente porque tenemos una personalidad idealizada de él. En tal o cual caso, la mirada es la misma y su tranquilidad es clásica. Quizás suene un tanto homosexual, lo entiendo, pero es uno de mis actores favoritos.
Protagoniza nada menos que junto a Julia Roberts, cuya sonrisa me ha sido imposible de olvidar desde que vi “Notting Hill”: una cinta que fue estrenada casi una década después. “Pretty Woman” es una historia de amor y si, es graciosa. Sin embargo, nunca se la ha catalogado como “comedia romántica”, ni en su estreno ni en su decimoquinto aniversario; por contrario, se la clasifica como meramente “romántica” (el drama también se hace presente en varios momentos). Porque como les había anticipado, iba a comentar sobre películas de diferentes tiempos, y nadie me refutaría al decir que Pretty Woman marca un antes y un después en el cine romántico. Nuestros padres y mayores sabrán esto mejor que nosotros, o por lo menos que un joven espectador como yo.

La trama es tan sencilla como esto: un inconfundible businessman, Edward Lewis (Gere) se hospeda por una semana en Beverly Hills por cuestiones laborales. Preguntando direcciones conoce a una prostituta recién iniciada llamada Vivian (Roberts) en el Hollywood Boulevard, y la invita sólo a hacerle compañía por esa noche. La atracción es evidente en un comienzo, y la noche se sucede en fin de semana y luego en semana completa. Esta unión someterá a Vivian a un completo cambio de look, y nadie advertirá luego que la pareja del hombre más codiciado se trata de una simple ramera.
La película nos va movilizando de un mundo a otro; oscila entre escenarios donde quizás el “status” social sea uno de los puntos claves a equilibrar, esto se ve bastante en el guión de J. F. Lawton.

Las actuaciones de los protagonistas son incomparables, tienen magia; la pareja en cuestión sobrelleva los hechos con una química ideal para los temas fuertes que están representando. Esto en cuanto a mi apreciación, mientras que otras la definen como una perfomance “magistral”. La sinceridad en el papel interpretado por Roberts es interesante, así como las expresiones usadas; todo contribuye a demostrar esa cruda realidad.

Aunque la presencia de clichés es bastante predecible, son ubicados con naturalidad cinematográfica sin abusar de los mismos (personalmente, me fascinan las escenas que transcurren una relación en el tiempo con música de fondo). El elenco es generalmente bueno, resalta la labor de Jason Alexander y los demás actores brindan un apoyo distante pero conciso.

Haber visto esta película sin tener que bajarla ni conseguir los subtítulos, sino sintonizándola espontáneamente en Space, fue sin duda una de las mejores expectaciones que tuve de una película en mi vida. La calidad de imagen digna de cintas ochenteras obviamente le dio un “gusto” especial, así como el soundtrack, mayoritariamente compuesto de hits femeninos de la época; sin mencionar el tema que le da nombre a la película.
Así fue que me metí completamente en la historia desde un inicio, riendo (hay ironías muy inglesas), enseriando por momentos pero sobretodo, emocionándome enormemente cuando sonaba un piano menor, y la escena nos decía lo mismo que la melodía. ¿Qué es Prettty Woman? Una película esencial en cualquier videoteca, romántica por excelencia y ampliamente recomendable.

Escena imperdible: Edward buscando a Vivian en el hall del hotel, antes de salir a comer.

Saturday 26 April 2008

Sí:habrá sangre

Antes de continuar lean por favor estos comentarios. Gracias a Grillo y Alan por dar pie a lo que ya tenía en mente para poner hoy pero ustedes supieron percibir. A todos los demás Sospechosos, les advierto que éstas “semanas de terror” van a estar bastante conectadas, así que les recomiendo no perderse de mucho.

Partiendo de los comentarios, Grillo (popurrí) puso que experimentó las tres primeras partes de “El Juego del Miedo” pero no la última (es más, me arriesgaría a decir que la tercera la vio obligado). Le comento entonces que me han comentado que la última aparece como una explicación final de lo que verdaderamente significa todo. Por alguna razón Grillo esto no quiso verlo. Alan, por el otro lado, se cansó mucho antes, porque como mencionó, textual, y yo también desarrollé tiempo atrás en el blog, “hay secuelas TAN innecesarias”.

Hoy entonces, luego de esta introducción, veremos “El Juego del Miedo 2”, que anunciaba que iba a haber sangre. Ésta es una de esas críticas que uno escribe tan enojado que a veces salen mejor de lo que se espera. Seguimos, entonces, analizando y explicando; si no leyeron la crítica anterior (de “Saw”), traten de echarle un vistazo rápido.

La crítica de “Saw II”, a continuación.

“Saw II”

James Wan se fue, y el estudio necesitaba una secuela para lo que estaba siendo visto, incorrectamente creo yo, como un nuevo tipo de horror de culto. Leigh Whannell se quedó y el estudio decidió convertir el interesante guión de un hombre en “Saw II”.

El film no comienza donde había quedado, pero no tenía que. Luego se verá que tiene realmente mucho que ver con su predecesor, porque manipulando las líneas de una trama se pueden crear infinitas conexiones. A la mayoría de la gente no le importa si las cosas verdaderamente tienen sentido, pero a mí sí; y no hay nada en este film que pueda entenderse sin los múltiples ‘flashbacks’ que la película presenta para ayudarnos.

“Saw” era original y en algún aspecto su secuela también lo es; pero no es tan arriesgada, aunque la primera tampoco lo era en gran cantidad. Si los escritores nos dan algo interesante para que nuestras mentes trabajen, por qué nos proveen con todas las pistas para resolver su locura? Quizá porque saben que es imposible que lo descifremos!!

Entonces qué estamos viendo? En términos de dirección, lo mismo que Wan hizo antes: ruidos fuertes, tomas cortas, cambios constantes de cámara, los intencionales problemas y confusiones cronológicas; y si no hubiese visto el nombre de Darren Lynn Bousman (ese es el director), hubiera pensado que era Wan otra vez. Pero quizás es un alivio, porque Wan lo hizo diferente.

Dije cuando escribi acerca de “Saw” que había logrado algo que no fuera todo “sangre y muerte”. Tuvo el coraje de poner a no más de dos personas en un cuarto por más de una hora. Pero cuando el número de personas se incrementa, la complejidad pierde puntos. En “Saw II” tenemos como ocho personas (ni me acuerdo) en el mismo ambiente que, según nuestro asesino Jigsaw (Tobin Bell), tienen algo en común; y para salir de donde están tendrán que jugar ‘un juego’.

No hay complejidad porque se vuelve el típico guión de ‘gente encerrada’; con diferentes estereotipos en los personajes, miradas sospechosas, desconfianzas, rabia y…Sí, matar por todos lados. Hay mucha sangre alrededor de las formas más variadas, que traicionan la visión de Wan de un sutil y bien construido film. No había necesidad de la mayor parte de las cosas incluidas en esta secuela, y las intenciones tampoco funcionan. La sangre ni siquiera me movió un músculo. Eso significa que soy valiente? No, significa que los elementos estaban fuera de lugar.

Milagrosamente, al menos algo se sintió bien. Hablo de Tobin Bell y su expansiva creación de quien es, aunque no es presentado como tal, el personaje principal de estos film. Su compromiso va mucho más allá de lo que está escrito en el guión y la dualidad de su interpretación continúa siendo la conexión más fuere de este film con el otro; lo que es decir mucho.

Me olvidé de mencionar varias cosas: algunos actores, algunas líneas de la trama, algunas sorpresas, que se yo. Pero si se esto: “Saw” era un film regular; “Saw II” es peor…Es mala. Ah, y ya habrán intuído que no va a haber nada más de “El juego del Miedo” (ni ls tres ni la cuatro ¿??, pues yo tampoco pude ver la tercera…

---5/10

Thursday 24 April 2008

Semanas de terror: Los invito al viaje

Anteayer fuimos a visitar a mi amiga Sole Rodríguez Varela (fuerza! Te quiero!) y no sé exactamente en qué momento ni por qué razón derivamos en una charla acerca de films del género “terror”. ‘Terror’, ‘horror’, ‘gore’, ‘sangriento’; son todas cosas similares dentro de una misma gran unidad. Hay seguidores fieles del género y hay conocedores (The Arrow en Joblo.com se especializa en eso) que dirán que no ha existido nada ‘como la gente’ desde la original versión de “El exorcista”.

Quizá para la suerte de ustedes, yo no soy un fanático del género terrorífico, pero sí un amante del cine y de las problemáticas que se dan en su mundo. Es por eso que decidí tener un par de semanas ‘de terror’ en las que vamos a ir discutiendo y estableciendo aquellas pautas que rigen lo que estamos viendo hoy en día en cuanto al respetado género que da, o no, miedo.

Es complejo el terror, y tiene muchas ramas, hecho que va a complicar un poco la tarea que estoy asumiendo para los días que vienen. Pero como siempre por acá, vamos a sacarle lo mejor a eso que ya todos sabemos de alguna manera u otra. Arrancamos con “El juego del miedo” que, en su concepto original, era algo que valía la pena pero que no llegaba a ser bueno.

La crítica de “Saw”, a continuación.

“Saw”

Realmente quería ver este film. Fue uno de los films más discutidos del 2004; algunos piensan que es una película horrible; otros no la entendieron; otros quedaron muy soprendidos…Un amigo al que le encanta el cine me dijo: “Fue muy rara para mi gusto”; otro me dijo que era espectacular. Quizá debería explicar “Saw” desde la primera idea (aunque no lo haré), pero nunca empezaría desde la segunda.

La película es diferente en sus propios términos. Diferente está bien, y más cuando se trata de películas de terror (esperen, “Saw” no es exactamente terror, pero ya explicaré). Es una de las películas más valientes del género en los últimos tiempos. Comienza con James Wan y Leigh Whannell, quienes son probablemente muy amigos y trabajan juntos. Supongo que tuvieron una idea increíble que se salía de todo lo que vemos todos los días, y la desarrollaron. Luego se volvió un fenómeno. Qué ganaron con el proyecto? Reconocimiento y, sí, éxito. Wan tiene buen ojo para estas cosas. Su estilo es tan exuberante que de algún modo te atrapa. Consiguió a su equipo, trabajó duro y por eso generó lo que generó.

Los efectos especiales parecen exagerados pero poco forzados a la misma vez, para verse reales. Julie Berghoff, para un importante primer trabajo, hizo un increíble diseño de producción. Excelentes visuales en esta pieza. Escenarios misteriosos donde los personajes deambulan por el set; preparados para cualquier cosa. Cuando Wan usa la típica compilación de escenas con sonidos fuertes para que todo de miedo y parezaca una locura; o cuando presentimos los problemas que tiene la película por primera vez, porque durante la matoría del film no podemos decir si algo está pasando o si ya pasó; nosotros seguimos viendo, y nos dejamos llevar porque todo lo demás lo ha hecho muy bien (sin embargo no podemos perdonarle todo).

Ni hablar de la narrativo. Ambos Wan y Whannell se las arreglaron para crear personajes realistas que son peculiares. Quiero decir; peculiar es común en películas del genero, pero…Realista? Para nada común. Luego nos conducen a esta original historia, que involucra al villano con la máscara más rara desde “Scream”. La trama es extremandamente inteligente, lidiando con el problema que un asesino demente y sadista podría tener para hacer…Bueno, lo que verán que hace. Incluso cuando no lo vemos, dice frases: “Las personas son tan desagradecidas de estar vivas”, o “nadie aprecia sus bendiciones”.

Por esto es que este hombre inventa juegos perfectamente detallados para que las personas se maten solas. Cualquiera puede llamarlo el “asesino del rompecabezas (o jigsaw)”, pero el Dr. Gordon (Cary Elwes) explica: “Técnicamente no es un asesino. Nunca ha matado a nadie”. Éstos juegos los verán; no voy a decir el más importante de la película porque es una de las grandes cosas quue ésta tiene. Qué mierda pasó? Eso se preguntan el Dr. Gordon y Adam (Leigh Whannell) cuando se despiertan en un cuarto aislado de todo. Una película entera se desenvuelve allí.

Las actuaciones son adecuadas y precisas. Sin arriesgarse mucho, los actores se elevan al nivel del complicado material. Hasta Leigh Whannell tiene una oportunidad de actuar como Adan (escribir tiene sus beneficios). Su actuación está bien; podría haber estado mejor considerando que escribió el guión y sabía más que el resto. Cary Elwes permanece irreconocible en cada rol que hace. No lo había visto desde “The cat’s meow”, donde tampoco lo reconocí. Resalta aquí y me hizo olvidaro de su estúpido personaje en la gran “Mentiroso, Mentiroso”. Danny Glover, alejado de los films desde “Los excéntricos Tenenbaums”, interpreta al detective Trapp como sólo él puede. Fue bueno verlo de vuelta. También puedo hablar de Monica Potter, claramente ‘en otra’ desde “Along came a spider”, donde tenía tan poca presencia como aquí.

Me pasa a mí, mientras más veo películas de este género, que noto una cierta complejidad. Al tiempo que vi este film vi también “My Little Eye” (algo más independiente, la veremos en estas semanas); hablo de películas donde no todo es sangre y muerte. También hay una cantidad de personas con personalidades propias. No se da, le decía a un amigo, lo de “el tipo de la pistola”, “el otro chavón”, y eso es un agregado a la originalidad del film. No es horror, me atrevo a decir; es suspenso, e incluso drama. No van a saltar de su asiento como en “Los Otros”, me siguen?

Pero que es lo que hace de “Saw” una película regular, si tiene tantas cosas buenas a su favor? Se trata de tomar el riesgo de completar el reto; de no caer en el abismo del ‘cliché’ y lo ordinario. El triunfo de este film hubiera sucedido si lo hubieran escrito todo con la misma inteligencia. Pero llegaron al final y se encontraron con el dilema. Completaron el reto? No, y no importa cual era su objetivo.

---6/10

Sunday 20 April 2008

Resumen BAFICI


Hoy mismo debería haber ido al Abasto a ver “Historias Extraordinarias” de Mariano Llinás, para muchos “la” película argentina del festival; pero el sueño me más fuerte que yo, el cansancio me pegó fuerte el fin de semana y no pude ir. Por lo tanto, y esto deben considerarlo especial, un día antes que todo el mundo ponga sus resúmenes del décimo Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, yo les traigo el mío; con un recuento de todo al principio y las críticas (cortas) por separado final.

Al principió subestimé la reputación del BAFICI. El primer miércoles llegué a una película media hora antes para sacar entradas y, por supuesto, no había nada. Lo mismo me pasó el jueves, pero cada día que me quedaba sin entrada había otras cosas para observar y admirar sobre las que puedo escribir. El Atlas de Santa Fé, sede fundamental del festival (y la única donde se podían comprar las entradas completamente anticipadas), era cada noche un mundo de gente ‘baficera’ (así los llaman); se oían conversaciones de todo tipo y las colas para entrar a sala ocupaban poco más de media cuadra bonaerense completa. ¿Esto es un concierto? Me preguntaba yo.

Entonces me avivé y, mirando mi calendario, compré en seguida las entradas para todos los films que había anotado que daban en el Atlas. El viernes recién fui a vivir mi primera experiencia; un par de amigos me acompañaron (gracias a Ro, Grego, Mica G., Sofi y Matsan por hacer algunos días más placenteros) a ver “Sukiyaki Western Dyango”…A sala llena nos sentamos en la última fila y todos salimos contentos.

Ese día experimenté un antes y un después en una sala. Cada vez que un chiste era realmente bueno o aparecía un efecto de cámara realmente sorprendente, la gente aplaudía. Así como lo leen; no sé a quien ni me interesa, pero aplaudían muy fuerte y yo sonreía pensando en todas las veces que vi un film en un cine y quise aplaudir al final del mismo. Ahora lo sé: sucede solo en los festivales.

Hasta el lunes no llegué a ver nada, y cuando me dirigí al Abasto a comprar mi entrada para “The Man From London”. Por supuesto que esta vez llegué con bastante anticipación, pero no pude encontrar entrada. A quién me encontré, sin embargo? A Carlos Portaluppi, reconocido actor de carácter argentino que me firmó un autógrafo y me recomendó algo que, lamentablemente, no estaba en la programación ‘común’ del festival. No crean que ese fue mi único encuentro con famosos…sepan esperar.

El martes fue un día importante, ya que conocí el Malba por primera vez al ir a comprar una entrada para “Savage Grace” a la noche; no entré al museo pero pude admirar toda la belleza del lugar. A la tarde, y esto es también fundamental, fuimos al Atlas a ver "Chacun Son Cinema” (“Cada quien con su cine”); un conjunto de SESENTA cortos realizados por los directores más importantes del mundo para conmemorar los sesenta años del festival de Cannes. Todos tienen que ver con experiencias en el cine y claro que los sesenta no son espectaculares, pero hay algunos que realmente valen la pena y los encontré en YouTube para ustedes: “Movie Night”, de Zhang Yimou; “Anna”, de Alejandro González Iñárritu; “Suicide of the Last Jew in the Last Cinema”, de David Cronenberg; “A 8944 Km de Cannes”, de Walter Salles; “Absurda”, de David Lynch…Me faltaron, pero no había más!

A la noche vimos “Savage Grace” con el Matsan; era casi la única película americana del festival, la busqué especialmente y no le gustó mucho. Lo que sí le gustó fue nuestro segundo encuentro con la fama, cuando me vio saliendo del cine con el Chavo Fucks. Muy amable pero muy apurado, el Chavo dijo que le había gustado mucho la película, que no le gustaba aplaudir en el cine y nos firmó un “para Juan y Mati” que parece escrito por cualquier mamarracho. Nosotros sabemos que es él.

El resto de la semana y acercándome de a poco al final, transcurrió con films del prestigioso continente asiático. “Flower in the pocket”, de Malasia (con preguntas y respuestas para el director, que estaba en la sala); “Wonderful Town”, de Tailandia; “Night and Day”, de Corea (esa es la que vi con la abuela). Finalmente, el viernes me dirigí con mucha emoción a ver “La France”. “Estamos muy orgulloso de que estén acá a sala llena para ver este film que para nosotros representa toda la libertad y magia de este festival y es una de nuestras favoritas”, así más o menos presentó al film una muchacha que luego dio paso al director Serge Bozon para que nos diera su propia introducción. Apareció una actriz muy parecida al cantante de Arctic Monkeys, y terminó el film, y termino el festival, y fue inolvidable.








Críticas (en orden cronológico)


Sukiyaki Western Django, de Takashi Miike
Un film que trasciende tiempos, géneros, estilos, tendencias y estereotipos. Una batalla interminable y atractiva con un trabajo visual de otro mundo. Es Western? Sí que lo es, pero eso no establece nada. Poner a los actores japoneses hablando un horrible inglés ya es una marca personal que muestra no tener miedo de lograr toda esta trascendencia mencionada. No puedo definir éste film con ninguna palabra específica; es uno de esos bellos engendros que el más entendido cinéfilo (no yo) vivirá en éxtasis: imperdible pieza; e imperdible Quentin Tarantino en un pequeño papel.

Savage Grace, de Tom Kalin
Con un aire de trance y misterio, el director Tom Kalin se impone la tarea de mostrar en totalidad eso que conocemos como “el amor de madre”. La historia del hijo único de una pareja (no familia, ellos son solo una pareja) disfuncional, “Savage Grace” delinea con suavidad pero sin trabas a sus despiadados y orgullosos personajes. Éste no es un film placentero de ver; contiene imágenes perturbadoras, diálogos punzantes y amaga con varios finales que no son tales. Con todo esto, la película que parece de dos horas de duración dura hora y media. Hay cosas que no tienen límites; para este film son dos: el mencionado amor de madre, y el talento de Julianne Moore que, cuando agarra un papel de esta magnitud, es una de las mejores cosas que se pueden ver en una pantalla de cine. Una verdadera fuerza de la naturaleza.

Flower in the pocket, de Liew Seng Tat
Como todos los films que pude ver del continente asiático, “Flower in the pocket” realmente sabe lo que es ‘la vida’. Quiero decir la cotidianeidad, el día a día que no siempre aparece como natural en la pantalla de cine. Liew Seng Tat se la juega con actores no profesionales para retratar el mundo de dos pequeños hermanos y un padre que vive con ellos pero sin compartir una conexión. Un silencio inmenso domina la casa en la que estos hermanos se desenvuelven como si nadie más estuviera allí. Luego eso, el hermoso día a día y algunos poderosos mensajes en un exquisito trabajo de cámaras fijas. Lo que más me gustó del festival; ojalá gane el premio del público.

Wonderful Town, de Aditya Assarat
Ya en un registro mucho más poético, este film Tailandés también se origina y conforma con el día a día. Sin embargo, hay una historia romántica presente que va cobrando fuerza con el pasar de los minutos. “Wonderful Town” es el perfecto ejemplo de que ‘pueden pasar grandes cosas en un pueblo pequeño’. No importa si esas cosas son grandes en general, sino cuan grandes son para quienes las viven; y Assarat se asegura de mostrarnos esto con una fotografía de bellísimas imágenes que expresan el ánimo de sus personajes. Lo mejor? La música; verdaderamente lo mejor que me pasó en el año.

Night and Day, de Sang-soo Hong
Cine coreano, comedia de un desinterés importante. Pero no un desinterés por sus personajes, que aprendemos a reconocer y a querer o no, sino un desinterés por lo que piense el público de las situaciones que viven y las decisiones que toman; y que al final es positivo. Se entiende esto? El film es un relato que no tiene pausas y que va descontroladamente de un día a otro, sin miedo de repetir las conversaciones y acciones de sus criaturas. Pero también sin miedo de hacernos reír, cosa que pasa muy seguido en “Night and Day”. El actor principal Yeong-ho Kim es el mejor promotor del desinterés mencionado; pareciendo un Guillermo Toledo coreano de la actualidad con sus expresiones y modo de encarar las escenas.

La France, de Serge Bozon
La verdad? Es un film como ningún otro, con una idea original e inesperada (una mujer que quiere recuperar a su marido que está en la guerra y se une a unos soldados de infantería que se ponen a cantar y a tocar en medio del camino, con letras que hablan de la situación que viven), que hace su aparición en el momento menos indicado pero se convierte en un suceso para nada forzado y muy placentero. Puntos extra gana el director Bozon por poner a cantar a sus actores que, se nota, no son profesionales, por utilizar instrumentos y canciones originales, y por grabar las escenas musicales completamente en vivo. La otra verdad? No es un film excelente ni mucho menos; así que no esperen algo espectacular si alguna vez consiguen verla, para no salir decepcionados.

Ha sido un placer Sospechosos...Vean "Pushing Daisies", que hoy la vi de nuevo y me volvió a encantar! Saludos

Saturday 19 April 2008

Comedia Contemporánea: Algo nuestro

Hablemos de frases trilladas: estoy respirando humo. No usaría la frase si no fuera cierto, por supuesto, y es que en Buenos Aires, caminando con mi abuela por Santa Fé (veníamos de ver una peli del BAFICI), la pobre tenía que taparse los ojos y la nariz porque le ardía todo. En las pocas discusiones de connotación política que pude tener en la universidad, se habló de Cristina y de su ropa y su perfume. “No quiero ser pesimista ni mala onda, pero siento que algo malo está por pasar”, dijo una compañera.

Yo escribo lo que escribo, acerca de la actualidad, como yo lo escribo; hay gente que lo hace de manera espectacular como el escrito de Santiago en “El debate libre”, que no sé si ya he recomendado. Personalmente, cosas malas ya están pasando. Hay mucho para leer y hay muchos trabajos para hacer; como siempre ponemos lo mejor en ese aspecto. El BAFICI? Está terminando y he visto varias cosas; haré un resumen general cuando vea el último film, contándoles de la experiencia y de las películas en sí.

Ahora la película del día. Habrán intuido por el título (y por todo el contexto) que estoy en una onda bastante nacional. Iba a hablar hoy de otra película, pero decidí cambiar un poquito la orientación. Yo siempre trato de resaltar el valor del cine argentino, su calidad y promesa permanente; y resulta que esto no sólo se da en los dramas y en las historias corales, sino también en la comedia. Pero no en la comedia vulgar como la de “Bañeros” o “Incorregibles” o “Brigada explosiva”; en la buena comedia, que a veces puede aparecer en una fresca ópera prima que retrate la vida de un barrio privado mayoritariamente judío. Una verdadera joyita nacional.

La crítica de “Cara de queso: Mi primer ‘ghetto’”, a continuación.

“Cara de queso”


Me doy cuenta cuando un film es un primer trabajo; una ópera prima de un director. No sé como uno se da cuenta de eso, pero sé que los directores debutantes argentinos suelen elegir cosas comunes para sus films. Digo cosas comunes para un argentino como yo. Los directores judíos escriben guiones acerca de familias judías en su ambiente típico.

Daniel Burman dirigió “El abrazo partido”, el más reconocido entre los films que hizo sobre sus orígenes judíos con diferentes personajes en cada trama. Lo que resaltaba de cada uno de los films de Burman era la presencia del gran actor uruguayo Daniel Hendler y el hecho de que sus personajes principales siempre se llamaban Ariel.

Como una coincidencia, el personaje principal de esta película de Ariel Winograd también se llama Ariel (como él mismo) y creo que su guión contiene una obvia referencia a Burman cuando su nombre es mencionado durante una escena. Ariel está interpretado por un actor muy joven llamado Sebastián Montagna, que aparece como el personaje principal en la trama, sin ser el actor principal del film. Ariel tiene muchos amigos de su edad y todos viven en un barrio privado; un lugar donde los chicos populares molestan a chicos como Ariel y sus amigos.

Mientras tanto, Ariel camina por las calles con sus amigos y se encuentra con su abuelo (el legendario Juan Manuel Tenuta): “Cuántas veces se hacen la paja en un día?, les pregunta él (esto es bien nuestro). El personaje del abuelo tendrá su momento, al igual que todos los personajes en un guión brillante donde todos tienen la posibilidad de brillar.

En el elenco del film se encuentran dos jóvenes actores de un enorme talento y promisorio futuro: Martín Piroyanski y Nahuel Pérez Biscayart. El primero interpreta a David, el hermano de Ariel, un genio del deporte con una novia difícil; el otro es Felman, un nerd rechazado por Ariel y sus amigos que está enamorado de la hermana de Ariel.

A diferencia de muchos directores primerizos (Pablo Trapero, Adrián Caetano en su momento), el elenco de Winograd incluye actores que todos conocemos. No sólo son familiares, sino muy buenos, como Mercedes Morán, Carlos Santamaría, la joven Julieta Zylberberg (de “La Niña Santa”) y hasta Daniel Hendler como un hombre de deportes; además de las apariciones especiales de Federico Luppi y Susú Pecoraro. En un plano fundamental, todos los actores ‘muy’ jóvenes son las elecciones correctas para los peculiares seres que Winograd puso en su guión.

En las óperas primas yo busco innovación, y las cámaras mirando desde el cielo hasta los techos son realmente interesantes. Sin embargo, el guión es el elemento que nos hace saltar del asiento, porque el comportamiento de la comunidad judía nunca aburre al espectador argentino; y los finales inesperados como el de este film nunca me aburren a mí.

Entonces debemos preguntarnos…Luego de un primer guión y un primer film como éste, probablemente autobiográfico; cuál será la próxima idea en la cabeza de Winograd? Espero que sea algo original y, con suerte, diferente a esta gema.

---9/10

Wednesday 16 April 2008

Comedia Contemporánea: El clan Apatow

Quería agradecerle a Vargtimen por sus últimos comentarios en diversas críticas; me encanta que siempre estés en todas y puedo ver que todavía tenemos mucho en común y que estás de acuerdo con bastante de las últimas cosas…Saludos!

Ahora hablemos de comedia. Hace mucho que no hablamos de comedia y honestamente no sé por qué. Aquí hemos cubierto (en nuestro ya más de un año de existencia) muchas comedias con sus respectivas críticas: “Los Rompebodas”, “Anchorman: La leyenda de Ron Burgundy”, “Dodgeball”, “Ligeramente Embarazada”. Buenas, malas o regulares, todos esos films son en su esencia más del género de la comedia que comedia romántica, que es el caso de films como “Amor en juego” o “Educando a Helen”, también criticadas en este blog. Además, por supuesto, todas son graciosas.

Sin embargo, la última de las primeras (“Ligeramente embarazada”) es, sabrán, para mí un film muy especial: uno de los mejores que vi el año pasado y uno que es un poquitín más romanticón que el resto. Pero el dato que también le da un toque único es su director: Judd Apatow. Como podrán leer en la crítica de ‘Embarazada’, siento gran respeto y admiración por este nuevo astro de la comedia cinematográfica, que tuvo su debut como director con el film que veremos hoy, “Virgen a los 40”

En una semana de comedia, arrancamos con Apatow y su ‘clan’, por decirlo de una manera. Como verán en la crítica (ahí están todos los detalles), la mayoría de los films mencionados arriba están más que relacionados y se están haciendo con el maravilloso objetivo de hacernos reír…Mucho.

La crítica de “The 40-year old Virgin”, a continuación.

“Virgen a los 40”

El final de este film arruina totalmente la experiencia. Estos tipos…Les gusta divertirse con el cine, cantando canciones estúpidas como “Afternoon Delight” en esa escena de “Periodista: La leyenda…”; pero esa estrategia no funcionará todo el tiempo. No funciona para nada al final de “Virgen a los 40”, una comedia realizada con honestidad.

Entonces acerca de estos tipos…Judd Apatow tiene una compañía que produce films, films como “Periodista...”. Creo que el hombre está proponiendo una nueva manera de comedia real con humor inteligente. La inteligencia propone a veces irónicamente que la estupidez puede ser la manera correcta de hacer reír a la gente. Apatow sabe esto, y conoce a la gente que puede lograrlo.

“Periodista..” fue escrita por el director Adam McKay y el actor Will Ferrell. El elenco incluía a Paul Rudd, David Koechner y Steve Carell. Apatow había producido “Kicking & Screaming” con Ferrell; le dio un rol a Paul Radd; le prestó un cameo a David Koechner; y co-escribió con Carell su primer largomentraje, sobre un virgen con 40 años.

Carell es el principal; se está convirtiendo bastante en ‘el tipo gracioso’ estos días; y parece que quiere ridiculizarse a si mismo interpretando a un tonto, pero esa es exactamente la razón; porque sabe que tiene un don para la comedia absurda y sabe que nos va a hacer reír a lo loco con un personaje como And en una película como esta. Se llama confianza en uno mismo, y es una cualidad básica en un comediante.

No conozco a ningún virgen de 40 años. Conozco quienes tienen sus juguetes, sus figuras de acción, pero ningún virgen. Es un tema, uno serio y que puede ser ridiculizado en exceso. Apatow y sus compañeros tratan el material con verdad, desde el punto de las relaciones, haciendo del paseo algo muy sincero.

El Andy de Carell trabaja con David (el siempre natural Paul Rudd), Jay (un gracioso Romany Malco), Cal (Seth Rogen) y el extranjero Mooj, (Gerry Bednop) que siempre alienta a la gente a tener sexo con una cabra (situaciones que se repiten constantemente así podemos entender el lenguaje del film). Además de tener cuarenta, la situación social de Andy es muy difícil.

Cuando Cal le habla acerca del fin de semana, él dice que fue a Tijuana y vio a una mujer teniendo sexo con un caballo. “qué hiciste?”, le pregunta a Andy.
“Bueno, sentí que realmente necesitaba, entonces lo compré y pasé tres horas haciéndolo; pero luego no tenía ganas de comerlo y ni siquiera tenía pan”. Cal pretende dispararse un tiro mientras Andy no lo ve.

Estas situaciones que experimenta el virgen junto a sus colegas, desarrollando una amistad que originalmente viene de su objetivo: llevar a este hombre a la cama. Eventualmente Trish llega a su vida. Está interpretada convincentemente por Catherine Keener, y tiene hijos y Andy empieza a relacionarse con ellos, la relación crece pero absolutamente sin sexo. Esto está todo muy bien escrito y es lo mejor del film; las charlas de Andy con la hija de Trish, Marla (Kat Dennings) y últimamente una escena de desentendimiento que entrega una línea inolvidable; de un personaje poco importante: “Amigo, enseñame”.

El tiempo vendrá para que Andy revele la verdad de su ser y se van a reír sin parar, y al final se darán cuenta que ésta es una buena comedia con buena intenciones, que Judd Apatow es más un planeador que un director y que Steve Carell es un comediante natural; y se las sabe…

---7/10

PD: La foto no se quiso bajar y veo que es clara la amplia victoria de "El Padrino" en la última encuesta. Yo también la hubiera votado ;)

Monday 14 April 2008

Nueva sección: El rincón de Alejo

Arrancamos la semana tempranito con esta nueva sección...yo me voy a dormir, pero los dejo con las palabras de Alejandro Torriggino


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Antes que nada quiero agradecer al Chapa por haberme permitido aportar en Los Sospechosos; página donde aprendí mucho y conocí más sobre cine, una veta del arte que me apasiona mucho. Les comento que estoy comenzando una nueva sección. En ella compartiré con los lectores mis humildes críticas sobre películas de ayer y hoy, que me han marcado de alguna manera y reseñaré por qué merecen ser vistas. Además, en el pie del review encontrarán “La escena imperdible”, que vendría a ser aquella secuencia que vale enteramente en una película, en la cual cada fotograma es totalmente valioso. Como dato extra, les comunico que detesto los doblajes de títulos que engendra la UAV, es por ello que nunca verán en mis reviews títulos sino en su idioma original.

27 Dresses (2008)

Cuando estaba viendo esta película por primera vez, no pude evitar pensar en una sola cosa: When Harry Met Sally. Una semana después, haciendo zapping logré sintonizar los comentarios de “Hollywood One on One”, donde el “nuevo galán” James Marsden declaraba: “Es una historia hermosa, y puedo asegurar que está al nivel de filmes como “When Harry Met Sally”. Esta coincidencia me sorprendió totalmente, aunque cualquiera que haya visto ambas advertirá las semejanzas con aquel clásico de los 80.

En “27 dresses” hay escenas de todo tipo; las hay divertidas como también profundas, pero logran sucederse de una manera bastante fluida. Quizás ver a Katherine Heigl sin pelo rubio o a Mardsen interpretando una persona de clase media nos cueste en un comienzo, pero en el momento en que entramos en la película nos acostumbramos, y empezamos a disfrutar…

La historia comienza con una pequeña niña en un casamiento, y su respectiva voz en off, que nos comenta como se ha enamorado de la “magia” de éstos y el anhelo a la llegada del suyo propio. De grande ya, y con unos estimados 30 años, Jane Nichols (Heigl) ha sido dama de honor en 27 bodas y ha conservado cada vestido en el atiborrado closet de su casa. Por si esto fuera poco, ha estado coleccionando artículos sobre casamientos y es una perfecta wedding planner. No obstante todo esto, Jane no ha conseguido subir al altar. Su única esperanza reincide en su jefe George (Edward Burns), del cual esta secretamente enamorada. El problema ocurre cuando Tess (Malin Akerman), hermana menor de Jane, anuncia su casamiento con George, encelándola terriblemente. Así, todos estos eventos transcurren con las reiteradas apariciones de Kevin (Marsden) en la vida de los personajes, integrando un personaje cínico y arrogante pero con sentimiento seguros (cual Harry Burns, aunque menos irónico); y es en el desenlace de la historia donde Jane encontrará más cosas en común con éste de lo que jamás habría imaginado. En una vista general, podríamos decir que “27 dresses” mantiene una línea de eventos similar a la que le suceden a Hugh Grant en la gran “Four Weddings and a Funeral”, pero preferiría creerlo como una inspiración más que un intento de imitación. Es impresionante como el tema “casamiento” y todo lo que ello implica es la última boga para filmes de taquilla. Ejemplos hay de sobra.

En suma, es una muy buena comedia romántica, quizás la mejor en lo que va del año. Con un humor suave, escenas encantadoras y frases al mejor estilo Hollywood, “27 dresses” nos rozan como solo éste lo sabe hacer.

Escena imperdible: Jane y Kevin pasan la noche en un bar en el medio de la nada, cantando “Benny and the Jets”.

Friday 11 April 2008

De chusmerío, cholulaje y policías

Hay dos palabras en ese título que no existen, pero las usamos…Que peculiar fue el día de hoy en la gran ciudad: los colectiveros estaban más apurados que nunca, el subte a toda hora estaba completamente lleno, los horarios me traicionaron y no fui puntual para llegar a cada lugar en el que tenía que estar y, como por acto de magia, camino a la universidad me crucé con Lucas Giayetto…Gracias pa, me alegraste el día.

Pero no estoy triste. Yo? Sigo con la energía de siempre aunque esté durmiendo poco. Por qué cambiar? Además, empezó el BAFICI , cosa importante del cine que había olvidado mencionar. El festival de películas independientes es una experiencia del otro mundo y una experiencia que subestimé. Los dos primeros días estaban los cines repletos de gente y no conseguí entradas para ver nada. Por lo tanto, saqué ayer varias por anticipado y me quedé un poco más tranquilo.

Entre la incontable multitud que había en el cine anoche, la posible presencia de personas famosas en el lugar (había alguien que era relativamente famoso y tenía gente sacándole fotos por todos lados…yo no la conocía) y el cholulaje al que éste hecho conlleva (a mi me gusta el cholulaje); un café, el recordar que estás entre los 100 mejores de Latinoamérica y el estreno de la increíble serie “Pushing Daisies”-Jueves a las 21 hs, por Warner Channel-con su irónica alegría y su irremediable tristeza y un elenco de actores virtualmente desconocidos (hoy día cada serie aunque sea tiene uno) es una brisa de aire fresco para la televisión y algo que les recomiendo altamente si sólo tienen tiempo para seguir “una” nueva serie…Esas son las cosas que te alegran el día, aunque ocurran casi al final. Creo que se puede.

Dejando un poco de lado la reflexión de la vida personal, hoy tenemos el último film de la semana de Kevin Spacey. Se llama “Los Angeles al desnudo” y fue de suma importancia para la carrera de algunos actores. Sin embargo, Spacey está en la película y simplemente es ‘uno más’. Se me olvidaba…algo nuevo está por venir; una nueva sección de la mano de nuestro propio Scorsese; pero él pronto se los explicará mejor.

La crítica de “L.A. Confidential”, a continuación.

“L.A. Confidential”

Entre otras cosas, lo que más me sorprende de “L.A. Confidential” es que el film es tan relevante hoy como lo fue hace diez años. No sé si el objetivo de su realizador era hacer una declaración, pero esta pieza, ambientada en los 50, hace una que todavía molesta a la gente hoy en día: la falta de justicia en este mundo injusto. Lo hace con algunos ‘clichés’ y con la cantidad necesaria de acción; pero con una inteligencia que no se ve comúnmente estos días.
“Tenés que pensar mientras ves esta película”, me decía el Matsan; enojado, callándome cada vez que decía algo. De hecho, no hace falta prestar tanta atención durante “L.A. Confidential” porque es una película tan gentil que, con experticia, explica todo en un par de momentos cruciales; pero si eligen seguirla paso a paso, será un paseo difícil Sospechosos.

“Zodiac” (mi crítica aquí) de David Fincher se estrenó el año pasado y es, diez años después, una versión con clase del modo violento y crudo que tiene Curtis Hanson de presentar un film. Sí, no es la misma historia y la película de Fincher se desarrolla en San Francisco, pero lo que ambas comparten esencialmente es la conexión en el género (además de la cercanía en períodos de tiempo). Si ven “Zodiac” y luego “L.A. Confidential”, notarán la elegancia de la primera y las condiciones menos cuidadosas de la segunda; donde las calles predominan y las reglas casi ni importan.

Sólo un hombre las sigue de cerca. Él es Edmund Exley (Guy Pearce), un policía en ascenso que hace todo lo que dice el manual y hasta toleraría el rechazo de sus colegas con tal de llegar a donde quiere. Bud White (Russell Crowe) es lo opuesto, con ‘brutalidad’ como segundo nombre y una debilidad por las mujeres abusadas; y Jack Vincennes (Spacey!) se para en el medio, resolviendo casos y recibiendo plata por ello de un reportero (Danny DeVito) que quiere ser siempre el primero en saber cada ‘chisme’; en una época donde cincuenta dólares significaba mucha plata.

Estos tres hombres (con nombres presentados en grandes letras que nunca olvidamos) se encuentran enredados en la resolución de un caso en el que nada es lo que parece. Claro que los hombres, así como los describo con estereotipos, no son lo que parecen tampoco; como casi todo en esta Los Angeles donde “no podés vivir si naciste sin alas”. Estas y otras frases se encuentran en el hermoso guión de Brian Helgeland y Curtis Hanson, basado en la novela de James Ellroy.

Creo que lo que hace que “L.A. Confidential” sea una película tan efectiva en la manera en que te llena de adrenalina y emoción puede explicarse en dos partes. La primera: la combinación entre Helgeland, uno de los escritores más talentosos y versátiles del cine contemporáneo; y Hanson, un director versátil que ha demostrado comprometerse con todo tipo de género. Ésta década ha hecho una historia de la vida real (“Wonder Boys”), una historia de familia (“In Her Shoes”), un relato de ‘underdogs’ (esos que salen de abajo y triunfan) con Eminen (“8 Mile”) y una comedia romántica (“Lucky You”). Las primeras tres son piezas muy buenas, la cuarta tengo que verla. Esta combinación de versatilidad marcó el camino para algo fresco y original.

Hoy no hacen películas como “L.A. Confidential”. Por lo menos no en ese género, con esa inteligencia y con esas actuaciones. El actor de carácter Kevin Spacey; tan convincente, tan poderoso y relajado, tan intenso, tan él mismo. Pearce, también lleno de carácter y único a la vez; y Russell Crowe, no he detallado mucho sobre él pero es fenomenal y lo haré una vez que escriba sobre “Gladiador”.

Hay algunos actores más que no he mencionado, pero creo que el placer en el cine está en mirar cosas que no sabemos o esperamos previamente…Traten de que “L.A. Confidential” sea una de esas películas, porque lo fue para mí; y fue increíble.

---9/10

Wednesday 9 April 2008

Un nivel debajo

Antes que nada, gracias a Santi Martinez; modelo y actor argentino, por recomendar mi humilde espacio en su fotolog que es visitado por miles de mujeres cada día. Yo no sé cuantas mujeres leen este blog (debería haberme hecho un fotolog y poner como foto los posters de los films, pero ya es tarde), pero para todas ellas les dejo la dirección del flog de Santi, para que vean fotos de sus producciones y para que traten (si es que pueden) de opinar alguna vez…Creo que las chicas tienen la página abierta todo el día y esperan a que Santi ponga una foto para poder opinar (fotolog.com/santinoooooo).

De vuelta a lo nuestro. Pasa que todos los actores, hasta los más grandes, dan pasos en falso. Hoy veremos el caso de Spacey (y de otros más, pero la semana es de Kevin) y su participación en un film que no vio ni las pantallas locales. A veces cuando un film va directo a video en Estados Unidos, nos llega igualmente al cine en el país; pero no fue el caso con “Edison”, un policial acerca de la corrupción en las fuerzas policiales en una ciudad que debería recordar (el film la menciona todo el tiempo) pero no puedo. Estará en video en Argentina? Estuvimos en Blockbuster y hay de todo; pero no lo sé. Igual no la recomendaría.

La crítica de “Edison”, a continuación.

“Edison”

Que “Edison” entrega es un hecho; y entrega bien. David J. Burke, un escritor de mucho conocimiento en lo que a policiales respecta (ha ayudado en muchas series), trató de hacer una historia más larga que supongo luego se convirtió en un guión que cuenta la vida del buen policía Rafe Deed (LL Cool J, quien se ha convertido en un buen actor) que se sacrifica en la división FRAT de Edison (puede que ese sea el nombre de la ciudad). Luego la historia se convirtió en el deseo de dirigir un film. No estoy seguro si él mismo era la mejor opción para la dirección de su propio relato.

Cuando se filma una película policial, la dirección tiene que estar completamente conectada a la escritura, para que el espectador pueda ver los verdaderos objetivos del film. Básicamente, Burke trata de darnos un complejo relato acerca de la corrupción en las fuerzas policiales y su dirección simplemente no encaja. Es como que está pretendiendo ser interesante pero lo sentimos como algo más; entonces al comienzo (una primera escena muy motivador) la cámara se abraza a la oscuridad profunda y la edición es cuidadosa, pero cinco minutos luego las tomas dinámicas se apoderan del espacio y todo parece fuera de lugar.

En “Colateral”, el imparable film de Michael Mann acerca de un taxista amenazado por un asesino, el director consigue un perfecto balance entre el dinamismo y la observación pausada; en “Edison”, Burke está jugando con la cámara (y está jugando muy bien) pero no para el beneficio de la película. Es una lástima, porque su guión está bien construido, es confuso y, excepto por algunas aburridas e impropias voces en off, demanda atención.

Es por eso que le prestamos mucha atención a los personajes, inteligentes y supervivientes humanos con más de una dimensión. Todos están un paso adelante en el mundo de Burke; todos son un poco más vivos, y necesitan serlo pues viven en un ambiente lleno de misterios y de verdades no descubiertas. Él crea a los buenos; los periodistas y los investigadores: Moses Ashford, interpretado por un relajado Morgan Freeman que da en todas las notas correctas; Lee Wallace, otra de las composiciones únicas de Kevin Spacey y Josh Pollack, interpretado por Justin Timberlake en su primer intento de actuación. Si no lo hubiera visto en “Alpha Dog”, hubiera dicho que aquí está horrible; pero ahora conozco su rango, y no es pequeño.

Los malos; policías corruptos y políticos: Lazerov, una monumental actuación de Dylan McDermott; la linda entrega de John Hurt como el capitán Tilman y el Fiscal Jack Reigert, en la piel de un desperdiciado Cary Elwes. Como nosotros, Burke le da importancia a sus personajes; es por eso que las escenas de acción no son todas “correr y matar” y contienen tensas interacciones entre los jugadores, lo que no es común cuando vuelan cosas.

Hay películas como “SWAT” que son puro entretenimiento y las aceptamos por eso, entonces nos gustan. Luego hay trabajos con “Edison”, que deberían ser interesantes y diferentes para que las pongamos un nivel más arriba. También deberían ser más largas, porque aparentemente tienen más cosas para contar. Sin embargo, la película de Burke es mucho más corta que “SWAT”, no llega a pasar y se queda un nivel más abajo.

---6/10

Monday 7 April 2008

Es la cara, es la cara

Al parecer, la última encuesta tuvo resultados muy desparejos. Yo no pretendía encarar esta semana hasta un largo tiempo pero la victoria apabullante de Tom Hanks no me dejó más remedio; me puso muy triste. Nadie lo quiere a Kevin Spacey?

La razón por la que puse a estos dos actores a competir en la encuesta no es coincidencia; basta una pequeña mirada profunda para determinar que, hoy por hoy, Hanks y Spacey son los "actores americanos populares por excelencia". Jamás han encarado un rol que les requiera un acento de otro país (exceptuando la excepcional actuación de Hanks en "La Terminal"), ambos cuentan con dos premios de la Academia y ambos han encarado la dirección de un proyecto una sola vez, y lo han relacionado con la música.


Como ven, éstas y otras semejanzas (además del hecho de que son muy queridas) los ponen en el mismo plano. A lo que quiero llegar es que yo lo prefiero a Kevin Spacey. Ojo: no lo odio a Tom Hanks; respeto toda su carrera y su versatilidad. Pero hay algo de Spacey que trasciende la pantalla grande, y el mejor lugar para encontrar ese algo es su cara.

Nos remitiremos a ese concepto simple durante esta semana, en la que no salgo a defender a Spacey, sino que expongo algunos de sus trabajos menos conocidos y trato de demostrar que hasta yo mismo me olvido de su participación en algunos films; simplemente porque siempre parece 'uno más'. Esta habilidad, digna de un actor de carácter, es lo que lo diferencia de Hanks, que suele inclinarse más hacia roles de importante presencia histórica y/o popular.

Hasta ahí lo dejo (no me gusta extenderme mucho en las introducciones), contradiciéndome un poco ya que en el film de hoy Spacey justamente encarna a David Gale, un profesor estadounidense injustamente acusado de violación. El Matsan, que lo tiene más patente que yo y que lo disfrutó un poco más, dice que la traducción es la siguiente:

“La vida y muerte de David Gale”

Al terminar de ver ésta película, me pregunté: ¿Qué tiene de malo esto? ¿Por qué alguna gente no puede ver los buenos puntos que esto muestra? Este es un proyecto verdaderamente alentador; es de gran valentía mostrar cosas como éstas en el cine y también es difícil saber cuanto, o más precisamente lo que podría hacer una persona para demostrar que está en contra de algo. Yo no veo nada malo en eso.

Esta es una historia bien construida. Hay muchos puntos para hablar y discutir, porque creo que debe hacerse. En tres días, dos personas se ‘conocerán’, en todo el sentido de la palabra. La imagen de uno depende del otro, y casi ni se conocen (valga la redundancia). Muchos detalles de la historia (la historia de David Gale) serán contados, y Bitsey Bloom (Kate Winslet) hará lo mejor para ayudar, porque tal vez no pueda.

Como hay mucha conversación en el film, se requería de un buen guión. Un guión real que profundizara de modo que lo que dicen estos personajes fuera lo mismo que diría cualquiera en la misma situación. El guión de Charles Randolph es creíble y muy bueno. Sin embargo, una de las desventajas del film tiene que ver con esto. Quizá era imposible, pero podrían haber escrito la historia en las palabras de Gale (Spacey lo hubiera hecho a la perfección), porque la interacción entre él y Bloom hubiera sido más intensa; podríamos haber sentido la emoción en sus rostros. Pero como siempre había imágenes que los realizadores debían mostrar en ‘flashbacks’ para que entendiéramos la historia…Quizá es mejor así.

Junto con el guión, viene un muy interesante trabajo de cámara; preocupado por los personajes. Casi ni se mueve, quiero decir, hay algunas tomas donde necesita mostrar algo y gira un poco, además de las ‘tomas de las palabras’, un efecto que se da cada vez que Gale comienza a hablar. Luego simplemente se queda quieta, pero no es una sola cámara; hay otras listas para filmar la acción (quieta) desde otro lado. Nada mal.

Por supuesto que no podemos olvidar a los personajes, porque el film es acerca de ellos. Spacey es un actor de carácter, un creador de personajes. Siempre lo ha mostrado; tiene esa cara, a veces. Como una cara inmóvil que observa. Una cara que podría saber mucho o básicamente nada. Estuvo brillante en la excelente “Los Sospechosos de Siempre” (aquí el análisis completo) y en “Belleza Americana”; sorprendió también en “El negociador” y en uno de mis films favoritos, “Cadena de favores”. Cada cara, cada mirada, la hace aquí; pero para este personaje. Sé que parece simple, pero no lo es.

Yo siempre digo que Kate Winslet es fenomenal. No puedo evitar que me guste en todo lo que hace. Lo hace con naturalidad, y bien. ¿Qué más se puede pedir de una actriz? Siempre da lo mejor en sus trabajos y crea a una Bitsey segura de si misma y alguien en quien la confianza puede depositarse.

Los otros papeles secundarios; Laura Linney y Gabriel Mann. Mann es una revelación; aparece calmado y gentil, no muy arrogante, y haciendo su personaje creíble. Linney está increíble, como siempre, dando una interpretación convincente de una mujer obsesionada con las cosas que defiende, pero a la vez triste y solitaria.

Podría decirse que hay dos tipos de ‘películas de personajes’ (se acuerdan?): las de la historia de los personajes y las de los personajes en la historia. Puede que no tenga sentido, pero supongo que este film une ambos tipos.

---7/10

Friday 4 April 2008

Pequeña recomendación

Un poco de todo, y un poco rápido porque ando medio mal con el tiempo. Así como Alan hace en su grandioso "Humor por horas", les dejo alguna que otra recomendación para el fin de semana...Y que les sea leve Sospechosos!

-Sé que lo nuestro es el cine, pero mi amigo Tomás Raimondo me hizo llegar una página donde cerrando los ojos y poniéndote dos auriculares con la luz apagada, algo llamado magia ocurre. Es "escuchar para creer", y dura sólo 5 minutos. Se llama "Peluquería Virtual". El link: http://www.maikelnai.es/?p=615

-Para los que disfruten de un buen film en el cine, les informo que ayer se estrenó en la Argentina "La Conspiración", obra de Paul Haggis de la cual hice la crítica un poco más abajo. Es una película que recomiendo con mucho entusiasmo.

-Para alquilar? El otro día unos amigos se quedaron y vieron "Ligeramente Embarazada". Mi crítica la pueden encontrar en el especial de las 10 mejores películas del 2007. La película es fenomenal.

Saludos...

Wednesday 2 April 2008

Mis 2 favoritas

Post especialísimo es este, porque ésta semana ha estado muy movida y no he tenido el tiempo suficiente para escribir algo como la gente; nunca voy a escribir para ustedes si no es "como la gente". Pero para mi suerte, el señor Alejandro Torriggino se acordó de la sección "Mis 2 favoritas" y la invitación abierta a cualquiera que quiera participar de la misma opinando acerca de lo que le gusta.

Es por eso que con mucho orgullo les dejo las críticas de un gran amigo y lector de este blog, además de alguien que sabe mucho de cine y tiene dotes de director (pueden ver su trabajo en nuestro link "Nuestro Propio Scorsese")...Disfruten y repito: cualquiera que quiera colaborar, deje un comentario y nos arreglamos. Saludos Sospechosos...

PD: Para el Torri...te olvidaste de la foto y me ganaste de mano con la crítica de "Embriagado de amor"...te la iba a dedicar

O Casamento de Romeu e Julieta (2006)

Soy un acérrimo fan de las comedias románticas. Y este film brasilero, es perfecto ejemplo de aquella producción que llega para decirnos: “Basta de Hollywood; en otros lados también se hacen cosas buenas”.

El solo título de la película nos remite a la obra de Shakespeare, -sobre la cual se basa- pero en una adaptación sumamente contemporánea aunque substanciosa. Y es que este “amor imposible” se delinea sobre la rivalidad frívola del fútbol brasilero en un principio, y luego entre las mismas familias de los protagonistas, así como en la tragedia.

Romeo (Marco Ricca) y la despampanante Julieta (Luana Piovani) buscarán cada una de las salidas posibles para llevar adelante su amor, en medio de una batalla campal entre familiares, barrabravas y prestigio social. Ahora, si bien es una comedia romántica, tiene mas situaciones cómicas que amorosas, y los leves “clímax” de la pareja se ven interrumpidos felizmente por alguna carcajada. Hay un diálogo de padre a hijo que define perfectamente el alma de la película: “¿Mi viejo enamorado?” pregunta este último, a lo el padre responde: “¿Sabes lo que es mirar a los ojos a otra persona?” y la réplica final: “Haces eso todos los días. ¡Eres oftalmólogo!”.

La película esta repleta de escenas como estas, y la calidad fue lo que mas me gustó. Con un humor diferente y unas actuaciones sumamente profesionales, el director Bruno Barreto logra conformar una historia alegre en las disputas del tercer mundo y consagrar “O Casamento…” en un importante podio dentro del cine carioca.

Punch - Drunk Love (2002)

Por otra parte, elijo esta película por dos razones: primero, porque es totalmente surrealista; segundo, por haberla visto tantas veces y haber quedado fascinado en cada una de ellas. El doblaje del titulo a Latinoamérica fue “Embriagado de Amor”, y no puede haber sido más acertado. El odio que le tenia a Adam Sandler desde que vi “Mr. Deeds” (muchos sabrán por que!) quedó disuelto al ver este filme. Encarna un personaje totalmente inimaginado para los papeles que venía protagonizando, -y que continuó en el futuro- en un historia de amor que puede parecer absurda en su mitad, pero que logra reivindicarse gloriosamente en la otra. De esta reivindicación hablo con frases como: “Tengo un amor en mi vida, y me hace más fuerte que cualquier cosa que puedas imaginar”.

En la historia, Barry Egan (Sandler) es un asistente de ventas que lleva una vida mediocre y rutinaria, la cual sobrelleva incentivándose con vicios inútiles y estupideces sin importancia. Bajo la inocente apariencia de Barry se esconde una furia incontrolable, que es desatada probablemente por ser el menor entre siete hermanas, las cuales lo han mimado siempre y ahora lo ayudan a comenzar su vida. La llamada a una línea de sexo telefónico y el posterior encuentro con Lena (una impresionante Emily Watson) llevaran a Barry al borde del desquicio, el cual tendrá que controlar para poder quedarse con su extravagante amor. Si bien esta reseña les pareció extraña, rara, o lo que sea, esperen a ver las difuminaciones de colores sobre la pantalla, la música sobrepasando lo singular y sobretodo un Adam Sandler haciendo trizas una ventana completamente de la nada.